Arte de grado de inversión

Derechos de los trabajadores: edición limitada de gran formato, serigrafía de 4 colores extraída a mano en papel de archivo barnizado 100% algodón con bordes adornados a mano por Shepard Fairey Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Serigrafía a 4 colores sobre papel de archivo barnizado 100% algodón. 30 x 40 pulgadas. Firmado por Shepard Fairey. Edición numerada de 100. La fotografía de Jim Marshall fue tomada en el Capitolio del Estado de California en Sacramento después de que Ces One-Rob Provenzano ar Chávez completara su marcha de 300 millas en apoyo de los derechos de los trabajadores agrícolas. Jim capturó a Chávez en una pose que sugiere la visión y el liderazgo que él realmente encarnaba.

Leer Saber más less

Paths We Pave Pintura original Pintura en aerosol y acrílico sobre madera acunada por Malt Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2011 Caminos firmados que pavimentamos pintura acrílica original en aerosol de Malt Malt es un artista autodidacta que vive y trabaja en Metro Detroit. Combinando técnicas de graffiti y aerosol con su estilo acrílico característico, el último trabajo de Malt da un giro abstracto a los paisajes tradicionales y los personajes que habitan los fondos psicodélicos. La yuxtaposición de pájaros del bosque, árboles, vida/muerte, crecimiento/decadencia, fuerza/debilidad es lo que mantiene las cosas frescas y habitualmente interesantes en el trabajo de Malt.

Leer Saber más less

Diamond FAILEdoodle: serigrafía de edición limitada de 2 colores rojo/negro, acrílico, pintura en aerosol, tinta de serigrafía e impresión con purpurina en papel Lenox de archivo de Faile Rare Street Art, famoso artista de arte pop. 2022 Diamond FAILEdoodle: Rojo/Negro 19 x 25 pulgadas Cada variante, una edición de 25 acrílicos, pintura en aerosol, tinta de serigrafía y purpurina en Archival Lenox 100 firmados, estampados y en relieve. El año pasado nació una nueva raza de Faile Dog. Encontrado por primera vez en las calles de Nueva York, este cachorro llegó al estudio y realmente cobró vida. Últimamente hemos estado impulsando nuestro proceso de impresión brillante y esta nos pareció la impresión perfecta para introducirlo en nuestra práctica. Cuatro ediciones diferentes, dos en purpurina roja y dos en purpurina negra. Todo teñido, rociado, pintado e impreso; son todas las características de una impresión de estudio ahora con mucho más brillo. Usando palabras de los propios artistas, la obra de arte “le da a la persona la sensación de que está ahí solo para ella. Que hayan tropezado con esta pequeña gran joya en medio del caos de la vida diaria que realmente puede hablarles. Intentamos crear una cierta ambigüedad que deje la puerta abierta para que el espectador se encuentre dentro de la historia”. Este carácter relacional del arte de FAILE se corresponde y se amplifica con sus constantes viajes y la falta de un estudio permanente hasta mediados de la década de 2000. Esto resultó en la adopción y utilización de las calles urbanas por parte del dúo y, naturalmente, le dio a la obra producida un carácter "específico del sitio", ya que el arte público inevitablemente se ajusta a la ubicación de la exhibición.

Leer Saber más less

Conjunto de serigrafía The Birdsong Project Portfolio de Shepard Fairey OBEY x Varios artistas en obra de arte de edición limitada en papel de bellas artes. 2023 Cada uno firmado por artista, caja firmada por Shepard Fairey y edición limitada numerada de 250 obras de arte de tamaño 12 x 12 Juego de serigrafía para el proyecto Birdsong Portafolio de 20 impresiones diferentes de diferentes artistas. Conjunto de impresión del portafolio del proyecto Birdsong con artistas: Brian Calvin, Danny Romeril, Deedee Cheriel, Duke Riley, Eggpicnic, Ernesto Yerena, Faith47, Isobel Harvey, Jim Houser, Joonbug, Kevin Earl Taylor, Keya Tama, Lovehawk, Mark Mothersbaugh, Monica Canilao, Ravi Zupa, Shepard Fairey, Sophie Wake, Tim Biskup y TOMO77. Pájaros en el reino del arte pop callejero y el graffiti Las aves, como motivos, tienen un atractivo universal y un significado simbólico que resuenan en todas las culturas, lo que las convierte en un tema frecuente en el arte pop callejero y el graffiti. A menudo se utilizan para simbolizar la libertad, la trascendencia y la paz, conceptos que se alinean con la naturaleza liberadora del arte callejero. La representación de aves en este género puede variar desde murales realistas que celebran la biodiversidad hasta íconos estilizados que sirven como metáforas de ideales sociales y políticos. La flexibilidad de las imágenes de aves permite a los artistas callejeros y pop recorrer temas que van desde lo ecológico hasta lo fantástico. En entornos urbanos, donde el hormigón a menudo eclipsa la vegetación, la representación de aves puede ser un recordatorio conmovedor del mundo natural que persiste en medio del paisaje urbano. Pueden contrastar el entorno urbano o como un elemento armonioso, encarnando la tensión y el equilibrio entre lo natural y lo artificial. Simbolismo y técnica en el arte aviar Cuando se representan pájaros en el arte callejero y pop, su representación puede tener múltiples niveles de significado. Por ejemplo, una imagen de una paloma puede ser un símbolo sencillo de paz o recontextualizada para comentar sobre cuestiones de guerra y conflictos urbanos. Las técnicas artísticas empleadas para representar aves también pueden variar ampliamente, desde representaciones fotorrealistas elaboradas que celebran la belleza de estas criaturas hasta interpretaciones geométricas abstractas que destilan sus formas en formas y colores esenciales. La diversidad de especies de aves también ofrece una rica paleta para que los artistas puedan dibujar, y los colores y patrones de diferentes aves brindan una inspiración infinita para la experimentación visual. En el arte pop callejero y el graffiti, la representación de aves puede ser tanto una celebración de la diversidad de la naturaleza como un desafío artístico, empujando a los artistas a capturar la esencia de estas criaturas de maneras innovadoras. El impacto cultural del arte con temática aviar Las obras de arte que representan aves tienen el potencial de tener un impacto cultural significativo, particularmente en el contexto de la conciencia ambiental y los esfuerzos de conservación. Arte pop callejero y graffiti Las obras de arte que muestran aves pueden llamar la atención sobre la difícil situación de las especies en peligro de extinción o la importancia de los espacios verdes urbanos. Además, estas obras de arte pueden contribuir al bienestar estético y psicológico de los habitantes de las ciudades, ofreciendo momentos de belleza y reflexión en medio del ajetreo urbano. El reconocimiento universal de las imágenes de aves también significa que el arte con temática aviar tiene un amplio atractivo y puede trascender las barreras lingüísticas y culturales. Esto convierte a las aves en un tema ideal para el arte público destinado a atraer audiencias diversas y fomentar un sentido de comunidad y aprecio compartido por la naturaleza. Las aves son un tema dinámico y multifacético dentro del Street Pop Art y el graffiti, y sirven como símbolos de libertad, agentes de belleza y recordatorios del mundo natural. Su representación en el arte puede variar de literal a simbólica, de realista a abstracta, y cada interpretación ofrece una faceta diferente de significado y valor estético.

Leer Saber más less

Misfits Unique on Paper Serigrafía de 5 HPM de Hijack Serigrafía tirada a mano en papel de bellas artes Obra de arte pop callejero de edición limitada. 2022 Firmado y HPM Original pintado a mano con aerosol Edición limitada de 5 cada obra de arte única Tamaño 50x38

Leer Saber más less

Serigrafía CamoSplash rosa amarillo naranja de Mr Brainwash: Thierry Guetta Serigrafía de 8 colores extraída a mano en papel de bellas artes Obra de arte pop callejero de edición limitada. Edición limitada numerada y firmada de 2022 de 50 obras de arte Tamaño 38 x 38 Huella digital y fecha en la parte posterior Parte de la serie CamoSplash Impresión en serigrafía CamoSplash rosa, amarillo y naranja de Mr Brainwash CamoSplash rosa, amarillo y naranja es una expresión vibrante de caos y color de la serie CamoSplash 2022 de Thierry Guetta, el artista nacido en Francia ampliamente conocido en la comunidad de Street Pop Art y Graffiti Artwork como Mr Brainwash. Esta serigrafía de 38 colores, hecha a mano, de 38 por 8 pulgadas, es una edición limitada de solo 50 piezas, cada una firmada, numerada y marcada con la huella digital del artista y la fecha en el reverso. Impreso en papel de bellas artes de alta calidad, es una representación audaz del enfoque característico de Mr Brainwash: una colisión de energía estética, cultura callejera e ironía conceptual. Camuflaje subversivo y simbolismo saturado La obra juega con la idea del ocultamiento a través del camuflaje mientras abraza una paleta que exige visibilidad. El rosa neón, el amarillo intenso y el naranja intenso se combinan y se arremolinan en patrones que hacen referencia a los textiles militares, pero que hablan fuerte en el lenguaje visual de la protesta, el espectáculo y la moda. Mr Brainwash recupera el camuflaje de su uso tradicional para mezclarse y lo reposiciona como una táctica artística para destacar. La vibrante historia del color lleva la estética a una nueva zona, una donde la agresión visual se convierte en una herramienta para la libertad expresiva. En lugar de ocultar a quien lo lleva, esta estética de camuflaje lo convierte en un cartel ambulante de color y actitud. Proceso y textura como firma visual Utilizando ocho capas de color individuales, Mr Brainwash transforma cada impresión en una experiencia de textura física. La superposición de tintas crea peso visual, con salpicaduras, goteos y manchas expresivas que muestran la experiencia del artista en el etiquetado urbano y las obras públicas espontáneas. Cada edición puede presentar ligeras diferencias debido al proceso de extracción manual, lo que otorga a cada impresión una huella singular dentro del conjunto mayor. Esto se alinea con la filosofía artística más amplia de Mr Brainwash: que incluso la cultura de masas contiene espacio para la individualidad. Las imperfecciones deliberadas reflejan la energía impredecible del arte callejero y reafirman el toque humano en una era de replicación digital. Contexto cultural dentro de la serie CamoSplash CamoSplash Pink Yellow Orange ocupa un papel distintivo dentro de la serie CamoSplash al utilizar algunos de los tonos más energéticos de la biblioteca de colores del artista. Mientras que otras obras de la serie exploran tonos más fríos o interpretaciones apagadas del camuflaje, esta pieza es descaradamente ruidosa. El uso de rosa y amarillo no solo desafía las paletas de camuflaje tradicionales, sino que también inyecta en la impresión asociaciones de cultura de consumo pop, género y protesta. La pieza se convierte en un acto visual de resistencia, llevando la teoría del color al territorio emocional. Capta el espíritu de toda la carrera de Mr Brainwash: ruidoso, complejo, satírico y alegremente subversivo.

Leer Saber más less

Mapas del metro de la ciudad de Nueva York IV Pintura en aerosol de edición limitada Impresiones de pigmentos de archivo HPM adornadas a mano en papel artístico Moab por Cope2 Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2019 Edición limitada firmada y numerada de 15 ilustraciones Tamaño 17x24. Mapas del metro de la ciudad de Nueva York IV, 2019 Impresión pigmentada de archivo en colores con adornos hechos a mano en papel Moab Fine Art 17 x 24 pulgadas (43.2 cm x 61) (hoja) Ed. 10/15 Firmado y numerado a lápiz abajo a la izquierda. El trabajo muestra un desgarro de 5 pulgadas en el borde inferior izquierdo. Adoptando narrativas urbanas: mapas del metro de la ciudad de Nueva York IV de Cope2 "Mapas del metro de la ciudad de Nueva York IV" de Cope2 es una fusión dinámica de la energía cruda del graffiti con la estética refinada del arte pop moderno, que encarna el pulso de la vida urbana en un artefacto tangible de la ciudad. movimiento diario. Esta serie de edición limitada de 2019, con solo 15 piezas firmadas y numeradas, representa una contribución significativa al movimiento Street Pop Art y Graffiti Artwork. Cada pieza de 17x24 pulgadas es una impresión pigmentada de archivo adornada a mano en papel Moab Fine Art, que ofrece una combinación única de cultura callejera y arte elevado. La firma de Cope2 autentica la obra, y su número de edición está escrito a lápiz en la parte inferior izquierda, y una pieza en particular muestra un desgarro menor de 5 pulgadas, lo que aumenta la sensación auténtica de la obra de arte. La pieza sirve como un archivo visual de la historia del graffiti de Nueva York, inmortalizando el arte espontáneo, a menudo temporal, que adorna los mapas del metro de la ciudad. Cope2, nativo del Bronx, aporta autenticidad y credibilidad callejera a su trabajo, con una reputación de más de tres décadas en la escena del graffiti. Su "New York City Subway Maps IV" refleja la naturaleza compleja y en capas del arte callejero urbano, donde etiquetas y símbolos se entremezclan para contar las historias de los diversos habitantes de la ciudad. La intersección del arte callejero y las bellas artes de Cope2 Las obras de arte de Cope2 se encuentran en la intersección del arte callejero y las bellas artes, capturando la esencia de un medio dentro de la forma del otro. Sus piezas son más que meras representaciones de graffiti callejero; son la confluencia de las experiencias vividas y las interacciones del artista con el entorno urbano. Los colores atrevidos y saturados y las pinceladas agresivas se remontan a la época dorada del graffiti en los años 1980 y 1990, cuando artistas como Cope2 no sólo decoraban la ciudad sino que también marcaban territorios y expresaban identidades. La edición limitada de "New York City Subway Maps IV" y los adornos hechos a mano por el propio Cope2 garantizan que cada impresión sea una obra de arte única, que encarna tanto el espíritu del arte callejero original como el toque personal del artista. La serie resume la crudeza de la subcultura del graffiti y al mismo tiempo la eleva a través del grabado artístico, desafiando las nociones tradicionales de lo que constituye arte y quién es considerado un artista. En esencia, el trabajo de Cope2 es una celebración del lenguaje visual de las calles, presentado en el contexto de las bellas artes. Ofrece una narrativa profundamente arraigada en el tejido cultural de la ciudad de Nueva York, proporcionando una instantánea de un movimiento que ha evolucionado desde los márgenes hasta la corriente principal. La serie "New York City Subway Maps IV" no sólo rinde homenaje a la historia del arte callejero sino que también afirma su lugar dentro del continuo del arte contemporáneo.

Leer Saber más less

Plantilla Chanel Dark Side HPM sobre madera de Ben Frost Panel múltiple pintado a mano listo para colgar por ARTISTA Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Edición 2022 firmada y numerada de 3 ilustraciones impresas de HPM MEDIA Tamaño 27.5 x 23.5 Pintura acrílica y en aerosol sobre tabla con asas de cuerda sintética

Leer Saber más less

Runaway Paradise: Serigrafía en la cara B en negro/DFXX de Faile HPM, tirada a mano en 4 colores con plantilla en Coventry Rag de 310 g/m². Edición limitada firmada y numerada de 2022 de 8 obras de arte HPM Tamaño de la obra de arte 24 x 38 24 x 38 pulgadas / Cada una una edición de 8 Tinta acrílica y serigrafía sobre papel Lenox 100 Firmada, estampada y en relieve FAILE 2022 "Basándonos en una nueva imagen de nuestro espectáculo Endless en Miami, estamos lanzando una impresión de Runaway Paradise serigrafiada y pintada a mano. Estas obras reflejan algunas pinturas más nuevas en las que hemos estado trabajando en el estudio y realmente nos ha gustado trabajar dentro de ese estilo. Estos estampados son FAILE atrevidos y clásicos. Realizados a partir de una serie de fondos pintados, impresiones en esténcil y serigrafías forman un conjunto vibrante. Los hicimos en tres ediciones de 8. El lado B presenta una impresión de DFXX Sound / Vision. -Faile Runaway Paradise: Black/ DFXX B-Side Serigrafía de Faile – Edición limitada Street Pop Art & Graffiti Artwork Faile, el dúo artístico con sede en Brooklyn conocido por su enfoque audaz y en capas del Street Pop Art & Graffiti Artwork, presenta Runaway Paradise: Black/ DFXX B-Side. Esta serigrafía hecha a mano, creada con técnicas de esténcil y acrílico sobre papel Coventry Rag de 310 g/m², es una sorprendente continuación de su estilo visual característico. Con una edición limitada firmada y numerada de solo ocho ejemplares, esta obra de arte se erige como una pieza rara y altamente coleccionable. La composición de 24x38 pulgadas es una extensión de su serie Endless, originalmente exhibida en Miami, y está profundamente conectada con su práctica de estudio, donde convergen fondos pintados, plantillas y técnicas de serigrafía. Este estampado explota con tonos saturados de rosa, rojo y amarillo contrastados con un negro profundo, creando una estética de alta energía. Las imágenes son inequívocamente failles, combinando figuras de estilo pulp retro, nostalgia americana y un sentido de rebelión con infusión punk. El título Runaway Paradise evoca una huida onírica, aunque los matices caóticos apuntan a una narrativa más compleja. Los cocodrilos muerden los pies de personajes despreocupados, mientras tipografías audaces como Silent Partner y American Illusions enmarcan la obra de arte, reforzando los temas del deseo, el engaño y la fantasía fugaz. Faile y la evolución del street pop art y el graffiti Desde finales de los años 1990, Faile ha sido una de las fuerzas más innovadoras en el street pop art y el graffiti contemporáneos. El dúo, formado por Patrick McNeil y Patrick Miller, construyó su reputación a través de murales encolados a gran escala, pintados a mano e impresiones en técnica mixta que se inspiran en la publicidad, la propaganda y la estética del cómic. Su trabajo refleja una profunda comprensión de la cultura visual, mezclando imágenes familiares en composiciones en capas que desafían las percepciones del consumismo, la nostalgia y la identidad. El lenguaje artístico de Faile es instantáneamente reconocible, mezclando texturas angustiadas, narrativas fracturadas y una cruda sensibilidad de arte callejero. Su proceso está profundamente arraigado en las técnicas tradicionales de grabado, incorporando a menudo elementos pintados a mano, trabajos de collage y aplicaciones experimentales de color y textura. Cada pieza lleva la esencia de una estética vivida y desgastada que refleja la decadencia y la vitalidad de los paisajes urbanos. Runaway Paradise: una colisión de pulp fiction, nostalgia y caos urbano Runaway Paradise es un ejemplo perfecto de la capacidad de Faile para equilibrar la narración visual con un sentido de imprevisibilidad. La obra de arte hace referencia a portadas de novelas pulp antiguas, anuncios de mediados de siglo y a la cultura de los carteles de rock and roll, todo ello mezclado a través de una lente inspirada en el graffiti. Los personajes parecen despreocupados, casi ajenos al peligro que acecha debajo de ellos, lo que refuerza los temas del escapismo americano y las ilusiones del paraíso. Los elementos de texto dispersos a lo largo de la composición sirven como comentario y como interrupción, llevando al espectador a cuestionar el significado más profundo detrás de las imágenes vibrantes. La elección del negro, el rosa neón y el rojo intenso añade intensidad a la composición, creando un efecto casi hipnótico. La impresión DFXX Sound/Vision en el lado B amplía aún más la profundidad conceptual de la obra de arte, vinculándola con la exploración continua de Faile de la música, los medios y la influencia subcultural. La superposición de tinta serigráfica con trabajo de plantilla garantiza que cada impresión tenga una personalidad distinta, lo que convierte a cada edición de este conjunto en una pieza única de arte pop callejero y graffiti. La influencia de la obra de Faile en el arte contemporáneo Faile continúa ampliando los límites de lo que puede ser el arte pop callejero y el graffiti, fusionando técnicas de alto nivel con la energía rebelde de la cultura callejera. Su obra se puede encontrar en galerías, museos e instalaciones públicas de todo el mundo, aunque nunca pierde su espíritu underground. Al incorporar técnicas de serigrafía manual y aplicaciones de plantillas, mantienen su trabajo basado en la experiencia cruda y táctil del grabado, evitando la esterilidad de la producción en masa. Runaway Paradise representa una mezcla perfecta del pasado y el presente de Faile, haciendo eco de sus primeras raíces de arte callejero al tiempo que incorpora las técnicas refinadas que han desarrollado durante décadas. Esta edición limitada es tanto una declaración artística como un artefacto cultural, demostrando que el arte pop callejero y el grafiti siguen prosperando en formas nuevas e inesperadas.

Leer Saber más less

Capitán América HPM Spray Paint Serigrafía por Mr. Brainwash- Thierry Guetta Serigrafía de técnica mixta en Deckled Fine Art Paper Edición limitada de arte pop callejero. 2018 Pintura en aerosol enmarcada personalizada firmada, pintura acrílica, técnica mixta, obra de arte adornada con HPM, tamaño 36.5 x 48.5. Estilística portada de cómic del superhéroe Capitán América de Marvel Comics con toneladas de colorida pintura en aerosol y pintura adornada a mano. Marco de color bronce estilo martillado envejecido adornado personalizado Tamaño 46.5x58.5 La interpretación artística de Thierry Guetta del Capitán América En Street Pop Art y Graffiti Artwork, 2018 fue testigo de una extraordinaria fusión de heroísmo del cómic y lenguaje visual urbano con Thierry Guetta, conocido en el mundo del arte como Mr. Brainwash, presentando su creación única, "Capitán América". Esta pieza ejemplifica la atrevida combinación de imágenes clásicas de superhéroes con el poder crudo y expresivo de las técnicas del arte callejero. El trabajo de Thierry Guetta frecuentemente trastoca los límites convencionales entre el arte elevado y la cultura popular, recurriendo a símbolos familiares de nuestra conciencia colectiva y reimaginándolos a través de una lente de realismo descarnado y abstracción vibrante. En "Capitán América", Guetta muestra su estilo distintivo de arte enérgico y de medios mixtos, que se ha convertido en un sello distintivo de su obra. Esta impresionante serigrafía adornada a mano da vida al icónico superhéroe de Marvel Comics sobre un fondo de papel artístico adornado. El uso dinámico de pinturas acrílicas y en aerosol acentúa aún más la obra de arte, que envuelve al superhéroe en una cascada de colores vivos y goteantes. Esta no es sólo una representación del Capitán América; es una encarnación de la esencia del personaje, presentada a través del prisma de la sensibilidad del arte callejero. Composición y artesanía en "Capitán América" "Capitán América" ​​de Guetta representa la habilidad del artista para manipular la forma y el contenido para ofrecer una declaración visual poderosa. La composición toma prestado el diseño de la portada estilística de un cómic, pero está fracturada y recompuesta con un caos controlado característico del trabajo de Guetta. La obra de arte es una pieza de edición limitada que lleva la firma del artista, lo que da fe de su autenticidad y el prestigio de poseer un original de Guetta. El tamaño de la obra de arte, que mide 36.5 x 48.5 pulgadas, proporciona un gran lienzo para la explosiva creatividad de Guetta. Por el contrario, el marco de color bronce de estilo antiguo martillado adornado a medida, con un tamaño de 46.5 x 58.5 pulgadas, le da un recinto resistente y majestuoso. El impacto del Street Pop Art, como se ve en "Capitán América" ​​de Guetta, es profundo y señala un cambio en la forma en que la sociedad contemporánea consume y aprecia el arte. A través de la lente de este género, íconos como el Capitán América no son meros sujetos a representar; son lienzos sobre los que se proyectan las complejidades de nuestro tiempo. La obra de Guetta, con sus gruesas capas de pintura y sus dramáticas salpicaduras, desafía al espectador a ver más allá de la superficie para interactuar con los símbolos de nuestra cultura de una manera que es a la vez crítica y celebratoria. Coleccionar y valorar las obras de arte pop callejero y graffiti de Guetta Como artefacto cultural, el "Capitán América" ​​tiene un peso significativo. El superhéroe es un emblema de la justicia, la libertad y el espíritu estadounidense, ideales que resuenan constantemente en el público de todo el mundo. La interpretación de Guetta no rehuye estas connotaciones, sino que las abraza y las amplifica. Al aplicar los motivos anárquicos del arte callejero a esta figura simbólica, Guetta invita al debate sobre el papel de tales héroes en la sociedad actual. El resultado es una obra de arte que invita a la reflexión y es visualmente deslumbrante. Los coleccionistas y fanáticos del arte y la tradición de los cómics se sienten atraídos por piezas como "Capitán América" ​​de Guetta por su atractivo estético, potencial de inversión y resonancia cultural. La convergencia de la accesibilidad del arte callejero y el atractivo masivo del arte pop ha creado un terreno fértil para que florezcan artistas como Guetta. Sus obras, en particular aquellas que interactúan con figuras icónicas, se convierten no solo en arte para colgar en una pared, sino también en conversaciones que mantener, preguntas que hacer e historias que escribir. "Capitán América" ​​de Thierry Guetta ilustra vívidamente el poder del arte pop callejero y el graffiti para comunicar, revolucionar y conmemorar. Es una pieza que captura el espíritu de la época, una pieza que trata tanto del pasado de un querido superhéroe como de la narrativa actual del lugar del arte callejero en los anales de la historia del arte. Mientras el trabajo de Guetta continúa intrigando e inspirando, es un recordatorio conmovedor del diálogo en evolución entre el arte y la sociedad.

Leer Saber más less

Protect the eARTh Serigrafía de 4 colores extraída a mano en papel de bellas artes por el artista de Pop Graffiti Hijack Rare Street Art Obra de arte de edición limitada. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 50 obras de arte de tamaño 22.5 x 30 Serigrafía de un hombre con un paraguas azul roto caminando junto a una pared de graffiti. "Protect the eARTh" de Hijack sirve como una profunda reflexión sobre la intersección de la vida urbana y la conciencia ambiental. Creada en 2022, esta obra de arte, limitada a una edición limitada de 50 piezas, demuestra la habilidad del artista para capturar el espíritu de la época de nuestro mundo contemporáneo. La impresión, que ocupa un lienzo de 22.5 x 30 pulgadas, comunica una historia íntima y universal a través de sus imágenes evocadoras. Un componente clave de la composición es la figura solitaria que navega por un paisaje urbano con un paraguas azul roto. Este paraguas, dañado pero aún cumpliendo su función, es emblemático de la resiliencia de la Tierra frente a los desafíos inducidos por el hombre. Su vibrante color azul, símbolo de las vastas aguas y los cielos despejados del planeta, contrasta marcadamente con el entorno urbano arenoso y en escala de grises. El telón de fondo, un antiguo muro de graffiti, subraya la impermanencia de los esfuerzos humanos. Entre la gran cantidad de etiquetas y marcas, se destacan las palabras "Protect eARTh" y "I LOVE EARTH", haciéndose eco del tema general de la pieza. A través de estos garabatos aparentemente aleatorios pero cuidadosamente seleccionados, Hijack enfatiza la importancia de valorar y preservar nuestro medio ambiente. "Protect the eARTh" es más que una imagen cautivadora; es una súplica urgente. Si bien se inspira en la estética y el espíritu del graffiti pop, la pieza trasciende el género y se convierte en una declaración universal sobre nuestra responsabilidad colectiva hacia el planeta. En esta impresión, Hijack combina magistralmente la inmediatez del arte callejero con un mensaje atemporal, creando un conmovedor recordatorio de la fragilidad del mundo y nuestro papel dentro de él.

Leer Saber más less

Mr Dob Una escultura artística en vinilo de edición limitada, obra de arte coleccionable del artista de la cultura pop japonesa Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Edición limitada 2017 de 400 Complexcon x BAITx Takashi Murakami 10 3/5 × 13 2/5 × 10 1/5 pulgadas Nuevo en caja. Sr. Escultura de vinilo Dob de Takashi Murakami: expresión maximalista en el arte pop callejero y el grafiti Sr. Dob A es una escultura de arte de vinilo de edición limitada de 2017 creada por Takashi Murakami en colaboración con BAIT y lanzada durante ComplexCon. Este artículo coleccionable, limitado a 400 piezas, mide aproximadamente 10.6 x 13.4 x 10.2 pulgadas y viene en su caja original con ilustraciones personalizadas de Murakami. La escultura captura el personaje recurrente del artista, el Sr. Dob, realizado en vinilo de alto brillo con detalles, patrones y colores abrumadores. Con tentáculos salvajes, ojos giratorios, dientes de arco iris dentados y un diseño de superficie hipnótico, el Sr. Dob A funciona como una encarnación física de la estética Superflat de Murakami y su exploración del exceso de la cultura pop moderna. Representa una convergencia clave entre las bellas artes japonesas, el espectáculo de consumo y la audaz energía visual del Street Pop Art y el graffiti. Diseño, Simbolismo y Técnica Escultórica Esta escultura del Sr. Dob A es al mismo tiempo fantástico y amenazante. La boca abierta de la figura es un vórtice cavernoso de arcoíris rodeado de dientes triangulares coloridos, mientras que las extremidades similares a las de un pulpo se enrollan hacia afuera, cada una cubierta de motivos oculares y patrones concéntricos. Con orejas enroscadas y ojos saltones, el personaje juega entre lo kawaii y lo kaiju, la inocencia y la amenaza. El acabado brillante refleja la obsesión de Murakami por la perfección pulida, un guiño a la fabricación de juguetes y la superficie limpia de la producción de anime. Cada curva es intencional, exagerada y llena de caos. La precisión del molde de vinilo y la pintura transforman la pieza en algo más que un juguete: es un objeto surrealista de bellas artes, producido con la exactitud de un diseñador, pero que late con anarquía visual. señor. Dob no es simplemente una mascota, sino una figura en constante evolución que simboliza la colisión de los medios de comunicación, la mitología y la locura personal. El papel cultural de Takashi Murakami y su influencia en la calle Takashi Murakami, nacido en Japón en 1962, es reconocido internacionalmente por su capacidad para unificar el arte elevado y la cultura comercial en un único marco visual. Su concepto característico de Superflat comprime la pintura japonesa tradicional con el consumismo de posguerra, el anime y la cultura otaku. señor. Dob es uno de los primeros y más significativos personajes de Murakami, que actúa como alter ego y como crítico de la saturación cultural. El Sr. La edición Dob A refleja la conexión de Murakami con las ferias de arte contemporáneo y el coleccionismo urbano, debutando en ComplexCon, un mercado impulsado por la moda, el arte y la cultura de la moda. En el mundo del Street Pop Art y del Graffiti, la obra de Murakami existe como un portal donde coexisten tradición y disrupción, y donde figuras como el Sr. Dob se convierte al mismo tiempo en símbolo y producto de la identidad visual global. Edición limitada de vinilo como objeto de colección de bellas artes Cada Mr. Una escultura de Dob está alojada en una caja de presentación personalizada que refleja la expresión del personaje, representada en un estilo vectorial audaz en cada superficie. El embalaje y la figura son inseparables en la narrativa: funcionan como una unidad coleccionable. Como edición limitada de 400 ejemplares, la obra ocupa una posición privilegiada entre objeto comercial y artefacto cultural. A diferencia de las figuras de vinilo producidas en masa, este lanzamiento está anclado en el linaje de arte conceptual y la estrategia coleccionable de Murakami. Su presencia en galerías, colecciones privadas y museos lo sitúa en diálogo directo con la conversación más amplia en torno a la función de los juguetes en las bellas artes. Dentro del mundo en expansión del Street Pop Art y el Graffiti, el Sr.

Leer Saber más less

The Beautiful Losers Portfolio & Catalog Edición en caja 2004-2010 Juego de cajas de museo Kaws- Brian Donnelly x Shepard Fairey- OBEY x Jonathan Levine Proyectos que presentan legendarios graffitis callejeros de docenas de artistas durante los años 2004, 2005, 2006, 2007, 2008, 2009 y 2010 Espectáculo. The Beautiful Losers Portfolio and Catalog Boxed Edition, 2006 es un tesoro escondido para los amantes del arte pop callejero y el graffiti, ya que ofrece una colección completa que captura el espíritu de la icónica exposición "Beautiful Losers". Este conjunto de edición limitada es un testimonio prístino de un momento decisivo en el arte contemporáneo y la creatividad cruda de la escena del arte callejero de 2004 a 2010. Cada elemento del conjunto, que lleva los números de edición correspondientes, está en perfecto estado, lo que garantiza su valor como objeto de colección y como pieza de la historia del arte. Portafolio y catálogo original de The Beautiful Losers Edición en caja 2004-2010 Juego de cajas de museo x Jonathan Levine. Las cajas de The Beautiful Losers 2004-2010 de Jonathan Levine Projects se lanzaron en una edición limitada, con la Portfolio Box limitada a menos de 30 ediciones y la Catalog Box limitada a 100. Cada juego está alojado en una caja de madera numerada e impresa personalizada, lo que agrega una capa de sofisticación y cuidado a la presentación de estas obras de arte. Las dimensiones de estas cajas, que miden 26 x 19 x 9 pulgadas, fueron elegidas cuidadosamente para acomodar la variedad de obras y sus diferentes tamaños, asegurando que se mantenga la integridad de cada pieza. Iconoclast publicó estas cajas con motivo de la exposición itinerante "Beautiful Losers", que se desarrolló entre 2004 y 2010. Esta exposición, junto con "Transfer", que recorrió varios lugares entre 2008 y 2010, mostró el talento floreciente y las diversas expresiones del arte pop callejero y el graffiti. La exposición Beautiful Losers y las publicaciones que la acompañan, incluido el libro "Beautiful Losers: Contemporary Art And Street Culture" publicado por Edition Iconoclast en 2005, han sido fundamentales para llevar la vitalidad y relevancia del arte callejero y del graffiti a un público más amplio. Portfolio Box, un componente crucial de estos conjuntos, es un tesoro escondido de 28 de los artistas callejeros y de graffiti más influyentes. Esta colección incluye grabados de artistas de renombre como KAWS y Shepard Fairey, cada uno de los cuales aporta su visión y estilo únicos a la vanguardia. Cada pieza dentro de esta caja hace eco de los temas y expresiones artísticas de la exposición más amplia Beautiful Losers, lo que subraya aún más la importancia de esta colección en el arte contemporáneo. The Beautiful Losers Movie 2008 Acerca de la exposición de arte Beautiful Losers es un documental de 2008 que se sumerge en las vidas y el arte de un colectivo de artistas que han desempeñado un papel fundamental en el movimiento Street Pop Art y Graffiti Artwork desde la década de 1990. Dirigida por Aaron Rose y codirigida por Joshua Leonard, esta película fue producto de Sidetrack Films y BlackLake Productions, con artistas como Harmony Korine y Steve "ESPO" Powers. La película explora el espíritu de "hágalo usted mismo" de estos artistas, cuyo trabajo está impregnado de la estética del skate, el graffiti y géneros musicales underground como el punk rock y el hip-hop. Arroja luz sobre el viaje de estos artistas desde la oscura cultura callejera hasta convertirse en figuras célebres dentro del mundo del arte convencional, detallando sus sentimientos y convicciones personales a medida que pasaron de crear para sí mismos a trabajar en proyectos comerciales de alto perfil. "Beautiful Losers" es más que una película; es parte de un fenómeno cultural más significativo que incluye un libro de arte publicado con el mismo nombre, editado por Christian Strike y Aaron Rose, y una exposición itinerante en un museo que presenta a los artistas y sus obras. Esta exposición sirve como telón de fondo y como foco del documental, enfatizando la influencia expansiva de estos artistas y su continua relevancia en el discurso del arte contemporáneo. Artista firmado Edición limitada Serigrafías, fotografías, dibujos y objetos de arte 2004-20010 Beautiful Losers Contemporary Art and Street Culture Book 2004 Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture, una antología fundamental publicada en 2004 por DAP/Iconoclast, este volumen es una exploración esencial de una subcultura vibrante que transformó la estética de finales del siglo XX y principios del XXI. Esta primera edición es una joya de colección guardada en una tapa dura en buen estado con funda. Los tableros de tela roja del libro están grabados con letras doradas en el frente y el lomo, señalando el tesoro dentro de una profusión de ilustraciones y obras originales. Esta no es una mera colección; es una narrativa profunda que detalla el surgimiento orgánico y no forzado de un movimiento cultural. Traza el viaje de los artistas estadounidenses, muchos de ellos recién llegados a la edad adulta, que fueron impulsados ​​no por las demandas del mercado sino por pura pasión y creatividad. Sin formación formal ni conocimiento interno, se inspiraron en las calles, influenciados por la cruda vitalidad del skate, el graffiti, la moda callejera y la música independiente. Nombres como Shepard Fairey, Mark Gonzales y Spike Jonze se encuentran entre los muchos que canalizaron sus experiencias vividas en su oficio, aprendiendo haciendo y revolucionando sus medios. Beautiful Losers sirve como tributo y relato histórico, rastreando los hilos culturales desde Jean-Michel Basquiat y Keith Haring hasta proponentes más recientes como Ryan McGinniss y KAWS. Presenta diversas expresiones artísticas en todos los medios, junto con reproducciones de objetos efímeros que resumen el espíritu de la época. El libro se enriquece aún más con ensayos de escritores que han apoyado fervientemente a estos artistas desde sus inicios. No es sólo un libro de arte; es un archivo de un movimiento que dejó huellas imborrables en el mundo del arte y la moda, la música, la literatura, el cine e incluso el atletismo. Es posible que el espíritu independiente que encarnaron estos creadores haya evolucionado, pero su espíritu fundacional (un espíritu de rebelión, innovación y autenticidad) permanece inquebrantable. Beautiful Losers es una celebración de ese espíritu perdurable, una invitación a presenciar la belleza en lo crudo, lo sin refinar y lo real. Kaws- Brian Donnelly: Saludos cálidos Impresión tipográfica 2005 Firmada/numerada 2005 Firmada y numerada Edición limitada de 200 obras de arte Tamaño 16x20. "Warm Regards", creada en 2005 por KAWS, es una cautivadora obra de arte realizada mediante impresión tipográfica sobre papel, que mide 20 x 16 pulgadas. Esta obra de arte forma parte de una edición limitada de 200, cada una meticulosamente firmada y numerada por el artista. La pieza fue publicada explícitamente por Iconoclast Editions para conmemorar la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que se desarrolló entre 2004 y 2009, marcando un momento significativo en la intersección del arte contemporáneo y la cultura callejera. Esta obra de arte presenta un personaje que es un motivo característico en el trabajo de KAWS, con sus notables ojos tachados y manos y pies exagerados que parecen dibujos animados. Esta impresión pertenece a una serie de edición limitada, con solo 200 piezas disponibles, cada una firmada y numerada individualmente por el artista. Fue publicado por Iconoclast Editions, probablemente como una celebración de la exposición "Hermosos perdedores: arte contemporáneo y cultura callejera". La exposición, que tuvo lugar de 2004 a 2009, fue un evento fundamental que mostró la superposición del arte contemporáneo con la cultura callejera. El trabajo de KAWS a menudo une estos dos mundos, combinando una experiencia en diseño gráfico comercial con una estética sofisticada y digna de una galería. Sus personajes suelen provenir de la cultura pop y se representan en un estilo lúdico y crítico, que a menudo refleja el consumismo y las emociones humanas. Shepard Fairey- OBEY: Soup Can I Serigrafía 2005 Firmada/Numerada 2005 Firmada y numerada Edición limitada de 200 obras de arte Tamaño 16x20. "Soup Can 1" de Shepard Fairey es una pieza icónica de 2005, magistralmente representada como una serigrafía sobre papel de archivo sin ácido. La obra de arte mide 20 por 16 pulgadas y pertenece a una serie de edición limitada, con solo 200 piezas existentes, cada una con la firma del artista y el número de edición. Iconoclast Editions lanzó esta impresión para conmemorar la exposición fundamental "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" de 2004 a 2009 y celebrar la relación sinérgica entre las escenas de arte underground y la cultura dominante. La impresión "Soup Can 1" ha aparecido en una variedad de exhibiciones prestigiosas, incluida la exposición itinerante fundamental "Beautiful Losers", "Transfer" en Santander Cultural en Porto Alegre, Brasil, y la muestra integral "Supply & Demand". También apareció en la exposición "Transfer" ubicada en el Pabellón Cultural Brasileño en el Parque Ibirapuera, São Paulo, Brasil, en 2010. El trabajo de Fairey durante este período está documentado en una variedad de publicaciones, en particular la colección "Beautiful Losers" de 2005-2009, el libro "Supply & Demand" publicado por Rizzoli en 2009 y la edición de 2010 de "Transfer". Cada una de estas obras proporciona información sobre el proceso creativo del artista y el impacto cultural de su trabajo. La procedencia de "Soup Can 1" está firmemente arraigada en el Beautiful Losers Archive, lo que garantiza su lugar en los anales de la cultura callejera contemporánea y afirma su estatus como pieza coleccionable de la historia del arte. Shepard Fairey- OBEY: Serigrafía sin título de Angela Davis 2005 Firmada/Numerada Esta poderosa serigrafía del influyente artista Shepard Fairey es una sorprendente adición a su ilustre trabajo. Con un tamaño prominente de 8x10, esta pieza sin título es parte de una edición exclusiva de solo 100 copias, cada una impresa, numerada y firmada por el propio Fairey, lo que garantiza su rareza y coleccionabilidad. Fairey, conocido por su capacidad para infundir arte con comentarios sociales, presenta un retrato convincente sobre un atrevido fondo rojo que exige atención. La silueta de alto contraste captura la fuerza y ​​la intensidad del sujeto, inmortalizando un momento de expresión apasionada. La imagen es un eco visual del pasado pero habla de temas contemporáneos de empoderamiento y resistencia. En la esquina inferior izquierda, el emblema característico de Fairey, la estrella rodeada por la palabra "OBEY", ancla la obra, incrustándola dentro de su obra más extensa, conocida por desafiar a los espectadores a cuestionar la autoridad y el panorama de la cultura visual. Esta obra de arte es un testimonio de la continua relevancia de Fairey en el mundo del arte y su firme compromiso de hacer una declaración a través de su arte. Los coleccionistas y admiradores del trabajo de Fairey reconocerán el estilo icónico del artista, que se ha convertido en sinónimo del movimiento de arte callejero moderno. Henry Chalfant: Lee, Futura, Dondi Serigrafía 2004 Firmada/Numerada Esta convincente obra de arte, elaborada por el estimado Henry Chalfant, celebra el movimiento del arte callejero e inmortaliza el trabajo de tres leyendas del graffiti: Lee, Futura y Dondi. Titulada "Lee Futura Dondi", esta pieza de 2004 es una serigrafía impresa en papel de archivo sin ácido, lo que garantiza su conservación y calidad durante años. Con unas medidas de 16 x 20 pulgadas, la obra es lo suficientemente sustancial como para crear una declaración visual impactante y, al mismo tiempo, adecuada para diversos entornos de visualización. El formato tríptico de la obra de arte presenta un trío de vagones de metro vibrantes y estilizados, cada uno adornado con la obra de arte distintiva de los artistas del graffiti encima. El panel superior está lleno de rosas y azules enérgicos, mostrando el estilo de letras icónico de Lee, mientras que el medio presenta el enfoque futurista de Futura, con formas abstractas y una paleta de tonos fríos. El panel final es un tributo al estilo salvaje clásico de Dondi, con letras llamativas en tonos de rosa que atraviesan el fondo. La obra de Chalfant no es simplemente una representación estática; transmite el movimiento y el ritmo del arte del metro tal como se movía por las arterias de la ciudad de Nueva York. Cada pieza de esta serie de edición limitada está firmada y numerada por Chalfant, lo que marca su autenticidad y conexión con el artista. Esta serie se publicó coincidiendo con la innovadora exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que mostró las intersecciones y las influencias del arte callejero dentro del arte contemporáneo. Este grabado es una pieza de colección, no sólo por su valor estético e histórico sino también por su representación de la evolución del arte callejero desde el metro y las murallas de la ciudad hasta los escalones del arte elevado. Geoff McFetridge: Dibujo original de Kemistry con animación en DVD 2004 Esta pieza, creada por Geoff McFetridge, es uno de los 100 dibujos originales que componen una intrincada secuencia de animación. Elaborado con precisión a lápiz sobre papel Canson, cada dibujo mide 22.86 por 30.45 centímetros, capturando la estética minimalista y las líneas fluidas características del trabajo de McFetridge. Esta obra de arte muestra una escena divertida de una figura patinando, representada en una línea fluida y continua que transmite movimiento y una sutil sensación de fantasía. Un segundo personaje se asoma con curiosidad desde el borde, añadiendo un elemento narrativo a la composición. Junto con la obra de arte original, los coleccionistas reciben un DVD que contiene la secuencia de animación completa, brindando una visión poco común del proceso creativo de McFetridge y la progresión de la animación desde imágenes fijas hasta una experiencia visual dinámica. El artista firma cada dibujo, aportando un toque personal que asegura la autenticidad. Esta oferta no es simplemente la adquisición de una obra de arte singular; es una invitación a interactuar con el mundo visionario de McFetridge, donde el diseño gráfico se cruza con la narración cinematográfica. Esta combinación única de dibujo tradicional y animación digital ofrece una apreciación multifacética del enfoque innovador del artista hacia el arte contemporáneo. Ed Templeton: Chris Johanson en la primera exposición Beautiful Losers Fotografía 2004 firmada Capturada a través de la lente perspicaz de Ed Templeton, esta fotografía es una pieza importante de la historia del arte contemporáneo, que documenta la esencia vibrante del movimiento artístico "Beautiful Losers". La imagen presenta a Chris Johanson, un artista sinónimo del espíritu DIY del arte callejero, en la primera exposición de "Beautiful Losers" en Cincinnati, Ohio, en 2004. Esta es una evocadora impresión en gelatina de plata de Ed Templeton, que representa a Chris Johanson en la exposición inaugural "Beautiful Losers". La fotografía, de tamaño 8 x 10 pulgadas, es parte de una edición limitada de 100, cada una firmada individualmente por Templeton, lo que marca su exclusividad y autenticidad. Capturada en 2004, esta imagen es una pieza atemporal de la historia del arte, que documenta un momento crucial en la convergencia de la cultura callejera y el arte contemporáneo. Esta fotografía es un registro visual y una encarnación del espíritu de la exposición, que celebra la convergencia clandestina del skate, el graffiti y el arte callejero con el arte contemporáneo. La composición de la foto es sincera y sin filtros, y muestra a Johanson con el rostro oscurecido por una tela blanca, una presencia enigmática que despierta la curiosidad. Esta elección de presentación habla de los temas de anonimato y misterio que a menudo impregnan la cultura del arte callejero. El rostro oscurecido de Johanson, adornado con gafas de sol encima de la tela y su barba salvaje que sobresale debajo, crea un contraste sorprendente, visualmente deslumbrante y que invita a la reflexión. Firmada por Ed Templeton, esta fotografía es una conexión táctil con el momento que captura, llevando al espectador al entorno de un evento fundamental en la historia del arte callejero y pop. La firma de Templeton añade una capa de autenticidad y marca este trabajo como una intersección genuina de su viaje fotográfico y la narrativa artística de Johanson. "Chris Johanson en la primera exposición de Beautiful Losers" es una fotografía que trasciende su medio y ofrece un vistazo a la comunidad y la camaradería de los artistas que definieron una generación. Esta pieza ocupará un lugar de reverencia para los coleccionistas y entusiastas del movimiento, ya que encapsula la energía cruda y espontánea que representaba "Beautiful Losers". Cynthia Connolly: Fotografía sin título de Ice Machine Page, Arizona, 1999 Firmada y fechada Esta fotografía de Cynthia Connolly, sin título pero que captura de manera conmovedora la esencia de Page, Arizona, es una magistral impresión en gelatina de plata que encarna el espíritu de la exposición "Beautiful Losers". La impresión, con unas dimensiones de 4 x 6 pulgadas, pertenece a una serie de edición limitada de 100, cada una cuidadosamente impresa y firmada por el artista, lo que subraya su carácter coleccionable. La imagen se centra en una máquina de hielo, un símbolo mundano pero icónico de la cultura americana en el paisaje cotidiano. Fechada el 5 de mayo de 17, la fotografía no es sólo una representación de un lugar sino una marca de tiempo de una época. La anotación manuscrita "Page, Arizona" añade un toque personal, evoca un sentido de lugar y sitúa la obra de arte en su contexto geográfico. El ojo fotográfico de Connolly transforma lo ordinario en extraordinario, invitando a los espectadores a encontrar belleza y narrativa en lo común. El marcado contraste de la imagen en blanco y negro resalta el juego de luces y sombras, otorgando a la máquina de hielo una calidad escultórica. Esta pieza es una exploración sutil de forma y textura, donde incluso lo utilitario se convierte en un tema digno de contemplación artística. Esta impresión es esencial para los coleccionistas que valoran la intersección de la fotografía documental y las bellas artes. Es un testimonio del compromiso de Connolly de capturar los rincones pasados ​​por alto de los paisajes estadounidenses, lo que lo convierte en una adición excepcional a cualquier colección que celebre la belleza matizada de lo mundano dentro del vasto tapiz de la cultura estadounidense. Barry Mcgee: Untitled Ryze 2007 C-Print y fotografía etiquetada a mano Obra "Untitled Ryze" de Barry McGee es una piedra angular del movimiento de arte contemporáneo, que simboliza la vibrante intersección de la cultura callejera y las bellas artes. Esta llamativa impresión C de 2007, que mide 16 x 20 pulgadas, es un objeto de colección muy codiciado y está limitado a una edición de 200. Cada pieza de la serie tiene la distinción única de estar firmada a mano y numerada por McGee, un artista que rara vez pone su firma en sus obras. La obra de arte se lanzó junto con la exposición fundamental "Hermosos perdedores: arte contemporáneo y cultura callejera", que se desarrolló entre 2004 y 2009 y visitó una gran cantidad de museos y galerías en todo el mundo. La imagen captura la esencia de la legendaria figura callejera de Boston, Ryze, y muestra la habilidad de McGee para traducir la energía cruda del graffiti en un contexto de galería refinado. La palabra de McGee se extiende más allá de la fotografía, ya que "Untitled Ryze" es fundamental en sus instalaciones más grandes y piezas de ensamblaje agrupadas. La imagen es un testimonio visual del legado del artista y una piedra de toque para el espíritu cultural de la época resumido en The Beautiful Losers. Adquirida directamente de Iconoclast Editions y Beautiful Losers Archive, esta pieza representa una oportunidad única para que fanáticos y coleccionistas posean un fragmento de la historia del arte callejero visto a través de la lente de uno de sus artistas más enigmáticos y célebres, Barry McGee. Barry McGee: Sin título Hola, mi nombre es Etiqueta adhesiva original Slap-Up 2005 Etiqueta firmada Barry McGee, una figura influyente en el arte pop callejero y el graffiti, ha tenido un impacto significativo con su estilo y enfoque únicos. Su "Untitled Hello My Name Is Original Slap-Up Sticker 2005 Signed Tag" es un ejemplo por excelencia de su trabajo, que combina el espíritu crudo y enérgico del arte callejero con la estética refinada del arte pop. Esta pieza, creada en 2005, es un testimonio de la capacidad de McGee para transformar objetos y temas cotidianos en expresiones artísticas convincentes. El viaje de McGee en el arte comenzó en las calles, donde perfeccionó su oficio creando graffitis bajo la etiqueta "Twist". Este período de formación fue crucial para dar forma a su estilo distintivo, caracterizado por una mezcla de la espontaneidad del graffiti y la esencia audaz y llamativa del arte pop. Su transición de las paredes de las calles a las galerías no disminuyó la cruda autenticidad de su trabajo. Más bien, le proporcionó un nuevo lienzo para sus expresiones, permitiéndole llegar a un público más amplio y al mismo tiempo mantenerse fiel a sus raíces en la cultura callejera. Terry Richardson: Autorretrato del diablo sin título Serigrafía 2004 Firmado/Numerado Este autorretrato sin título de 2004, que presenta una sorprendente pieza visual, es una serigrafía sobre papel que mide 20 x 16 pulgadas y forma parte de una edición limitada de 200. Cada pieza está firmada y numerada individualmente por el artista, añadiendo un toque personal a esta obra de arte exclusiva. El grabado presenta al artista sobre un fondo amarillo vibrante, posando con un comportamiento juguetón pero rebelde. Adornando cuernos de diablo y empuñando un tridente, el sujeto gesticula juguetonamente un signo de la paz, yuxtaponiendo símbolos tradicionalmente nefastos con una actitud alegre. El vívido tono amarillo monocromático del estampado aumenta el sorprendente impacto de la obra de arte. Esta pieza fue lanzada con la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" de 2004-2009. Explora las intersecciones de la cultura pop y el arte callejero, ofreciendo una visión subversiva de la iconografía contemporánea. La procedencia de la obra de arte es notable, ya que se originó en Iconoclast Editions y Beautiful Losers Archive, lo que garantiza su autenticidad y conexión con un movimiento importante del arte moderno. Este autorretrato es más que una mera imagen; es una pieza llamativa que captura la esencia de un espíritu cultural de la época, lo que la convierte en una adición convincente a cualquier colección de arte. Evan Hecox: Impresión en madera de la calle Kyoto, 2004, firmada/numerada "Kyoto Street", una cautivadora serigrafía de Evan Hecox, presenta un momento congelado en el encanto atemporal de la antigua capital de Japón. Creada en 2004, esta obra de arte está meticulosamente impresa en papel de archivo sin ácido y mide 20 x 16 pulgadas. Pertenece a una edición exclusiva limitada a 200 copias, cada una de ellas firmada a mano y numerada por el propio Hecox, lo que garantiza su lugar como artículo de colección. Esta obra de arte se publicó como parte de la influyente exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" de 2004 a 2009 y se exhibió en varios lugares. La impresión "Kyoto Street" se ha exhibido en exposiciones notables, incluida "Transfer" en el Santander Cultural en Porto Alegre, Brasil, en 2008 y el Pabellón Cultural de Brasil en el Parque Ibirapuera, São Paulo, en 2010. En esta pieza, Hecox destila la esencia del paisaje urbano de Kioto en marcados contrastes y líneas limpias, capturando la interacción dinámica de luces y sombras. Linternas adornadas con caracteres kanji marcan la escena, proyectando un cálido resplandor sobre el callejón. Al mismo tiempo, la intrincada red de líneas eléctricas encima añade una capa de complejidad, sugiriendo la vibrante energía de la ciudad. La paleta austera de la obra de arte y el estilo gráfico audaz evocan una sensación de nostalgia, invitando a los espectadores a contemplar la atmósfera serena y bulliciosa de las calles de Kioto. Conservada en el Beautiful Losers Archive, "Kyoto Street" no es sólo una impresión sino una pieza narrativa narrada junto con otras obras maestras contemporáneas en los catálogos "Beautiful Losers" y "Transfer". Es un testimonio de la capacidad de Hecox para capturar el alma del entorno urbano, convirtiéndolo en una posesión preciada para los coleccionistas y admiradores del arte contemporáneo con una inclinación por la estética urbana y la profundidad cultural. Ryan McGinness: Patéticos amuletos de la suerte del Hipster Doofus Serigrafía 2004 Firmado/Numerado Ryan McGinness, 'Patéticos amuletos de la suerte del Hipster Doofus'. Esta exquisita pieza de 2004 es una representación magistral de la iconografía contemporánea, meticulosamente elaborada a través de serigrafía sobre papel. Cada impresión mide 20 por 16 pulgadas y forma parte de una edición exclusiva limitada a 200 piezas, lo que garantiza su singularidad y carácter coleccionable. Cada impresión está firmada a mano y numerada por el artista, un testimonio de su autenticidad y del toque personal de McGinness. La obra de arte se lanzó junto con la reconocida exposición 'Hermosos perdedores: arte contemporáneo y cultura callejera', que destacó la energía palpitante y la vitalidad del arte callejero dentro del contexto del arte contemporáneo. La pieza es una sinfonía de símbolos, un léxico visual que refleja el espíritu irónico y a menudo autocrítico de la subcultura hipster. El uso que hace McGinness de imágenes icónicas, entrelazadas con alegría y crítica, resume un momento en el que el arte, la cultura y los comentarios sociales se cruzan con una gracia natural. Esta obra no es sólo una obra de arte, sino una porción de la historia cultural, un espejo del espíritu de la época del paisaje urbano de principios de la década de 2000". Harmony Korine: Sin título Osama y ET Serigrafía 2005 Firmada/Numerada Esta obra de arte es una fascinante serigrafía de Harmony Korine titulada "Sin título (Osama & E.T.)" de 2005. Se trata de una obra de edición limitada, con tan solo 200 ejemplares realizados, cada uno de ellos firmado a mano y numerado por Korine, elevando su estatus como pieza de colección. Esta impresión, que mide 20 x 16 pulgadas, muestra la visión única de Korine al yuxtaponer dos referencias culturales muy diferentes en un solo marco. La imagen representa a Osama bin Laden en un cálido abrazo con el icónico personaje extraterrestre, ET, de la reconocida película de Steven Spielberg. La combinación de estas imágenes constituye una declaración audaz e invita a muchas interpretaciones de la convergencia de símbolos culturales dispares. La figura y ET están dibujados con una delicada linealidad que contradice el peso del tema, creando una sorprendente paradoja visual. Esta serigrafía se lanzó con la exposición "Beautiful Losers", que celebró la intersección del skate, el graffiti y la moda callejera con el arte contemporáneo. La procedencia de la impresión es impecable, ya que proviene de Iconoclast Editions y Beautiful Losers Archive, lo que aumenta su importancia histórica y artística. La combinación de figuras tan incongruentes en esta impresión desafía al espectador a reconciliar las emociones y narrativas contrastantes que representa cada personaje. Esta pieza es más que una simple declaración visual; es un diálogo sobre la cultura pop, figuras políticas, personajes de ficción y su lugar dentro de la esfera artística. Los coleccionistas y entusiastas del arte pop callejero apreciarán la profundidad y la naturaleza provocativa de esta impresión, lo que la convierte en una adición notable a cualquier recopilación de obras de arte contemporáneas. Larry Clark: Fotografía de Shorty sin título 1996/2007 Firmada/Numerada Esta sorprendente fotografía titulada "Sin título (Shorty)" es una obra profunda del aclamado artista Larry Clark. Fue producido en 1996 y posteriormente publicado en 2007. Se presenta en papel de acuarela Anjelica con unas dimensiones de 20 x 13.75 pulgadas. Cada pieza de esta edición de 200 está firmada y numerada individualmente por el propio Clark, con una firma y fecha adicionales en el reverso, lo que garantiza su autenticidad y rareza. Publicada con la reconocida exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" de 2004 a 2009, esta fotografía emana de Iconoclast Editions y es una parte integral del Beautiful Losers Archive. Larry Clark, una figura influyente en la fotografía y el cine durante más de cinco décadas, ha dejado una huella indeleble en el mundo creativo a través de obras como "Teenage Lust" y "Tulsa" y películas como "KIDS" y "Marfa Girl". La fotografía captura la esencia de Lyle Dean "Shorty" Easky, cuya historia se entrelaza con la historia del artista y la narrativa más amplia de la cultura juvenil estadounidense. Shorty, de ascendencia nativa americana, falleció trágicamente en 2013. Su vida y muerte prematura siguen siendo una historia conmovedora, con raíces que se remontan al mismo barrio de Tulsa que inspiró gran parte de los primeros trabajos de Clark: el mismo lugar que Francis Ford Coppola eligió para "The Outsiders". Raymond Pettibon: Serigrafía solar sin título 2005 Firmada/Numerada Esta sorprendente obra es una pieza sin título de 2005 del aclamado artista Raymond Pettibon, conocido por sus influyentes contribuciones al arte y la cultura. La pieza es una serigrafía sobre papel, un medio que permite la presentación vibrante y nítida del diseño dinámico de Pettibon. Mide 20 x 16 pulgadas, es accesible a escala para varios espacios y tiene los comandos suficientes para generar un impacto visual. La creación de Pettibon forma parte de una edición exclusiva de 200, y cada pieza está firmada y numerada por el artista, lo que proporciona una conexión directa con su proceso creativo. La obra de arte presenta una explosión de líneas que emanan de un punto central, lo que sugiere una energía explosiva o un fenómeno cósmico. El uso del negro, junto con reflejos de azul y amarillo, confiere a la pieza una sensación de profundidad e intensidad, mientras que el texto escrito a mano en la parte superior: "¡APLÍQUELO AL ESTUDIO DE LOS ESPEJOS, EL ARCO IRIS O EL SOL!", invita a la contemplación. y aporta una dimensión poética a la experiencia visual. Esta edición se publicó para conmemorar la exposición "Hermosos perdedores: arte contemporáneo y cultura callejera", que celebró la intersección del arte underground y la creatividad urbana. El trabajo de Pettibon es un testimonio del espíritu de este movimiento, que resume el espíritu crudo y la estética audaz que definen el género. Es una pieza de colección no sólo por su atractivo estético sino también por su significado cultural dentro del arte contemporáneo. Evan Hecox: Impresión en madera de Chinatown NYC 2004 Firmada/Numerada 'Chinatown NYC' de Evan Hecox, un grabado en madera de 2004 sobre delicado papel de arroz japonés, articula meticulosamente la vitalidad urbana. Cada impresión de esta serie limitada mide 10 x 8 pulgadas y forma parte de una edición numerada restringida a 100, lo que subraya su exclusividad. Cada pieza está impresa y firmada personalmente por Hecox, lo que da un toque de participación directa del artista en la experiencia del coleccionista. Esta obra captura la esencia del bullicioso barrio chino de Nueva York con un gran ojo para los detalles y un enfoque estilístico distintivo. El uso que hace Hecox de líneas en el medio de bloques de madera traduce la naturaleza dinámica de la ciudad en una imagen estática que palpita de vida. El artista transmite magistralmente la complejidad arquitectónica del paisaje urbano, complementado con el elemento humano que da vida a la ciudad. Las capas matizadas del estampado, con sus intrincadas líneas y sutiles variaciones tonales, hacen eco de las experiencias en capas de la vida urbana. Reconocido por su capacidad para destilar el espíritu de un lugar en su obra de arte, Hecox presenta 'Chinatown NYC' como algo más que una simple representación visual; es una narrativa tejida en tinta y papel, una historia contada al ritmo de un paisaje urbano. Esta pieza refleja la destreza artística de Hecox y es un homenaje al tapiz cultural que define Chinatown y la historia en constante evolución de la propia ciudad de Nueva York. Rostarr- Romon K Yang: Serigrafía de pintura en aerosol HPM de Japón sin título 2005 Firmado/Numerado Experimente la fusión de tradición y rebelión con 'HPM de Japón sin título' de Rostarr, una pieza provocativa de Romon K Yang de 2005. Esta sorprendente obra, realizada sobre papel con unas dimensiones de 27.94 x 33.02 cm, es una combinación armoniosa de pintura en aerosol y técnicas de serigrafía, que culmina en una edición limitada de solo 100 copias, cada una firmada y numerada individualmente por el artista. La obra de arte es un testimonio del lenguaje visual distintivo de Rostarr, donde los trazos caligráficos se encuentran con la espontaneidad del arte callejero. Formas rojas y llamativas anclan la composición; sus contornos fluidos y círculos sólidos contrastan marcadamente con las salpicaduras crudas e improvisadas de pintura en aerosol negra. Esta interacción de color y forma crea una tensión dinámica, una sinfonía visual que captura el espíritu del arte contemporáneo. Cada pieza de 'Untitled Japan HPM' es una celebración de expresión única pintada y impresa a mano, que se erige como una firma audaz del estilo icónico de Rostarr. La disponibilidad limitada de la obra de arte la convierte en una pieza codiciada por coleccionistas y entusiastas deseosos de conservar una parte de la historia del arte que cierra la brecha entre lo viejo y lo nuevo, lo planificado y lo espontáneo. 'Untitled Japan HPM' no es sólo una obra de arte; es una pieza de diálogo cultural que resuena con los ritmos de la vida urbana moderna. Rostarr- Romon K Yang: Mariposa en el huracán 2004 Serigrafía firmada/numerada Embárquese en un viaje visual con 'Butterfly In The Hurricane', una cautivadora serigrafía sobre papel del aclamado artista Rostarr, creada en el año transformador de 2004. Esta pieza ejemplifica la interacción dinámica entre forma y fluidez, mide unas íntimas dimensiones de 20 x 16 pulgadas y forma parte de una edición exclusiva de 200, cada una con la firma y el número únicos asignados por el propio artista. Elaborado durante la exploración artística y la superación de límites, 'Butterfly In The Hurricane' se lanzó junto con la innovadora exposición 'Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture', que celebró la confluencia de los movimientos artísticos underground y la corriente principal. La obra de arte presenta una tormenta de formas y curvas abstractas, predominantemente en tonos de azul y amarillo, que evocan la gracia caótica de una mariposa atrapada en una tormenta. Los colores llamativos se arremolinan y bailan sobre el papel, invitando a los espectadores a contemplar la relación entre la armonía y el caos. Esta pieza no es simplemente una obra de arte; es una declaración, una porción de la historia cultural y un testimonio de la maestría del artista al combinar la energía cruda de la cultura callejera con la sofisticación del arte contemporáneo. 'Butterfly In The Hurricane' es una obra imprescindible tanto para conocedores como para coleccionistas, y promete ser un iniciador de conversación y una parte preciada de cualquier colección. Craig R Stecyk III: Sin título 2004 Fotografía única en serigrafía HPM firmada/numerada Una pieza distintiva de Craig R. Stecyk III, esta obra de arte sin título de 2004 es un brillante ejemplo de la fusión entre el arte contemporáneo y la cultura callejera. Elaborada con meticulosa atención al detalle, la obra presenta un fondo personalizado con aerógrafo pintado a mano, una serigrafía de doble cara aplicada magistralmente, junto con detalles a lápiz sobre papel de archivo blanco, robusto, extragrueso y sin ácido que mide 20 x 16 pulgadas. Limitada a una edición de 200, cada pieza está numerada individualmente y lleva la firma del artista, lo que subraya su exclusividad. Esta obra de arte se publicó con la exposición "Beautiful Losers: Arte contemporáneo y cultura callejera", que se desarrolló entre 2004 y 2009 y es muy apreciada dentro del Beautiful Losers Archive. La procedencia de esta pieza se remonta a Iconoclast Editions, un testimonio de su autenticidad y significado cultural. Stecyk, una figura fundamental en el proyecto Beautiful Losers, creó una instalación que cautivó al público y obtuvo un reconocimiento sin precedentes. Su trabajo es un tributo a las vibrantes subculturas californianas, inspirándose en la cultura del automóvil personalizado, el surf y el skate, todo ello representado a través de su extensa documentación fotográfica. Como miembro fundador de Dogtown y Z-Boys, las obras de Stecyk son más que un mero arte; son representaciones históricas de un movimiento cultural decadente, plasmadas en papel con una paleta que resuena con la energía y el espíritu de las calles. Esta pieza es una expresión artística y un artefacto cultural que captura la esencia de las subculturas californianas, inmortalizadas a través de la lente visionaria de Stecyk. Craig R Stecyk III: Serigrafía en gelatina de plata a prueba sin título Firmada/Numerada Craig R. La pieza sin título de Stecyk III es una declaración de originalidad y desafío artístico. Forma parte de un conjunto exclusivo de 100 obras de arte, cada una de ellas gelatina de plata y serigrafía sobre papel, que miden 10.16 por 15.24 centímetros. La obra de arte presenta audazmente la palabra "PROOF" en letras rojas prominentes, afirmando la autenticidad de la pieza como una impresión fotográfica de generación original. El texto siguiente sirve como declaración y restricción, enfatizando el propósito de la impresión como documento contractual y prohibiendo expresamente la reproducción, reventa y exhibición pública. La firma del artista subraya este límite de exclusividad, garabateada enérgicamente a lo largo de la impresión, que autentica cada pieza y la marca como una entidad única dentro de la edición limitada. La firma se convierte en una parte integral de la obra de arte, mezclándose con el mensaje textual y el fondo austero, asegurando que cada impresión sea un testimonio de la filosofía artística única de Stecyk y su legado dentro de la comunidad artística. Tobin Yelland: Serigrafía de Andy Roy sin título 2004 Firmada/Numerada "Sin título (Andy Roy)" de Tobin Yelland es una serigrafía sorprendente que captura la esencia de la individualidad y el desafío, características distintivas de la cultura callejera. Producida en 2004, esta pieza presenta la imagen de Andy Roy, una figura sinónimo del mundo del skate, conocido por su estilo crudo y su personalidad sin complejos. Impreso en papel de alta calidad, cada pieza de esta edición limitada mide 20 x 16 pulgadas y forma parte de una serie limitada a 200 impresiones. Cada uno está meticulosamente firmado y numerado por Yelland, lo que garantiza su autenticidad y lo ubica dentro de un linaje de codiciados objetos de colección. La obra de arte fue creada para la influyente exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" de 2004 a 2009. Esta exposición fue fundamental para celebrar y reconocer la cultura callejera dentro de la escena del arte contemporáneo, llevando la estética del skate, el graffiti y más al espacio de la galería. Originario de Iconoclast Editions y Beautiful Losers Archive, "Untitled (Andy Roy)" es más que un retrato; es una narrativa de la subcultura, un emblema del espíritu rudo del arte callejero y una instantánea de un movimiento que ha dejado una marca indeleble en el lienzo del arte contemporáneo. Los coleccionistas y admiradores del género encontrarán en esta serigrafía una pieza que sigue resonando con la autenticidad y la vitalidad de la cultura callejera. Tobin Yelland: Skate Smash Window PhotMills firmado/numerado "Skate Smash Window Photo" de Tobin Yelland es una fotografía cruda y dinámica en blanco y negro que captura un momento sincero de rebelión juvenil. Capturada en 2004, esta imagen personifica el espíritu de la cultura callejera y del skate de la época. La foto muestra la espontaneidad y la impulsividad inherentes a la subcultura del skate, encarnadas por el acto de una patineta que se estrella contra la ventanilla de un automóvil. La fotografía apareció en la exposición fundamental "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que tuvo lugar de 2004 a 2009. Esta exposición celebró la fusión de las sensibilidades callejeras con el mundo del arte, llevando la autenticidad de las experiencias subculturales a un contexto de bellas artes. Originada en Beautiful Losers Archive y procedente de Iconoclast Editions, esta pieza no es solo una fotografía sino una narrativa, un fragmento de la vida de una cultura que a menudo queda indocumentada. La capacidad de Yelland para capturar un momento tan crudo y sin filtros crea una conexión visceral con el espectador, ofreciendo una ventana a los aspectos desenfrenados de la cultura juvenil. La "Skate Smash Window Photo" es un testimonio de la era que representa y sirve como documento histórico del desafío y la energía disruptiva que significa el skate. Es una pieza valiosa para coleccionistas y entusiastas de la fotografía y la cultura callejera, que ofrece una mirada sin complejos a los momentos que definen un movimiento. Mike Mills: Los policías están dentro de nosotros Serigrafía 2004 Pieza evocadora firmada/numerada de Mike Mills "Los policías están dentro de nosotros". Se erige como una declaración profunda en el arte contemporáneo, utilizando el medio crudo de la serigrafía impresa a mano combinada con lápiz sobre papel de archivo blanco suave y sin ácido. Esta obra de 2004 mide 20 x 16 pulgadas y forma parte de una edición exclusiva limitada a 200 impresiones firmadas y numeradas. Cada impresión de esta serie es un testimonio del buen ojo de Mills para la interacción del texto y la imagen, elaborando una narrativa que habla de la lucha interna y la introspección social. El atrevido tono rojo que domina la impresión, que se desvanece en una representación austera y arenosa en la parte inferior, crea un sorprendente contraste visual, que sugiere una dualidad dentro de la condición humana. Esta obra de arte fue lanzada con la exposición fundamental "Beautiful Losers" exhibida de 2004 a 2009. La exposición destacó la importancia cultural del arte callejero y su impacto en las prácticas artísticas contemporáneas. "The Cops Are Inside Us" refleja el sentimiento de su época y continúa resonando con los comentarios sociales actuales, lo que la convierte en una pieza atemporal para coleccionistas y entusiastas del arte significativo. Procedente de la venerada colección Beautiful Losers, esta pieza de Mike Mills no es solo una obra de arte; es una pieza de comentario cultural, preservada a través de serigrafía y que ofrece una ventana al complejo diálogo entre la sociedad y uno mismo. Cheryl Dunn: Redactado en 2004 Serigrafía firmada/numerada y fotografía firmada "Drafted" de Cheryl Dunn. es una provocativa obra de arte serigrafiada que captura claramente un momento de interacción humana, frente a un fondo amarillo vibrante. Esta creación de 2004 mide 20 x 16 pulgadas y forma parte de una edición limitada de 200, cada una firmada y numerada individualmente por el artista, lo que subraya su exclusividad. La obra de arte presenta una escena de alto contraste con figuras recortadas, una sentada en el suelo y las otras aparentemente en movimiento. Las siluetas de Dunn crean una narrativa universal, permitiendo a los espectadores impartir sus historias y significados a la pieza. El título "redactado". sugiere temas de compulsión y resistencia, que resuenan en los espectadores a un nivel profundamente personal. Lanzada durante la influyente exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que se desarrolló entre 2004 y 2009, esta pieza contribuye al diálogo entre la cultura callejera y las bellas artes. La exposición fue un escaparate fundamental para artistas influenciados por formas subculturales como el skate, el graffiti y el punk. Surgido del prestigioso Beautiful Losers Archive y producido por Iconoclast Editions, "drafted". es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que encarna el espíritu de un movimiento. Es una poderosa expresión de la perspectiva de Dunn y un comentario visual sobre las fuerzas que dan forma a nuestra sociedad. Los coleccionistas de arte contemporáneo y los amantes de la cultura callejera encontrarán en esta obra una combinación convincente de audacia estética y relevancia social. Cheryl Dunn: C-4 San Francisco Tenderloin Hallway Giclee Print 2004 Firmado/Numerado Esta obra, que presenta una cautivadora impresión giclée de Cheryl Dunn, transporta al espectador al vibrante corazón del distrito Tenderloin de San Francisco. La pieza, titulada "C-4 San Francisco Tenderloin Hallway", es un testimonio del buen ojo de Dunn para lo crudo y lo real, capturando un momento evocador en un pasillo que susurra historias sobre el tejido urbano de la ciudad. La impresión mide 15 por 10 pulgadas, que se pueden exhibir, está meticulosamente numerada y firmada personalmente por Cheryl Dunn, lo que indica su autenticidad y conexión con la visión original del artista. Esta impresión de edición limitada es una de las 100 copias, lo que la convierte en una pieza única y coleccionable para los amantes del arte y los admiradores de la exploración urbana. El sujeto se encuentra en el estrecho pasillo, encarnando una sensación de quietud en medio del potencial caos de la ciudad. El individuo está vestido con una llamativa chaqueta roja y verde, adornada con extravagantes orejas de oso que dan un aire de inocencia a la escena, que de otro modo sería cruda. Esta persona sostiene una lata de pintura en aerosol, lo que sugiere una historia de expresión y arte callejero. Al mismo tiempo, los bolsillos de la chaqueta están curiosamente llenos de latas adicionales, tal vez insinuando el comentario del artista sobre la juventud, la rebelión o la creatividad en los espacios urbanos. La impresión de Cheryl Dunn no sólo ofrece una narrativa visual sino que también evoca una discusión sobre el latido cultural de la vida de la ciudad, las capas de historias amontonadas en sus paredes y los vibrantes personajes que recorren sus caminos. Esta pieza es más que una fotografía; es una porción del alma de San Francisco, bellamente conservada en giclée de alta calidad. Cynthia Connolly: Serigrafía sin título de Ice Machine 2004 Firmada/numerada "Sin título" de Cynthia Connolly de su serie "Ice Machines" es una cautivadora serigrafía sobre papel que mide unas impresionantes 16 x 20 pulgadas. Esta pieza es parte de una edición limitada de 200, cada una con la firma del artista y un número único, que marca su autenticidad y disponibilidad limitada. Elaborada teniendo en cuenta la estética americana, esta obra de arte es una documentación poética de las alguna vez omnipresentes máquinas de hielo que salpicaban el paisaje estadounidense y ahora son un emblema desaparecido de una época pasada. El trabajo de Connolly es celebrado por su capacidad para capturar estos fragmentos fugaces de la vida estadounidense, preservando la nostalgia y el significado cultural que encierran estos objetos cotidianos. La impresión "Sin título" se publicó para conmemorar la exposición "Hermosos perdedores: arte contemporáneo y cultura callejera", que tuvo lugar de 2004 a 2009. Esta exposición fue un momento crucial que llevó la crudeza de la cultura callejera a los espacios refinados de las galerías de arte, destacando el trabajo de artistas que se inspiran en la estética callejera, el skate y las corrientes subterráneas de la subcultura. Las fotografías de Connolly, famosas por su conmovedora simplicidad y profundidad, se encuentran en las colecciones permanentes de prestigiosos museos. Esta impresión, parte del conjunto de obras de "Ice Machines", refleja su dedicación a registrar elementos de la vida estadounidense que poco a poco se están desvaneciendo de la vista. Para coleccionistas y admiradores del arte contemporáneo con un toque de nostalgia, "Sin título" de Connolly es imprescindible. No es sólo una serigrafía; Es una pieza de patrimonio cultural, una reflexión reflexiva sobre la naturaleza transitoria de lo cotidiano y una hermosa obra de arte de un distinguido fotógrafo y artista. Geoff McFetridge: Serigrafía The Hidden Radiance 2004 Firmado/Numerado "The Hidden Radiance" de Geoff McFetridge es un testimonio del dominio del artista del ritmo visual y la narrativa dentro de los límites de la serigrafía. Creada en 2004, esta serigrafía sobre papel mide 20 x 16 pulgadas, un tamaño que permite que los patrones intrincados y la llamativa paleta de azules envuelvan el campo de visión del espectador; cada elemento dentro del diseño teselado pulsa con una energía emblemática del arte gráfico de McFetridge. Tras una inspección más cercana, se puede discernir la meticulosa composición de formas abstractas y figurativas. Esta obra de arte estampada es un sofisticado rompecabezas visual donde las formas geométricas y orgánicas convergen para crear una sensación de profundidad y movimiento. La repetición de los elementos tiene un propósito estético y teje una narrativa más profunda, aludiendo a la interconexión de los individuos dentro de una comunidad o la naturaleza repetitiva pero única de los paisajes urbanos. Firmada por el artista, esta pieza contiene el toque personal de McFetridge, asegurando su autenticidad y conectando al coleccionista directamente con el proceso creativo. "The Hidden Radiance" apareció en el renombrado "The Beautiful Losers Portfolio" en la Agnes B Gallery de Los Ángeles como parte de una colección que celebra la sinergia entre el arte contemporáneo y la cultura callejera. También se destaca en el libro fundamental "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", publicado por Edition Iconoclast, que documenta el fenómeno cultural de esta obra de arte. Esta serigrafía es una pieza decorativa integral del diálogo entre el arte pop callejero y las escenas artísticas convencionales. Es una pieza de colección que captura la esencia de la influencia de McFetridge en el lenguaje visual del arte contemporáneo. Este lenguaje se dirige al exigente entusiasta del arte y al vibrante aficionado a la cultura callejera. Ed Templeton: Serigrafía de mujer sorprendida sin título 2004 Firmada/numerada "Untitled Shocked Woman", que presenta una pieza convincente de Ed Templeton, es una obra que resume el potencial crudo y expresivo de la serigrafía. Fabricada en 2004, esta pieza mide 16 x 20 pulgadas y forma parte de una edición limitada de 200, cada una firmada y numerada por Templeton, lo que garantiza su exclusividad y estatus coleccionable. Esta serigrafía muestra la capacidad única de Templeton para capturar la condición humana en sus momentos más vulnerables y sinceros. La obra de arte presenta la imagen de una mujer, su expresión de sorpresa o conmoción, un momento narrativo congelado en el tiempo por la mano experta de Templeton. El uso de colores vivos y contrastantes y la superposición de elementos abstractos le dan a esta pieza una cualidad dinámica que es a la vez inquietante e intrigante. Las imágenes están imbuidas de inmediatez e intimidad, características del enfoque artístico de Templeton. Desafía a los espectadores a enfrentar las emociones inesperadas y a menudo inquietantes que muestran sus sujetos. Las pinceladas crudas y el oscurecimiento deliberado de los detalles invitan a explorar los temas de la privacidad, la emoción y la naturaleza voyeurista del arte. "Untitled Shocked Woman" se publicó durante la exposición fundamental "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que celebró la intersección de las escenas de arte underground y el reconocimiento generalizado. El trabajo de Templeton es un testimonio del poder del arte pop callejero para transmitir profundas experiencias humanas, lo que hace de esta pieza una valiosa adquisición para coleccionistas y entusiastas del arte contemporáneo. James Jarvis x Amos Toys: In-Crowd The Thin Blue Line Wiggins Figura firmada Fine Art Toy 2004 Presenta "In-Crowd: The Thin Blue Line Wiggins", una edición limitada de 100 piezas de colección firmadas de 3.5 x 6 que fusionan el mundo imaginativo de James Jarvis con el placer tangible de los juguetes artísticos. Creada en colaboración con Amos Toys, esta figura representa una síntesis única de arte, coleccionismo y narrativa, que culmina en una figura de vinilo de 6 pulgadas (aproximadamente 10 cm) llamada Wiggins, parte de una serie altamente exclusiva limitada a solo 1660 piezas en todo el mundo. Wiggins, el diminuto agente de la ley, luce orgulloso su uniforme, confeccionado con meticulosa atención al detalle. Desde la parte superior de su clásica gorra de policía hasta las suelas de sus firmes botas, cada elemento de su atuendo ha sido cuidadosamente diseñado para reflejar la esencia de su personaje. Tiene un garrote, un accesorio que insinúa su disposición para entrar en acción y restablecer el orden. Sin embargo, su rostro, con un bigote colocado sobre una expresión severa, sugiere una profundidad de personalidad más allá de sus deberes oficiales. Cada figura llega encerrada en una caja bellamente diseñada, que muestra con orgullo la firma de James Jarvis, una marca de autenticidad y una conexión directa con la mano del artista. El empaque es tanto una obra de arte como la figura misma, con la silueta de la ventana mostrando a Wiggins en una presentación que desdibuja la línea entre el juguete y la escultura artística. Wiggins no es sólo un personaje, sino un narrador por derecho propio, que encarna las complejidades de su profesión con un toque del humor y la perspicacia característicos de Jarvis. Según su historia de fondo, cuando no patrulla las calles, escribe poesía confesional, dando un vistazo a su alma sensible, en contraste con su figura autoritaria. Esta pieza es imprescindible para los fanáticos del arte pop callejero y aquellos que aprecian la intersección del arte y la alegría. Es un tributo al encanto poco convencional y la visión creativa por los que James Jarvis es famoso, lo que hace de "In-Crowd: The Thin Blue Line Wiggins" una adición destacada a cualquier colección de juguetes de bellas artes o piezas de arte contemporáneo. ESPO- Steve Powers: Sin título Next Door HPM Serigrafía 2006 Firmado/Numerado "Sin título (Next Door...)" de Steve Powers es una obra ejemplar de arte contemporáneo, que combina la crudeza del arte callejero con la sofisticación de una pieza de galería. Esta serigrafía sobre papel, que mide 16 x 20 pulgadas, forma parte de una edición limitada de 200, cada una firmada y numerada individualmente por el artista, lo que garantiza su condición de pieza de colección. Una característica destacada de esta obra de arte es que cada impresión incluye elementos únicos dibujados a mano por Powers, lo que hace de cada pieza un tesoro único. La obra de arte está impregnada del ingenio y el lenguaje visual característicos de Powers, con gráficos atrevidos e interacción textual que transmiten una narrativa compleja. Publicado junto con la célebre exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que se desarrolló entre 2004 y 2009, este grabado captura la esencia de un movimiento que desdibujó los límites entre el arte underground y el arte convencional. Los variados elementos, desde la pieza del rompecabezas "Misfit" hasta la figura triste con un sombrero de copa, todos hablan de temas de identidad, presiones sociales y la búsqueda existencial de significado. Con origen en Iconoclast Editions y Beautiful Losers Archive, "Untitled (Next door...)" de Powers no es simplemente una obra de arte impresa; es un diálogo con el espectador, un comentario satírico sobre la condición humana y un reflejo de la voz distintiva de Steve Powers (también conocido como ESPO) en el mundo del arte. Esta pieza complementará cualquier colección de arte y servirá para iniciar una conversación debido a sus imágenes vibrantes y la destreza narrativa única del artista. ESPO- Steve Powers: Letreros prácticos para personas que conoces en la ciudad de Nueva York Impresión HPM personalizada 2006 Steve Powers, también conocido como ESPO, da vida a la esencia dinámica de la comunicación urbana con sus "Señales prácticos para personas que conoces en la ciudad de Nueva York" desde 2006. Esta colección de pegatinas troqueladas es más que una mera decoración; es una forma de expresión que encarna el pulso de las calles de la ciudad de Nueva York. Cada pegatina es una explosión de color y simbolismo, que mide 12-1/8 x 10-1/4 pulgadas, diseñada para captar la atención y provocar el pensamiento. Esta pieza clasifica hábilmente los diversos arquetipos que uno puede encontrar en la bulliciosa metrópolis: "CONFUSORES" con una mano que señala en azul, "ABUSADORES" con un pulgar hacia abajo en rojo, "USUARIOS" con un dedo que señala en verde y "PRODUCTORES" con un apretón de manos en negro: el amarillo vibrante del fondo actúa como un megáfono visual, amplificando el mensaje de cada cartel. La obra de arte de Powers es un comentario sobre la dinámica social de la vida urbana, cada signo es una abreviatura de las complejas interacciones que definen la experiencia urbana. Lanzadas como una hoja de calcomanías troqueladas mate de alta presión (HPM) personalizadas, estas calcomanías están diseñadas para adherirse a cualquier superficie, convirtiendo objetos cotidianos en medios para el diálogo social. "Señales prácticas para personas que conoces en la ciudad de Nueva York" es una obra de arte interactiva y un artefacto cultural que refleja la aguda observación del artista de los personajes que conforman el tejido de la vida de la ciudad. Para los coleccionistas y admiradores del trabajo de Steve Powers, esta hoja de pegatinas es una combinación única de diseño gráfico, arte callejero y comentarios irónicos, todos ellos sellos distintivos del estilo distintivo de Powers. Jo Jackson: Serigrafía sin título 2004 Libro de artista firmado/numerado y "Estados" "Untitled" de Jo Jackson de 2004 es una serigrafía serena que captura la esencia minimalista de las formas naturales a través del color y la forma. Esta obra, que mide 16 x 20 pulgadas, forma parte de una serie de edición limitada, y cada pieza está firmada y numerada por el artista, lo que subraya su exclusividad y valor coleccionable. States es una revista de libros animados de edición limitada de 100 ejemplares. El estampado presenta un pico helado y austero sobre un excelente fondo azul, que evoca una sensación de calma y contemplación. La cima de la montaña se encuentra con un copo de nieve singular y detallado, que sugiere la pureza y singularidad de las creaciones de la naturaleza. Abajo, un campo de puntos blancos danza sobre la base, recordando una tranquila nevada o un cielo nocturno estrellado. Publicada en consonancia con la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" de 2004 a 2009, la obra de arte de Jackson refleja las cualidades introspectivas y a menudo meditativas que el arte contemporáneo puede provocar. La exposición fue un evento histórico que mostró artistas que se inspiraron en la cultura callejera, el graffiti, el skate y otras formas de arte subcultural. Esta pieza, que surge del Beautiful Losers Archive, representa un momento en el arte contemporáneo donde la simplicidad y el simbolismo convergen. Tanto para coleccionistas como para entusiastas, "Untitled" de Jackson no es sólo una impresión sino una pieza de tranquila belleza, que ofrece un momento de reflexión en medio del caos de la vida cotidiana. Es un testimonio de la capacidad del artista para sintetizar emociones complejas en una imagen única y conmovedora. Thomas Campbell: People Of Pangea Silkscreen Print 2005 Firmado/Numerado "People Of Pangea Unite" de Thomas Campbell es una convincente serigrafía sobre papel que resume una perspectiva caprichosa y estimulante sobre la unidad y el mundo natural. Esta pieza de 2005 forma parte de una serie limitada, firmada y numerada individualmente por el artista, lo que convierte cada impresión en un artefacto coleccionable. La obra de arte retrata un paisaje surrealista donde figuras humanas se fusionan con el tronco de un árbol, creando una metáfora visual de la interconexión. Arriba, se despliega un bocadillo con el texto "¿QUÉ EXACTAMENTE CONSERVAN LOS CONSERVADORES?", un mensaje provocativo que alienta a los espectadores a reflexionar sobre la gestión política y ambiental. La pieza está salpicada de vibrantes toques de color en medio de una paleta de tonos tierra, que atrae la atención a través de la divertida composición. Publicado para la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que se desarrolló entre 2004 y 2009, la impresión de Campbell encarna la celebración de la exposición de las formas de arte subcultural y su influencia en el arte contemporáneo. La exposición fue un evento cultural importante, que llevó el espíritu del skate, el graffiti y el arte callejero al espacio de la galería. "People Of Pangea Unite" es un testimonio de la capacidad única de Campbell para combinar lo fantástico con lo crítico, ofreciendo una declaración que es a la vez estéticamente agradable e intelectualmente estimulante. Para los coleccionistas, esta impresión no es sólo una obra de arte; es un tema de conversación que captura un momento distintivo en la historia del arte contemporáneo, caracterizado por su audacia y capacidad para desafiar el status quo. Thomas Campbell: T Moe Still Smoking Paul Frank Cartera personalizada hecha a mano de edición limitada 2005 "Still Smoking" de Thomas Campbell es una cartera hecha a mano y hecha a medida, una obra de arte funcional que fusiona la utilidad con la vitalidad de la cultura callejera. Creado en 2005, este artículo de edición limitada celebra el estilo personal y el talento artístico. Adornada con una gran cantidad de ilustraciones caprichosas que son características de la estética de Campbell, la billetera cuenta con un fondo azul claro con imágenes vívidas y contrastantes. Desde la divertida representación de las nubes hasta las estructuras estilizadas y las figuras caprichosas, cada elemento se representa con una sensación de alegría y una sensibilidad gráfica audaz. La billetera fue lanzada como parte de la conmemoración de la exposición "Hermosos perdedores: arte contemporáneo y cultura callejera", que tuvo lugar de 2004 a 2009. Este evento global fue un hito al mostrar la intersección del skate, el graffiti y el arte callejero dentro de la escena del arte contemporáneo. La billetera "Still Smoking" de Campbell no es solo un accesorio, sino una pieza coleccionable que captura la esencia de una era en la que el arte no se limitaba a las galerías, sino que se llevaba en el bolsillo, como parte de lo cotidiano. Es un tributo al espíritu de "Beautiful Losers" y un artículo imprescindible para los coleccionistas que aprecian la combinación del arte y la vida cotidiana. Andy Jenkins: Impresión HPM única Hang sin título 2005 Firmada/Fechada Esta obra de arte, una pieza convincente de Andy Jenkins, forma parte de una colección única de 100 impresiones de inyección de tinta, cada una de aproximadamente 11 por 9 pulgadas. Esta obra sin título es una sinfonía de elementos visuales que combina tipografía, diseño gráfico e ilustraciones dibujadas a mano para crear una narrativa en capas. La pieza presenta audazmente la palabra "HANG" en letras escalonadas de gran tamaño que dominan el campo visual, contra un fondo que combina intrigantemente elementos de un calendario y escritura manuscrita, sugiriendo el paso del tiempo y la naturaleza fugaz de los momentos. Un boceto de un cohete colocado junto a la tipografía añade una sensación dinámica de movimiento y exploración, enriqueciendo aún más la historia que cuenta la impresión. Cada impresión de esta edición limitada está firmada y fechada individualmente por Jenkins, lo que garantiza su autenticidad y conecta al coleccionista directamente con el viaje creativo del artista. Esta obra de arte no es sólo una declaración visual sino un testimonio del enfoque multidisciplinario de Jenkins, donde el texto y la imagen se entrelazan para atraer y desafiar al espectador. Andy Jenkins: Círculo sin título HPM Unique Print 2005 Firmado/Fechado "Circle Untitled HPM Print" de Andy Jenkins de 2005 es un ejemplo notable de grabado contemporáneo que combina la simplicidad de las formas geométricas con la complejidad de la expresión individual. Esta pieza, una de las cien impresiones de inyección de tinta únicas, cada una de las cuales mide aproximadamente 11 por 9 pulgadas, muestra el dominio de la forma, el color y la composición de Jenkins. La obra de arte presenta dos círculos negros y llamativos que dominan el campo visual; Forman un estudio de perfecta simetría y equilibrio. Alrededor de estas figuras centrales parecen haber notas escritas a mano y garabatos, algunos claros, otros oscurecidos, que insinúan el proceso del artista o tal vez pensamientos dejados intencionalmente crípticos. La impresión se coloca sobre un fondo blanco prístino, que no solo acentúa la viveza de los círculos negros y los acentos rojos dentro de uno de ellos, sino que también da prominencia al texto sutil y las líneas que invitan al espectador a acercarse. Cada impresión de esta serie está firmada y fechada por Jenkins, lo que indica el toque personal y la autenticidad que los coleccionistas y admiradores del arte suelen buscar. La naturaleza de edición limitada de estas impresiones hace que cada una sea única en términos de su lugar en la serie y las ligeras variaciones que ocurren en la impresión de inyección de tinta. "Circle Untitled HPM Print" de Jenkins no es sólo una experiencia visual sino también táctil, y la elección del papel y la técnica de impresión por parte del artista contribuyen a la presencia general de la obra. Es un testimonio de la capacidad de Jenkins para transmitir profundidad y narrativa dentro de un marco minimalista, involucrando al observador en un diálogo silencioso, reflexivo y universal. Con sus líneas limpias y detalles intrigantes, esta pieza es una adición convincente a cualquier colección que valore la intersección del diseño moderno y la expresión personal dentro del grabado artístico. Andy "Mel Bend" Jenkins: Scribble Scrabble Serigrafía 2005 Firmado/Numerado "Scribble Scrabble" de Andy Jenkins es una intrigante obra de serigrafía y grafito sobre papel, que captura la imaginación del espectador a través de su audaz calidad gráfica y su divertido compromiso con la tipografía. Esta pieza, que mide 20 x 16 pulgadas, es parte de una edición finita de 200, cada una numerada y firmada personalmente por Jenkins, lo que afirma su singularidad y estatus coleccionable. La composición presenta un puño levantado entrelazado con líneas fluidas en forma de cinta sobre un fondo de grises suaves, realzado por la pancarta del mismo nombre "Scribble Scrabble" en llamativo negro y rojo. La sensibilidad gráfica de Jenkins, perfeccionada a lo largo de años como creativo fundamental en la cultura del skate, está en plena exhibición, fusionando elementos del arte callejero con delicadas sensibilidades artísticas. Lanzado con la exposición fundamental "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" de 2004 a 2009, "Scribble Scrabble" representa la evolución creativa de la estética del skate en espacios de galería. Jenkins, un artista versátil conocido por su trabajo como dibujante de cómics, ilustrador y director creativo, cofundó la revista Dirt con Spike Jonze y Mark Lewman a principios de la década de 1990, consolidando aún más su influencia en la subcultura. "Scribble Scrabble" de Andy Jenkins es más que una impresión; refleja una fuerza creativa que da forma al lenguaje visual de la cultura del skate. Ocupa un lugar de honor dentro del Beautiful Losers Archive, y representa una época en la que las líneas entre la subcultura y la alta cultura eran borrosas y bellamente entrelazadas. Terry Richardson: Objeto de arte Smilen Broadway Eye Glasses 2004 Este intrigante objeto de arte de Terry Richardson, titulado "Smilen Broadway Eye Glasses", es un testimonio de la fusión del diseño funcional y la expresión artística. Presentados como objeto de arte de 2004, este par de anteojos negros representa el estilo visual distintivo de Richardson, conocido por su audacia y franqueza. Los vasos miden aproximadamente 3 x 8 x 3 pulgadas y encarnan un sentido de estilo dentro de su forma compacta. Los anteojos descansan sobre un fondo que dice "BROADWAY Collection SMILEN EYEWEAR", lo que sugiere un tema de comercialismo entrelazado con la identidad personal. Las lentes acrílicas transparentes están montadas en un marco negro clásico, una elección de color con un atractivo atemporal. Estas gafas no son sólo accesorios; son piezas llamativas que reflejan la personalidad del usuario y la perspectiva única del artista sobre los objetos cotidianos. Elaboradas con meticulosa atención al detalle, las gafas llevan las especificaciones "ESTILO STEVEN COLOR NEGRO TALLA 56-16 TEMPLE 145", que denota su naturaleza personalizada. El objeto de arte desdibuja la línea entre objetos prácticos y artículos de colección, desafiando los límites de lo que típicamente se percibe como arte. El trabajo de Richardson aquí invita a los espectadores a contemplar la intersección de la cultura visual, la moda y la expresión personal, lo que lo convierte en una adición convincente a cualquier colección que valore la integración innovadora del arte en la vida diaria. Ari Marcopoulos: Justin Serigrafía 2004 Firmada/Numerada Capturando un momento del retrato contemporáneo, "Justin" de Ari Marcopoulos es una creación serigrafiada de 2004 sobre papel de archivo sin ácido, que mide 20 x 16 pulgadas. Esta obra forma parte de una codiciada serie de edición limitada, con sólo 200 piezas, cada una meticulosamente firmada y numerada por Marcopoulos, lo que garantiza su exclusividad y estatus coleccionable. Con un atrevido fondo rosa, el retrato de 'Justin' es un estudio convincente del carácter y la forma. El marcado contraste entre el vívido fondo y el sujeto monocromático permite que la figura emerja con profundidad e introspección. La expresión neutra del sujeto se presenta con una estética minimalista, capturando una mirada serena pero penetrante que parece mirar más allá del papel. Esta pieza fue publicada con motivo de la exposición "Beautiful Losers", una celebración del arte que desdibuja las líneas entre la cultura callejera y el arte elevado. Refleja el espíritu del movimiento y encapsula una instantánea cruda y sin adulterar de la juventud y la subcultura. "Justin" no es sólo un retrato; es una declaración, una pieza que le habla al coleccionista con aprecio por la convergencia de la forma de arte con el espíritu de la época de su tiempo. Es una adición atemporal a cualquier colección, que ofrece belleza estética y significado cultural. Ari Marcopoulos: Libro de arte del artista "I Might Be Wrong" 2005 Esta imagen es una sorprendente pieza visual del libro de arte de Ari Marcopoulos, "I Might Be Wrong", lanzado como un fanzine limitado en 2005 con una edición limitada de 100 ejemplares. Este convincente trabajo muestra la habilidad de Marcopoulos para capturar la esencia cruda y auténtica de la cultura callejera. La fotografía, impresa en offset para lograr detalles precisos y nítidos, mide 20.32 x 12.7 cm, un tamaño que invita a una inspección minuciosa y a un compromiso personal con el espectador. En este retrato monocromático, una figura se encuentra frente a una pared de ladrillos desgastada, su identidad oculta detrás de lo que parece ser un boombox con ojos, evocando una sensación de anonimato urbano y subterfugio artístico. El boombox es un símbolo conmovedor de la música y las escenas callejeras de las últimas décadas, lo que sugiere una narrativa que entrelaza la expresión personal con artefactos culturales. El telón de fondo está cubierto de folletos, incluido uno que presenta de manera destacada un anuncio de la Alleged Gallery, proporcionando contexto y anclando la imagen en un entorno cultural específico. Esta edición, numerada y limitada a 100 ejemplares, es una pieza de colección que ofrece una visión íntima de la perspectiva del artista sobre la vida y el arte urbanos. Marcopoulos es conocido por su estilo documental que a menudo explora los márgenes de la cultura dominante, y esta imagen es un testimonio de su capacidad para encontrar belleza y significado en lo cotidiano. Los coleccionistas y admiradores de la fotografía contemporánea y el arte callejero reconocerán el valor de este libro de arte como piedra de toque para la narrativa dinámica y en constante evolución de la cultura callejera. Todd James: Vivo con placer Serigrafía 2005 Firmado/Numerado Presentamos "Alive With Pleasure" de Todd James, una notable creación serigrafiada sobre papel de 2005 que vibra con la energía icónica y el estilo estilístico del artista. Esta pieza, que mide 7 x 5 pulgadas, es parte de una edición numerada exclusiva de 100, lo que la convierte en un objeto de colección poco común para los entusiastas del arte contemporáneo. En este trabajo, James continúa explorando los temas de alegría y exuberancia que impregnan gran parte de su obra. La composición presenta dos figuras representadas en un tono rosa monocromático que es llamativo y divertido. El primer plano está dominado por un personaje que sostiene un cigarrillo en la mano, su expresión de pura felicidad, sus ojos cerrados y una amplia sonrisa con dientes que transmite una sensación de satisfacción y deleite. Detrás de ella, una segunda figura, parcialmente oscurecida, se hace eco de este sentimiento con una mano sobre la boca fumando, sugiriendo risa o un secreto compartido. La línea de trabajo de James en "Alive With Pleasure" es fluida y segura, con una exageración caricaturesca inmediatamente reconocible como su estilo característico. Los personajes están adornados con detalles como el motivo del arco iris en la camisa de la figura central, lo que añade una capa de interés visual y podría interpretarse como un guiño a temas de diversidad e inclusión. Esta serigrafía no es sólo una obra de arte; es una instantánea de felicidad, una representación de los placeres simples de la vida y una celebración de los momentos que nos hacen sentir verdaderamente vivos. Es un testimonio de la capacidad de Todd James para capturar el espíritu del arte pop callejero y presentarlo en un formato que resuene en el espectador a un nivel visceral. Para los coleccionistas y admiradores de la obra de Todd James, "Alive With Pleasure" es más que una obra de arte: es una infusión de alegría y una representación precisa del atractivo perdurable del artista. Todd James: Serigrafía de BullieJames 2005 Firmada/Numerada Presentando "Bullies" del aclamado artista Todd James, también conocido en los círculos artísticos como REAS, esta serigrafía sobre papel de 2005 es un testimonio vibrante de su renombrado estilo profundamente arraigado en la cultura callejera y la estética animada. Esta pieza, que mide 20 x 16 pulgadas, forma parte de una edición limitada de 200, cada una firmada y numerada individualmente por el artista, lo que garantiza su singularidad y coleccionabilidad. La obra de arte muestra cuatro personajes parecidos a dibujos animados, cada uno representado con expresiones y gestos exagerados que transmiten una sensación de movimiento e interacción. Con su tez verde y su puño en alto, la figura dominante simboliza el arquetipo del 'matón', un tema recurrente en el trabajo de REAS, que a menudo explora las dinámicas de poder y los roles sociales a través de una lente lúdica pero crítica. Lanzado junto con la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", "Bullies" resume la energía y el espíritu del movimiento de la cultura callejera. El uso de colores primarios atrevidos y líneas fluidas es característico del enfoque de Todd James, donde combina elementos del arte del graffiti con una sensibilidad artística refinada. Esta pieza es un deleite visual y una parte importante del diálogo entre el arte callejero y el arte contemporáneo dominante. Resuena con el espíritu rebelde de las escenas clandestinas de las que surgió Todd James y, al mismo tiempo, es un espejo de las narrativas más amplias de confrontación y resiliencia de la sociedad. "Bullies" es un ejemplo convincente del impacto de Todd James en la evolución del graffiti y el arte pop callejero, lo que la convierte en una pieza codiciada para coleccionistas y entusiastas. Encarna la fusión de conocimiento callejero y delicadeza estética, un sello distintivo del viaje artístico de James y una adición colorida a cualquier colección. Wes Humpston: Bulldog Skates Serigrafía 2004 Firmado/Numerado Con una sorprendente combinación de imágenes atrevidas y colores vibrantes, la obra de arte 'Bulldog Skates' de Wes Humpston es una pieza profunda que captura la esencia de la cultura del skate. Creada en 2004, esta obra está elaborada con serigrafía y grafito sobre papel y mide 20 x 16 pulgadas. Pertenece a una edición especial limitada a 200 piezas, cada una minuciosamente numerada y firmada personalmente por el artista, estableciendo una conexión directa entre Humpston y el coleccionista. Esta obra de arte se dio a conocer durante la exposición aclamada por la crítica "Hermosos perdedores: arte contemporáneo y cultura callejera", que celebró el rico lenguaje visual de la cultura callejera y su influencia en el arte contemporáneo. 'Bulldog Skates' es emblemático del estilo distintivo de Humpston, incorporando elementos del arte pop callejero y obras de arte graffiti. La imagen central, un bulldog de ojos ardientes encapsulado entre llamas verdes vibrantes, no es solo un logotipo sino un ícono que representa el espíritu rebelde y la pasión ardiente de los patinadores. El texto vertical que bordea la figura central, que recuerda a etiquetas de graffiti, lleva el nombre 'Bulldog Skates', lo que refuerza la identidad de la marca y sus raíces en la energía cruda y cruda del arte callejero. La obra de arte de Humpston es un testimonio de la autenticidad y la libertad creativa que define la escena del patinaje callejero y resuena tanto entre los entusiastas como entre los coleccionistas de arte. 'Bulldog Skates' es más que una obra de arte; es un artefacto cultural que encarna el espíritu de una época y una comunidad que prospera al margen de las normas sociales. Glen E Friedman: Mis reglas Serigrafía 2004 Firmado/Numerado Esta dinámica creación serigrafiada, 'My Rules', del aclamado artista Glen E. Friedman, fue producida en 2004. Esta pieza, una audaz representación del impacto de la cultura callejera en las artes visuales, mide 20 x 16 pulgadas y es parte de una serie de edición limitada, con solo 200 copias disponibles en todo el mundo. Cada pieza está firmada y numerada individualmente por Friedman, añadiendo una autenticación personal a la pieza de colección. Elaborado con la precisión y vitalidad características de la serigrafía, 'My Rules' sirve como un manifiesto visual del espíritu punk y del skate. La obra de arte se dio a conocer como parte de la icónica exposición 'Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture', que celebró la transición del arte callejero al espacio de la galería. 'My Rules' es un emblema de la histórica carrera del artista al documentar el espíritu rebelde de las subculturas juveniles. La impresión es un montaje de retratos enérgicos y tomas de acción real, centrados en una figura imponente que vocaliza el sentimiento del título. La tipografía eléctrica de color verde lima atraviesa el fondo monocromático, afirmando el tono desafiante de la obra. Esta pieza no es sólo una obra de arte; es un archivo histórico que capta el pulso de un movimiento. Encarna la voz de una generación que desafió las normas y vivió según sus propias reglas. Poseer una pieza de esta edición no es sólo una inversión en arte; es un reconocimiento de un período transformador en el arte contemporáneo, donde las calles conversaron con el estudio y Glen E. Friedman estaba allí para capturarlo todo. Chris Johanson: Sin título ¿Por qué son tan frenéticos? Serigrafía 2004 Firmado/Numerado Sin título ¿Por qué son tan frenéticos? de Chris Johanson es una serigrafía convincente que dice mucho a través de su combinación de texto e imágenes. Creada en 2004, esta pieza está meticulosamente impresa en papel de archivo sin ácido y mide 20 x 16 pulgadas. Forma parte de una serie de edición limitada, de sólo 200 ejemplares, cada uno de ellos firmado a mano y numerado por el propio Johanson. Esta obra de arte fue concebida para la innovadora exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture" que celebró los influyentes movimientos del skate, el graffiti y el arte callejero de 2004 a 2009. La pieza presenta una figura extraterrestre representada con un contorno minimalista, que sirve como conducto para un mensaje que desafía al espectador a reflexionar sobre cuestiones de histeria y vulnerabilidad dentro de la sociedad. El fondo verde brillante y audaz acentúa la urgencia y la naturaleza reflexiva del texto. El trabajo de Johanson viajó por varios lugares como parte de la exposición "Beautiful Losers". Posteriormente apareció en los espectáculos "Transfer" en Brasil, en el Santander Cultural de Porto Alegre y en el Pabellón Cultural de Brasil en el Parque de Ibirapuera, Sao Paulo. La influencia y el alcance de la pieza están documentados con más detalle en las bibliografías "Beautiful Losers" y "Transfer". Originaria del Beautiful Losers Archive, esta obra de arte es una pieza de cultura visual y una instantánea histórica, que encapsula el espíritu de un movimiento que desdibuja las líneas entre la galería y la calle. Ofrece una oportunidad única para que coleccionistas y entusiastas interactúen con un momento crucial del arte contemporáneo a través de la lente introspectiva de Johanson. Chris Johanson: Juego de insignias de botones Love Not War 2004 numerados "Love Not War" de Chris Johanson es una colección de insignias para botones que invita a la reflexión y que mide diez por 17.78 centímetros. Este conjunto, presentado en una edición limitada de 100 copias, refleja el compromiso de Johanson con temas sociopolíticos contemporáneos resumidos en los breves y poderosos mensajes de cada insignia. Las insignias, colocadas sobre un vibrante fondo amarillo con una destacada en verde, sirven como arte portátil que invita a la reflexión y al discurso. Se hacen eco del compromiso del artista con la paz, el apoyo al espíritu empresarial de base y la crítica de la cultura de consumo y la guerra. Cada insignia es un iniciador de conversación, desde defender la vigilancia de los derechos humanos en el comercio global hasta promover la tranquilidad interior y el amor. Esta colección numerada es una obra de arte y un comentario histórico que captura la esencia de la defensa y la expresión personal en manifiestos en miniatura. El arte de Johanson convierte el uso de una insignia en una declaración de valores únicos y un llamado a la conciencia social. Mark Gonzales y Harmony Korine: "Adulthood" Artist Art Zine 1995 "Adulthood" es un conmovedor zine de arte colaborativo de 1995 de Mark Gonzales y Harmony Korine, artistas conocidos por su trabajo influyente dentro de las comunidades del skate y el cine, respectivamente. Este fanzine es un manifiesto físico de la subcultura de la época, presentado a través del medio fotocopiado que le da una estética cruda y auténtica. Con unas medidas aproximadas de 20.32 x 12.7 cm, el zine es un testimonio portátil del espíritu del bricolaje que impregnó las escenas artísticas underground de la época. La portada presenta una imagen granulada y de alto contraste de cuatro jóvenes, que evoca el estilo del retrato de principios del siglo XX pero rebosante de la actitud desafiante de los años 20. Debajo de la imagen, los nombres "Mark Gonzales" y "Harmony Korine" declaran audazmente este esfuerzo de colaboración, uniendo dos fuerzas creativas distintas en una visión compartida. El título "ADULTURA" aparece arriba en letras mecanografiadas, yuxtapuestas con la fecha "Primera ish". Marzo de 1995", anclando la pieza en un momento específico de la producción cultural. Limitada a 100 copias, esta edición es tanto un objeto coleccionable como un fragmento de la historia cultural, que captura el espíritu de una generación situada en la cúspide de la edad adulta pero profundamente arraigada en la cultura juvenil subversiva de la época. Cada fanzine sirve como una instantánea del período, un artefacto tangible que encarna el espíritu de colaboración y creatividad por el que Gonzales y Korine son famosos. Esta obra es imprescindible para coleccionistas y entusiastas de la cultura del skate de los 90, el cine independiente y la energía pura del arte callejero. Mark Gonzales: Objeto de arte del ambientador Krooked de edición limitada 2004 Encarnando la estética de la cultura del skate, Mark Gonzales presenta el ambientador Krooked de edición limitada, un objeto de arte vibrante que estropea la funcionalidad con un estilo de arte callejero. Lanzados en 2004 como parte del portafolio Beautiful Losers, estos ambientadores trascienden su uso práctico y se presentan como piezas coleccionables que reflejan la visión artística de Gonzales. Cada ambientador presenta el carácter lúdico e irreverente distintivo de la marca de skate Krooked, representado en contornos gráficos audaces. Disponible en dos diseños, el primero hace alarde de un rico tono púrpura, que encarna el motivo de los ojos torcidos. Por el contrario, el segundo diseño muestra el carácter característico de la marca en un blanco intenso sobre un llamativo fondo azul. Estos objetos de arte fueron seleccionados para la exposición fundamental "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", que celebró el influyente espíritu del bricolaje en el arte de 2004 a 2009. La colección aprovecha el latido del corazón de la cultura callejera, infundiendo a los artículos cotidianos un sentido de arte y rebelión contra la corriente principal. Originarios de Iconoclast Editions y del estimado Beautiful Losers Archive, los ambientadores Krooked ocupan un lugar especial en las crónicas del arte contemporáneo. Sirven como testimonio del impacto de GGonzales en las comunidades artísticas y del skate y un símbolo de la difusión del arte underground de la época en la vida cotidiana. Estas piezas de edición limitada son codiciadas por coleccionistas y entusiastas y representan un momento en el que la cultura callejera reclamó audazmente su espacio en el mundo del arte elevado. Phil Frost: Marcador recargable para póster súper ancho personalizado 2004 Phil Frost presenta una fusión única de utilidad y arte con su marcador súper ancho y marcador para póster, elaborados en 2004. Estos marcadores recargables de plástico personalizados son más que meras herramientas; son piezas de arte individuales, de aproximadamente 2 x 5 pulgadas, y son parte de un limiwoman'stwomen'siwomen's00 cada una. Los marcadores están adornados con los distintivos motivos tribales de FFrost en negro sobre un fondo naranja intenso. Este diseño es reconocible instantáneamente para quienes están familiarizados con el trabajo de FFrost, conocido por sus patrones intrincados y un agudo sentido del lenguaje visual aún contemporáneo de priMill. Procedentes de Iconoclast Editions y parte de Beautiful Losers Archiv", estos marcadores encarnan el espíritu" de la exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture". Este proyecto celebró la cultura del bricolaje y el arte callejero que influyeron en una generación de artistas. Para los miembros de MMills, estos marcadores son una parte tangible de la exposición, que resume la esencia del impacto de la cultura callejera en el arte contemporáneo. Son un testimonio de la visión en la que el objeto cotidiano se convierte en un lienzo, combinando forma y función con la fluidez del arte callejero. Estos marcadores son artículos funcionales y obras coleccionables que llevan el estilo característico del artista a manos de creativos y entusiastas del arte por igual. Mike Mills: The Architecture of Reassurance 1999 Mini libro "The Architecture of Reassurance" de Mike MMills es un cautivador libro de artista de tapa blanda que sirve como extensión visual de su cortometraje. Publicado en 1999, este libro de primera edición mide 7 x 4.25 pulgadas y es un raro objeto de colección procedente directamente del Beautiful Losers Archive. Dentro de sus páginas, el libro ofrece una rica colección de fotografías y fotogramas de películas que capturan la esencia del viaje de una mujer joven a través de los paisajes suburbanos alrededor de Los Ángeles. Estas imágenes se entrelazan para crear una narrativa que explora temas de aislamiento urbano, la búsqueda de identidad y la reconfortante aunque a veces estéril uniformidad del diseño residencial. El trabajo de Mill es conocido por su capacidad de destilar profundas observaciones socioculturales en imágenes minimalistas. "La Arquitectura de la Tranquilidad" no es una excepción, ya que reflexiona cuidadosamente sobre nuestros entornos y cómo estos dan forma a nuestras experiencias y percepciones. Esta publicación íntima es un libro y una galería portátil del talento cinematográfico y fotográfico de MMills. Para los admiradores del trabajo de MMills y aquellos interesados ​​en la interacción entre el cine, la fotografía y la teoría urbana, este artista es una valiosa adición a su colección, ya que ofrece una pieza táctil del espíritu de la época de finales del siglo XX. Clare Rojas: CD de edición limitada de Peggy Honeywell Faint Humms 2004 Este objeto de arte es un CD de edición limitada titulado Peggy Honeywell "Faint Humms" de Clare E. Rojas, un artista cuyo trabajo abarca una variedad de medios, y a menudo explora temas de identidad y folclore. Publicado junto con la influyente exposición "Beautiful Losers: Contemporary Art and Street Culture", este CD no es sólo un recipiente del arte auditivo de Rojas, sino también un artículo coleccionable que representa la intersección de la música y el arte visual dentro del entorno de la cultura callejera. El CD se presenta en un llamativo estuche naranja, que subraya el audaz uso del color por parte de Rojas en sus obras de arte visuales. El estuche está envuelto en un forro de espuma, lo que garantiza la protección del disco y refleja el cuidado que se suele dar a la preservación de los objetos de arte. El disco, con su superficie reflectante que crea un espectro de colores, recuerda el estilo característico de Rojas, que a menudo emplea tonos vibrantes y contrastantes. Esta pieza es una conexión tangible con el espíritu de la exposición "Beautiful Losers", que celebró las diversas formas de arte que surgen de la cultura callejera y su influencia en el arte contemporáneo. Como lanzamiento de edición limitada, este CD es una instantánea de un momento particular de la historia del arte, que encarna el espíritu creativo de una era en la que las líneas entre diferentes disciplinas artísticas se difuminaron para crear nuevas formas de expresión. Coleccionistas y entusiastas de Clare E. El trabajo de Rojas y aquellos que aprecian el legado de la cultura callejera en el arte encontrarán en este CD una adición significativa a su colección. Ryan McGinness: Paquete de pegatinas personalizadas 2005 Firmado/Numerado Esta obra de arte es un paquete de pegatinas multiverso personalizado de Ryan McGinness, un artista reconocido por sus representaciones gráficas y formas orgánicas. El paquete, lanzado en 2005, es parte de una edición especial, limitada a 100 copias, cada una meticulosamente firmada y numerada por McGinness, lo que indica su posición como #de 100. Las dimensiones del estuche son 12.7 x 12.7 cm, un tamaño compacto que resume la esencia de la filosofía de diseño de McGinness. Presentado en una elegante caja plateada que brilla con un brillo metálico, el paquete encarna una sensación de exclusividad y modernidad. La firma del artista en el lado izquierdo del sobre certifica la originalidad de la obra. Al mismo tiempo, el icónico emblema de la corona del logo de Ryan McGinness Studios a la derecha es un sello de calidad y autenticidad. En el interior, el estuche contiene una serie de pegatinas, cada una de las cuales es un fragmento del vibrante multiverso de McGinness. Estos no son meros adornos; son obras de arte adhesivas que permiten al portador llevar una pieza de la estética de McGinness al mundo. Las pegatinas sirven como una galería portátil, una democratización del arte en el corazón del espíritu de McGinness. Este paquete de pegatinas Multiverse es un objeto coleccionable que difumina los límites entre el arte elevado y la forma artística accesible de las pegatinas.

Leer Saber más less

Estudio Remio- 04 Pintura en aerosol de técnica mixta original única en su tipo, obra de arte de pintura acrílica sobre papel de bellas artes del popular artista de graffiti callejero Remio. Técnica mixta sobre papel de bellas artes Tamaño: 54 x 50 pulgadas Lanzamiento: 31 de enero de 2020 Tirada de: 1 edición masiva

Leer Saber más less

Blokes Neon Acrylic LED Giclee Print de Futura 2000- Leonard McGurr Artwork Edición limitada Impresión Graffiti Pop Street Artist. 2023 Impresión de neón con luz LED en plástico acrílico y COA Edición limitada de 100 obras de arte Tamaño 25 x 20 Incluye control remoto Bienvenido al mundo exclusivo de las creaciones de edición limitada: este magistral letrero de neón LED es una de las 100 piezas en todo el mundo. Cada pieza es única, numerada individualmente y viene acompañada de un Certificado de Autenticidad aprobado oficialmente, que garantiza la procedencia de la obra de arte y agrega un toque adicional de exclusividad a la experiencia de propiedad. La obra de arte es una amalgama impresionante de arte abstracto y luz deslumbrante. Se erige como un testimonio de la capacidad única del artista para aprovechar un reino de potencial creativo inexplorado. Tonos vivos de azul, amarillo, rojo, blanco y rosa intenso convergen y divergen, creando una vibrante danza de color y forma que es a la vez hipnótica y estimulante. Líneas fluidas se entrelazan a lo largo del letrero, creando patrones intrincados que confunden, emocionan y atraen en igual medida. Cada pieza, con sus dimensiones de 25 x 20 pulgadas o 64 x 52 cm, sirve como puerta de entrada a un universo centelleante de expresión artística. Es una invitación a ir más allá de los confines de la realidad cotidiana y sumergirse en un espectáculo radiante de brillo abstracto. El resultado es una composición fascinante que rompe con las normas tradicionales y ofrece a los espectadores un viaje inmersivo a un reino deslumbrante donde el arte se encuentra con la tecnología. Nuestra obra de arte de neón LED no se trata solo de imágenes impresionantes, sino que también habla de prácticas sostenibles. El tubo de bajo consumo garantiza que la obra de arte ilumine su espacio con un impacto ambiental mínimo. Pero no se detiene ahí; el reverso impreso presenta con orgullo la obra de arte de Futura, lo que agrega otra capa de profundidad y complejidad a esta extraordinaria pieza. Diseñado para irradiar belleza, esta pieza de vanguardia no solo ilumina su espacio vital, sino que también se erige como un testamento esclarecedor de la intersección de la tecnología moderna y el arte atemporal. Sea testigo de cómo transforma un espacio ordinario en una galería de arte vibrante, atrayendo a los espectadores con sus colores brillantes y su encanto hipnótico. Leonard McGurr, más conocido como Futura 2000, es una figura pionera en el mundo del street art. Es particularmente conocido por su habilidad única para fusionar el arte pop, el graffiti y el arte callejero, creando piezas que son visualmente impactantes y profundamente emotivas. Uno de sus trabajos más atractivos es "Blokes Neon Acrylic LED Giclee Print". Esta creación vibrante combina armoniosamente la energía pura del arte callejero con la estética refinada de las presentaciones en galerías. La pieza en sí cuenta con un derroche de color, utilizando acrílicos de neón que sirven como una devolución de llamada a las luces de neón que a menudo se asocian con la vida de la ciudad y la cultura urbana. Su paleta electrizante se magnifica mediante el uso de iluminación LED, que se incorpora ingeniosamente a la impresión Giclée. La fusión del método de impresión tradicional con la tecnología moderna es un símbolo del trabajo de Futura 2000: una combinación perfecta de lo antiguo y lo nuevo, la tradición y la innovación. El tema de la obra, "Blokes", podría interpretarse como un comentario sobre el lugar de la persona común dentro del mundo vibrante y caótico que retrata Futura 2000. Cada figura está representada en su estilo abstracto característico, un guiño a sus raíces de graffiti, y los colores de neón agregan un toque de arte pop, atrayendo la atención del espectador. Esta pieza, como muchas otras de Futura 2000, explora los límites entre el arte elevado y el arte callejero. Reafirma su lugar en el mundo del arte como un artista que no teme traspasar los límites y desafiar las convenciones.

Leer Saber más less

The Greatest of All Time 3 Muhammad Ali x Sonny Liston Pop Street Artwork Impresión giclée de edición limitada en papel de acuarela pesado del artista moderno Alec Monopoly Brand. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 150 obras de arte Tamaño 36x24

Leer Saber más less

FL-001 Marc Jacobs Pointman Monogram 40th Anniversary Vinilo de Futura 2000- Leonard McGurr Figura de vinilo Arte Escultura de juguete Obra de arte coleccionable del artista pop callejero. Marc Jacobs 2024 Nuevo en caja Edición limitada de 300 Pointman Monogram 40 aniversario Tamaño de la obra de arte 3.75 x 12 Nuevo en caja Graffiti en blanco y negro Marca de moda Marc Jacobs 5 puntos de movimiento. 24A124FUVF "FUTURA (también conocido como FUTURA2000) es un artista reconocido mundialmente, respetado no sólo por sus creaciones actuales en pintura, escultura y dibujo, sino también por su papel pionero en la "ESCUELA DEL METRO" de graffiti de NUEVA YORK en la década de 1980. FUTURA y MARC se sincronizaron recientemente como parte de un proyecto y una beca en beneficio de FREE ARTS NYC en 2022. MARC y FUTURA comparten un profundo amor mutuo por el arte y la expresión creativa, y ambos están dedicados a promover el espíritu y la ética del centro de NUEVA YORK, en todo el mundo. Esta colección cápsula representa el diseño de MARC, expresado a través de la lente del universo de personajes, íconos y gestos cinéticos de FUTURA. Esta es la primera colaboración de figuras de vinilo coleccionables entre el artista FUTURA y el ícono de la moda MARC JACOBS. Esta edición especial limitada FL-001 "Pointman" fue diseñada para celebrar el 40.° aniversario de la casa de moda homónima de MARC JACOBS y presenta el monograma estilizado a mano de FUTURA. -Figura de vinilo Marc Jacobs Pointman Monogram 001th Anniversary FL-40 de Futura 2000 La figura de vinilo Marc Jacobs Pointman Monogram 001th Anniversary FL-40 de Futura 2000 es una colaboración innovadora entre el legendario artista de graffiti Leonard McGurr, conocido como Futura 2000, y el icónico diseñador de moda Marc Jacobs. Lanzada en 2024 para conmemorar el 40.° aniversario de la casa de moda homónima de Marc Jacobs, esta figura de vinilo de edición limitada es una verdadera celebración del arte, la moda y la cultura pop callejera. Con solo 300 piezas disponibles, la escultura Pointman en blanco y negro presenta el monograma inspirado en el graffiti característico de Futura y la marca audaz de Marc Jacobs, lo que la convierte en un artículo imprescindible para coleccionistas y entusiastas por igual. Una fusión entre el arte del graffiti y la alta moda Este Pointman de edición especial encarna la combinación perfecta entre el arte pop callejero y la alta moda. Con una altura de 12 pulgadas y una base de 3.75 pulgadas, la figura está adornada con un intrincado patrón de monograma en blanco y negro que representa la energía cinética del estilo artístico de Futura. Las letras de graffiti, aplicadas con meticuloso detalle, crean una interacción dinámica entre el arte fino y la marca audaz de Marc Jacobs. Los cinco puntos de movimiento añaden un elemento escultórico e interactivo a la pieza, reforzando su versatilidad como objeto de arte y como figura de diseño coleccionable. La visión de Futura 2000 Futura 2000, pionero del movimiento de graffiti de la ciudad de Nueva York, ha sido celebrado mundialmente por su enfoque innovador del arte abstracto y la expresión urbana. Conocido por trascender las normas tradicionales del graffiti, el trabajo de Futura a menudo fusiona diseños audaces y futuristas con formas orgánicas y fluidas. La figura Monogram Pointman FL-001 refleja su capacidad para adaptar su arte a nuevos medios manteniendo al mismo tiempo su estilo distintivo. Al colaborar con Marc Jacobs, Futura continúa ampliando el alcance del arte del graffiti, consolidando su lugar dentro del arte y el diseño contemporáneo. Un monumento al legado de Marc Jacobs La figura Pointman Monogram también rinde homenaje al legado de Marc Jacobs, quien constantemente ha superado los límites de la moda y el diseño. Esta colaboración con Futura refleja la dedicación de Jacobs a combinar disciplinas creativas, celebrando la energía y el espíritu del centro de Nueva York. La cifra no solo marca el 40 aniversario de su casa de moda, sino que también refuerza su compromiso de apoyar el arte y la expresión cultural, como lo demuestran proyectos pasados ​​como la iniciativa Free Arts NYC. El sueño de un coleccionista. Limitada a solo 300 piezas, la figura de vinilo FL-001 Marc Jacobs Pointman Monogram 40th Anniversary es un objeto de colección muy codiciado. Empaquetada nueva en una caja diseñada a medida, la exclusividad de la figura y su diseño llamativo la convierten en una pieza central para los entusiastas del arte y la moda. Su paleta atemporal de blanco y negro garantiza que se destaque en cualquier entorno, mientras que su significado cultural se suma a su atractivo como un objeto coleccionable icónico que une el grafiti, el arte pop y la alta moda.

Leer Saber más less

Día de los Presidentes: Chaplin, serigrafía de edición limitada extraída a mano en 6 colores sobre papel de bellas artes adornado a mano por Mr Brainwash- Thierry Guetta Rare Street Art, famoso artista de arte pop. 2018 Edición limitada firmada y numerada de 50 obras de arte Tamaño 18x22 En reconocimiento al Día del Presidente, Brainwash se enorgullece de anunciar el lanzamiento de una nueva serigrafía en honor al primer presidente de Estados Unidos, George Washington. Brainwash diseñó una imagen que muestra cuatro poses diferentes. Una serigrafía de 6 colores sobre papel artístico de archivo rasgado a mano. También estarán disponibles copias individuales de las cuatro imágenes que componen la letra grande. Cada serigrafía está realizada en papel artístico de archivo rasgado a mano y está firmada y numerada, con una huella digital en el reverso. Tamaño de impresión individual: 22 x 18 pulgadas

Leer Saber más less

Revolución es una madre que se come a sus hijos Serigrafía en Tondo negro de Cleon Peterson en obra de arte de edición limitada en papel Coventry Rag Fine Art de 290 g/m² con corte circular y cubierta a mano. 2024 Cleon Peterson, firmado y numerado, edición limitada de 100 obras de arte, tamaño 24 x 24, serigrafía con corte circular. Tondo de Cleon Peterson: una exploración visceral de la revolución El Tondo negro de Cleon Peterson, "La revolución es una madre que se come a sus hijos", captura la esencia de la revolución: su furia transformadora y su reacción caníbal. Esta serigrafía de edición limitada de 2024 es una cruda encarnación de la violencia cíclica inherente a la agitación social. Con su característica estética de alto contraste, Peterson obliga a contemplar el tumulto que acompaña al cambio sistémico. Méritos artísticos del Black Tondo de Peterson. Limitada a una serie de 100, cada pieza está meticulosamente firmada y numerada, lo que acentúa la exclusividad de esta obra de arte que invita a la reflexión. El tondo, una obra de arte circular, mide 24 x 24 pulgadas, un formato que históricamente sugiere plenitud e infinito, pero que representa el bucle interminable de fervor revolucionario en las manos de Peterson. Los bordes adornados a mano del papel artístico Coventry Rag de 290 g/mXNUMX cortado en círculo mejoran la calidad táctil de la pieza, lo que aumenta su impacto visceral. La elección del círculo es deliberada, alterando el tradicional lienzo rectangular para crear una experiencia más inmersiva y contemplativa. Esta forma permite que la violencia interior se derrame en todas direcciones, reflejando la naturaleza absorbente del tema. La obra de Peterson no se limita a colgar en una pared; confronta y envuelve al espectador en su narrativa. Comentario cultural a través de la serigrafía de Peterson En "La revolución es una madre que se come a sus hijos Black Tondo", Peterson deja al descubierto las paradojas de la revuelta. Su uso del negro, asociado con lo desconocido y a menudo con la muerte, sirve como un vacío en el que las figuras emergen y se consumen. La obra de arte es una alegoría de la naturaleza cíclica de la historia, donde cada acto de levantamiento lleva consigo las semillas de su destrucción. Los crudos tonos blanco y negro despojan la escena de cualquier romanticismo, exponiendo la cruda lucha por el poder. Habla del corazón del arte pop callejero y del graffiti, que a menudo abordan verdades objetivas y reclaman espacios públicos como foros para el diálogo. El trabajo de Peterson va más allá, encapsulando la voz cruda y sin censura de la calle en un contexto de bellas artes. La "Revolución es una madre que se come a sus hijos Black Tondo" es un conmovedor recordatorio de la danza perpetua entre el orden y el caos. Es una pieza que resume la esencia del enfoque de Cleon Peterson hacia el arte pop callejero, haciendo visibles las realidades a menudo incómodas que sustentan las sociedades humanas. A través de su trabajo, Peterson desafía al espectador, obligándolo a un compromiso más profundo con las corrientes subyacentes del cambio cultural y político.

Leer Saber más less

What Goes Up Pintura acrílica en aerosol original de Meggs Obra de arte única en su tipo sobre lienzo con marco de madera recuperada personalizada del artista pop de arte callejero. 2014 Pintura acrílica y en aerosol firmada, lienzo original en obra de arte con marco de madera recuperada hecha a mano por el artista, tamaño 49x49. De Spoiled Rotten Show. Explorando la esencia dinámica de "What Goes Up" de Meggs "What Goes Up" es una pintura original en acrílico y pintura en aerosol del aclamado artista pop callejero Meggs que resume el dinamismo y la energía de su trabajo. Creada en 2014, esta obra de arte refleja el estilo característico de Meggs, que combina armoniosamente la crudeza del arte callejero con la viveza del arte pop. Esta obra de arte única en su tipo es una pieza de declaración y un lienzo narrativo que explora temas prevalentes en la obra de Meggs, como la lucha constante entre fuerzas opuestas y la naturaleza transitoria del éxito y el fracaso. La pintura mide 46x46 pulgadas y está alojada en un marco de madera recuperada hecho a mano por el artista. La madera recuperada añade una dimensión ecológica a la obra de arte, lo que refuerza el interés de Meggs por la sostenibilidad y la reutilización de materiales. Esta elección de encuadre también acentúa la sensación urbana y áspera de la pintura, en resonancia con la tradición del arte callejero de utilizar objetos y espacios encontrados. Técnicas artísticas e impacto visual en “Lo que sube” Meggs emplea pintura acrílica y en aerosol en "What Goes Up", mostrando su habilidad para utilizar medios tradicionales y no tradicionales. El acrílico proporciona profundidad y textura, mientras que la pintura en aerosol ofrece una sensación de inmediatez y espontaneidad intrínseca al arte del graffiti. La pintura es una cacofonía de colores que brota desde un punto central, sugiriendo una explosión de energía y creatividad. Los colores no están salpicados al azar sobre el lienzo; están meticulosamente superpuestas para crear un impacto visual que es a la vez caótico y controlado. La obra de arte presenta un motivo de calavera, un elemento recurrente en el arte de Meggs, que a menudo simboliza la naturaleza transitoria de la existencia humana y la naturaleza cíclica de la vida. Sin embargo, en "What Goes Up", la calavera se yuxtapone con colores vibrantes y exclamaciones de estilo cómico, que podrían interpretarse como un comentario sobre la superficialidad de la cultura popular y la naturaleza fugaz de la fama y el éxito. El cráneo parece desintegrarse o explotar en una variedad de colores y formas, una poderosa metáfora visual de la inevitable caída que sigue al ascenso a la cima. Comentario cultural y la esencia del arte pop callejero El título de la pintura, "Lo que sube", alude al dicho "lo que sube debe bajar", sugiriendo una narrativa de ascenso y descenso. Meggs a menudo infunde su arte pop callejero y sus graffitis con reflexiones filosóficas y observaciones críticas de la sociedad. La obra simboliza los patrones cíclicos de la vida y puede verse como un reflejo de la naturaleza transitoria del éxito o de la arrogancia que a menudo precede a una caída. El uso del texto por parte del artista en la pintura, representado en un estilo de cómic, agrega una capa de comunicación con el espectador, invitándolo a reflexionar sobre los significados más profundos detrás de la vibrante fachada. La pieza es un testimonio de la capacidad del artista para navegar en el espacio entre la galería y el arte callejero, haciéndolo accesible a una audiencia diversa. La inclusividad del arte callejero es evidente en el trabajo de Meggs, donde el espacio público se convierte en un lienzo para el diálogo y el arte se convierte en parte del paisaje urbano cotidiano. "What Goes Up" no es sólo un espectáculo visual sino también un comentario cultural que resume el espíritu del arte callejero y su papel en el discurso contemporáneo. "What Goes Up" es un excelente ejemplo del impacto de Meggs en el campo del arte callejero y su contribución al movimiento del arte pop más amplio. La pintura manifiesta la dedicación del artista a la artesanía, el concepto y el comentario. Mediante la integración de diversas técnicas artísticas y el uso estratégico de materiales recuperados, Meggs ha creado una obra de arte que es a la vez un festín visual y una potencia conceptual. La importancia del trabajo de Meggs radica en su capacidad para resonar con los espectadores en múltiples niveles. Esta obra puede apreciarse por sus cualidades estéticas y su capacidad para evocar emociones y provocar pensamiento. Como obra de arte pop callejero y graffiti, "What Goes Up" encarna el espíritu de este género, que continúa ampliando los límites del arte y su lugar en la sociedad.

Leer Saber más less

Marca Joker: verde, rosa, original, único en su tipo, técnica mixta, pintura acrílica y pintura en aerosol, obra de arte sobre madera acunada por el popular artista de graffiti callejero Ben Frost. 2022 'Joker Brand' - Pintura acrílica y en aerosol sobre tabla - Variante verde/rosa 60 cm x 60 cm (23.5 x 23.5 pulgadas) Firmado, titulado y fechado en el reverso

Leer Saber más less

Serigrafía de gran formato The Greed Depression de NoName x Shepard Fairey: OBEY, tirada a mano en papel de bellas artes de algodón de archivo Deckled, obra de arte pop callejero de edición limitada. 2023 Edición limitada firmada y numerada de 80 obras de arte Tamaño 23.75 x 31.5 Serigrafía "Mi amigo No Name y yo colaboramos recientemente en una impresión inspirada en mi portada de “Down and Out in Paris and London” de George Orwell y nuestra irritación mutua por la codicia y la brutalidad de muchos aspectos del capitalismo. No Name y yo estamos frustrados por las fuerzas que convencen a gran parte del público de alinearse con un sistema que los aprieta (y a la mayoría de nosotros) en sus engranajes y contribuye a sentimientos de inseguridad. Con eso en mente, no compre esta impresión si debe Usa el dinero para algo mejor o para nada en absoluto. Si lo piensas bien y aún quieres una impresión, tu dinero apoyará los esfuerzos de arte público de No Name y su supervivencia dentro de los engranajes del capitalismo... ¡Ah, y el mío también! Ambos apreciamos el apoyo. . No Name escribió sobre la impresión con mayor profundidad, ¡así que dejaré que él se encargue de partir de aquí!" -Shepard Fairey "Conocí las novelas de Georg Orwell a finales de los años 90 a través de mi profesor de inglés, un hombrecito sarcástico de aspecto insignificante, que como un mantra nos implantó el dicho "usa tu sentido común". Casi una década después, redescubrí los libros (y los pensamientos) de Orwell a través del atractivo diseño de la portada del espíritu afín del activista del arte callejero Shepard Fairey, a quien hoy me alegra poder llamar amigo durante muchos años. Shepard y yo estábamos discutiendo su ilustración. para "Down and Out" que, por alguna razón, aún no había hecho una edición impresa. Debido al hecho de que los libros distópicos de Orwell fueron/son una de las principales inspiraciones para nuestra filosofía y trabajo, Shepard se ofreció a formar parte del equipo. Levántate y usa la ilustración para una colaboración". -Sin nombre

Leer Saber más less

Lienzo sin título I Original de un tipo Obra de arte con pintura en aerosol y acrílico de técnica mixta sobre lienzo envuelto en galería del popular artista de graffiti callejero Crash- John Matos. 2022 Pintura en aerosol original firmada y pintura acrílica Tamaño 12x12 El lenguaje visual de Crash en "Untitled Canvas I" "Untitled Canvas I", una pieza original del renombrado artista de graffiti John Matos, alias Crash, es un ejemplo sorprendente de la capacidad del arte pop callejero y del graffiti para capturar el léxico visual de la vida urbana. Esta pintura acrílica y en aerosol de técnica mixta de 12x12 pulgadas sobre lienzo envuelto en galería, creada en 2022, es un testimonio de la influencia duradera de Crash en la escena del graffiti. Como original firmado, ejemplifica la combinación única de habilidad meticulosa y expresión espontánea que define su obra. La exploración de forma y color de Crash La obra de arte presenta una sinfonía de colores vibrantes y formas abstractas, cada elemento meticulosamente superpuesto para crear una composición armoniosa. El uso de pintura en aerosol por parte de Crash es evidente en los fondos suaves y atmosféricos y en las líneas angulares y nítidas, que le dan a la pieza su textura y profundidad características del graffiti. Los acrílicos añaden riqueza y solidez a las formas, destacando la versatilidad y variedad del artista. "Untitled Canvas I" es una danza vibrante de color y forma que habla de la energía dinámica de las calles de donde proviene Crash. Intersección del arte callejero y el arte pop en la obra de Crash "Untitled Canvas I" simboliza la capacidad de Crash para fusionar la crudeza del arte callejero con las imágenes audaces del arte pop. Esta pieza, con su convincente uso de motivos de la cultura pop y técnicas de arte callejero, refleja una profunda comprensión de ambos géneros. La fusión de estos estilos en el trabajo de Matos ha sido fundamental para elevar el arte del graffiti de las calles a la galería, cerrando la brecha entre ámbitos artísticos dispares. La contribución de John Matos al arte contemporáneo A través de obras como "Untitled Canvas I", John Matos ha consolidado su lugar como pionero del arte pop callejero y el graffiti. Sus contribuciones han ayudado a desmantelar las barreras entre el arte elevado y la cultura callejera, permitiendo un diálogo que ha enriquecido el discurso del arte contemporáneo. Como muchas de sus creaciones, esta pieza no es simplemente un artefacto sino una parte viva de la narrativa vibrante y en continua evolución del arte callejero. En esencia, "Untitled Canvas I" de Crash es más que una obra de arte; es una narrativa, una declaración y una celebración de la cultura que ha dado forma a John Matos como artista. Es un testimonio vibrante del poder del arte pop callejero y el graffiti para comunicar, desafiar y cautivar.

Leer Saber más less

Serigrafía Bananappétit de Mr Brainwash - Thierry Guetta, tirada a mano sobre papel de bellas artes con barbas. Obra de arte de serigrafía de edición limitada. Edición limitada numerada y firmada de 2024 de 96 obras de arte, tamaño 22 x 22, serigrafía de un mono con plátano inspirado en Warhol. Un guiño atrevido a la cultura pop La serigrafía Bananappétit de Mr Brainwash, también conocido como Thierry Guetta, ofrece un homenaje lúdico a uno de los motivos más emblemáticos del arte pop. La obra de arte, creada en 2024 como una edición firmada y numerada de 96, mide 22 x 22 pulgadas y presenta un mono travieso sosteniendo un plátano vibrante. Esta referencia al famoso plátano de Andy Warhol coloca la pieza firmemente dentro del linaje de creaciones de inspiración pop. Al mismo tiempo, la imagen rebosa del humor característico del artista, animando a los espectadores a interactuar con la historia del arte de una forma alegre y poco convencional. El mono se sienta posado en una caja adornada con lemas animados, lo que aumenta la sensación de que toda la escena está destinada a despertar curiosidad y deleite. Los admiradores de Mr Brainwash desde hace mucho tiempo reconocen su habilidad para lograr que símbolos instantáneamente reconocibles se sientan frescos e inmediatos. La energía lúdica que irradia esta impresión sugiere que el mono invita a los espectadores a cuestionar las suposiciones sobre el papel del arte en la cultura contemporánea. El fondo, pintado en un tono sutil de azul pálido, ofrece un entorno relajante para el amarillo brillante del plátano, haciéndose eco de la preferencia de Warhol por los contrastes de colores atrevidos. Este juego de colores ayuda a que el plátano resalte sobre la superficie, exigiendo atención como si fuera un grafiti bien ubicado en la pared de una ciudad bulliciosa. Influencias del street pop art y el graffiti Mr Brainwash encarna una fusión de influencias inspiradas en el pop y la calle, y Bananappétit ejemplifica esa sinergia. El pelaje blanco y negro del mono, representado en un estilo que recuerda a las plantillas de pintura en aerosol, conecta la composición con la energía cruda del arte pop callejero y el graffiti. Los espectadores podrán recordar cómo los creativos urbanos a menudo reutilizan símbolos existentes, subvirtiéndolos o añadiendo nuevas capas de significado. Aquí, el plátano sirve como un recurso cómico y como una pieza de nostalgia cultural, reforzada por un entorno similar a un museo que también invoca las altas tradiciones artísticas. Los carteles de colores brillantes en la caja hacen referencia a mensajes alentadores que se encuentran con frecuencia en el portafolio más amplio de Guetta, haciendo referencia a la positividad y al autoempoderamiento. La pieza fusiona ese espíritu con el lado rebelde de las prácticas callejeras, reflejando un mundo en el que las imágenes pop clásicas coexisten con el lenguaje en constante evolución de los murales y las plantillas. La combinación genera una declaración vibrante sobre cómo el arte puede unir influencias de diversos movimientos, adaptando elementos icónicos para conectar mejor con el público moderno. Artesanía y elementos visuales Aunque la impresión adopta una actitud de espontaneidad, cada capa está ejecutada meticulosamente. La técnica de serigrafía aporta una claridad audaz al tema, mientras que el papel de bellas artes con barbas agrega una sensación táctil de autenticidad. Este proceso requiere precisión, ya que cada capa de tinta se alinea perfectamente, lo que da como resultado detalles nítidos y tonos saturados. La paleta equilibra tonos primarios fuertes, ofreciendo una sensación de vitalidad que recuerda a los carteles callejeros. La mirada realista del mono capta la atención del espectador, mientras que las sombras sutiles y las líneas limpias crean dimensión dentro de la escena. El humor visual alcanza su punto máximo en la obra de arte enmarcada con un plátano que se exhibe detrás del mono, haciendo referencia a cómo los objetos de la cultura pop pueden ingresar a las galerías como arte elevado y celebrado. Un cuchillo multiusos rojo apoyado en el suelo insinúa la naturaleza "hazlo tú mismo" de los esfuerzos creativos, lo que implica que la transformación artística puede suceder en cualquier momento. Bananappétit se convierte así en algo más que un simple homenaje: sirve como una composición de múltiples capas que recompensa la visualización repetida con pequeños detalles impactantes. Una obra maestra coleccionable Los coleccionistas y entusiastas del street pop art y del graffiti se sienten atraídos por Bananappétit por su fusión de motivos icónicos, comentarios humorísticos y habilidad técnica pulida. La decisión de limitar la edición a 96 ejemplares garantiza que cada impresión transmita una sensación de exclusividad, acentuada aún más por la firma y la numeración del artista. Al colocar un símbolo atemporal del arte pop en una nueva narrativa, Mr Brainwash encapsula la naturaleza lúdica e impredecible de la creatividad contemporánea. Los propietarios de esta pieza descubren que su mensaje se extiende más allá de la superficie y provoca una reflexión sobre cómo se pueden reinventar las imágenes populares para seguir el ritmo de los cambios culturales. Bananappétit es un testimonio del poder de las bellas artes de inspiración urbana, combinando imágenes reconocibles con giros inesperados que desafían las nociones convencionales de lo que pertenece a un entorno de galería.

Leer Saber más less

Impresión Giclée a ras de Ron English - POPaganda Artwork. Impresión de edición limitada en papel Fine Art. Artista callejero de grafiti pop. Edición limitada firmada y numerada de 2022 de 30 obras. Tamaño 37x25. La impresión Giclée "Uncle Scam Ad Flag" es una obra de Ron English - POPaganda, artista estadounidense contemporáneo conocido por su arte callejero, pinturas y esculturas que invitan a la reflexión, a menudo satíricas y subversivas. English es famoso por crear arte que resalta el absurdo de la sociedad moderna, combinando a menudo elementos de la cultura pop, la publicidad y la política. En esta pieza, el artista critica el consumismo y la industria publicitaria combinando elementos de la bandera estadounidense con una caricatura del Tío Sam, quien se transforma en "Uncle Scam". El término "Uncle Scam" se refiere a la idea de que la industria publicitaria a menudo manipula a los consumidores y promueve el materialismo excesivo, lo cual puede ser perjudicial para la sociedad en su conjunto. Una impresión giclée es un método de impresión digital de alta calidad capaz de producir reproducciones vívidas y detalladas de obras de arte. Este proceso utiliza impresoras de inyección de tinta especializadas y tintas de calidad de archivo, que se aplican a diversos sustratos, como lienzo o papel artístico, para crear una impresión duradera y visualmente atractiva. El resultado es una reproducción que conserva los colores y detalles de la obra original, lo que la convierte en una opción popular tanto para artistas como para coleccionistas.

Leer Saber más less

Día de los Presidentes: serigrafía de edición limitada hecha a mano en 6 colores de Hero en papel artístico decorado a mano por Mr Brainwash- Thierry Guetta Rare Street Art, famoso artista de arte pop. 2018 Edición limitada firmada y numerada de 50 obras de arte Tamaño 18x22 En reconocimiento al Día del Presidente, Brainwash se enorgullece de anunciar el lanzamiento de una nueva serigrafía en honor al primer presidente de Estados Unidos, George Washington. Brainwash diseñó una imagen que muestra cuatro poses diferentes. Una serigrafía de 6 colores sobre papel artístico de archivo rasgado a mano. También estarán disponibles copias individuales de las cuatro imágenes que componen la letra grande. Cada serigrafía está realizada en papel artístico de archivo rasgado a mano y está firmada y numerada, con una huella digital en el reverso. Tamaño de impresión individual: 22 x 18 pulgadas

Leer Saber más less

Bias by Numbers: serigrafía de edición limitada de gran formato, 30 x 42, 4 colores, extraída a mano, sobre papel artístico Fine Speckletone de Shepard Fairey Rare Street Art OBEY Pop Artwork Artist. Firmado y numerado, Bias by Numbers 30 pulgadas por 42 pulgadas Edición del 89 3 de junio de 2019 “Bias by Numbers” aborda los prejuicios raciales en la actuación policial, la justicia penal y la cultura mediática. El sesgo racial en la actuación policial y la justicia penal tiene una larga historia, que incluye estadísticas como: los negros tienen cinco veces más probabilidades de ser detenidos y registrados que los blancos, y cuatro veces más probabilidades de ser sometidos a un uso innecesario de la fuerza, o cuatro veces más. Es probable que la policía lo mate cuando esté desarmado. Las estadísticas que revelan prejuicios raciales en el procesamiento y las sentencias también son convincentes. Aunque el uso de drogas recreativas es igualmente común tanto en comunidades predominantemente negras como en comunidades predominantemente blancas, las condenas por posesión de drogas son casi seis veces más altas para los negros. Los negros frecuentemente reciben sentencias de prisión más largas que los blancos, lo que contribuye a que los afroamericanos sean encarcelados a una tasa cinco veces mayor que la de los blancos.

Leer Saber más less

Two Americas: edición limitada de gran formato, serigrafía de 4 colores extraída a mano en papel de archivo barnizado 100% algodón con bordes adornados a mano por Shepard Fairey Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Serigrafía a 4 colores sobre papel de archivo barnizado 100% algodón. 30 x 40 pulgadas. Firmado por Shepard Fairey. Edición numerada de 100. La fotografía de Jim Marshall de una familia minera de carbón en Hazard, Kentucky, tomada mientras vivía con ellos, dice mucho con lo que muestra, que es una madre y dos hijos acurrucados apoyándose mutuamente, pero dice lo mismo con lo que le falta. Hay una notoria ausencia de necesidades materiales y de un padre. No sé si el padre estaba trabajando en una mina de carbón cuando se tomó la fotografía o si posiblemente había muerto joven debido a los riesgos para la salud que implica trabajar en condiciones peligrosas, pero está claro que la familia está luchando y careciendo.

Leer Saber más less

Serigrafía en la cara B de Caught Fire Blue Yellow de Faile HPM Tirada a mano en 4 colores con plantilla en Coventry Rag de 310 g/m². 2022 Edición limitada firmada y numerada de 22 obras de arte HPM Tamaño 31 x 39 Incendiado: amarillo/rosa 31 x 39 pulgadas / Edición de 22 tintas acrílicas y serigráficas sobre papel de archivo Firmado, estampado y en relieve FAILE 20222022 Lanzamiento navideño. Una nueva imagen y edición que estaba esperando encontrar su camino en el mundo. Se trata de impresiones pesadas de varias capas del estudio. Cada uno es un poco diferente dadas las cualidades impresas a mano y también una divertida impresión del lado B.

Leer Saber más less

Pinocho y Pepito Grillo Disney Companion Ultra Rare Auténtico 2010 Edición limitada Vinilo pintado Arte Figura de juguete Escultura Obra de arte coleccionable del artista Kaws- Brian Donnelly x OriginalFake. Edición limitada de 2010 de 500 vinilos pintados de Chhum Companion, tamaño 10.25 x 5 x 4.5 pulgadas, impreso a pie. Parece nuevo/como nuevo en la caja abierta, ejemplo extremadamente fino, caja como nueva. Sello perfecto. Imágenes de ejemplo real. Autenticado con sellos y número de serie de seguimiento único incluido. Observe los detalles finos, esos no existen en las falsificaciones. También tiene un sello de holograma oficial pegado a la caja, que las falsificaciones nunca tienen. Embalaje interior de plástico coloreado acorde con la edad. Compañero original verificado de Pinocho y Pepito Cricket. La fusión del arte pop callejero y el graffiti en Pinocho y Pepito Grillo Disney Companion El Pinocho y Pepe Grillo Disney Companion es un ejemplo sorprendente de cómo el arte pop callejero y el graffiti se han fusionado con la cultura dominante. Creada en 2010, esta escultura artística de juguete de edición limitada es una colaboración entre KAWS, el seudónimo del artista estadounidense Brian Donnelly, y OriginalFake. KAWS es conocido por su influencia en la escena del arte callejero, donde comenzó como artista de graffiti antes de hacer la transición a su estilo de arte único que a menudo reimagina personajes populares de la cultura popular. Esta pieza en particular presenta a los queridos personajes de Disney, Pinocho y Pepito Grillo, reinterpretados a través de la lente distintiva de KAWS. La escultura está hecha de vinilo pintado, un medio moderno y robusto, que refleja las raíces del arte callejero del artista. Esta escultura, que mide 10.25 x 5 x 4.5 pulgadas, es una pieza sustancial que capta la atención con su diseño atrevido y detalles intrincados. Rareza y coleccionabilidad de la escultura Sólo 500 de estas esculturas se hicieron en edición limitada, lo que las convierte en una pieza de colección muy buscada. Cada figura está marcada con un número de serie de seguimiento único, lo que garantiza su autenticidad y rareza. El hecho de que parezca nuevo o como nuevo, incluso en una caja abierta, habla de la calidad y durabilidad de la pieza. Además, la caja está como nueva, completa con un sello perfecto y un sello holograma oficial, que la distingue de las versiones falsificadas. El embalaje interior de plástico, coloreado acorde con la edad, contribuye a la autenticidad y preservación de la escultura. Estas características, incluido el número de serie único y el sello holograma, son fundamentales en los objetos de colección, donde la autenticidad es primordial. Importancia artística y detalles La atención al detalle en esta escultura es digna de mención. Muestra el estilo característico de KAWS, que se caracteriza por una inteligente combinación de arte y diseño. Las figuras de Pinocho y Pepito Grillo están representadas con familiaridad y un toque novedoso, encarnando la esencia del arte pop callejero y el graffiti. Esta combinación de iconografía clásica de Disney con el estilo vanguardista y provocativo de KAWS crea una pieza única que atrae a los coleccionistas de arte y fanáticos de la cultura pop. Los finos detalles de la escultura son lo que la distingue de las imitaciones. Estos matices no sólo reflejan la habilidad artística de KAWS sino que también añaden profundidad y contexto a la pieza, convirtiéndola en un ejemplo notable de arte moderno. La combinación de colores, los detalles de textura y la presentación general de las figuras están meticulosamente elaborados, resaltando el compromiso del artista con la calidad y la expresión artística. En resumen, Pinocho y Pepito Cricket Disney Companion de KAWS x OriginalFake es una pieza extraordinaria que encarna la esencia del arte pop callejero y el graffiti. Su rareza, atención al detalle y fusión única de la cultura dominante con el arte underground lo convierten en un objeto de colección valioso y significativo.

Leer Saber más less

Mur Original, único en su tipo, pintura en aerosol y pintura acrílica, obra de arte sobre lienzo estirado por un artista popular de arte callejero y cultura pop Copyright. 2000 Pintura original enmarcada firmada Tamaño 32x40 Dimensiones enmarcadas 41.5 x 33.5 pulgadas

Leer Saber más less

Karimoku Pintura de palisandro Bearbrick 1000% BE@RBRICK Juguete artístico de madera extremadamente raro hecho a mano Fabricante de muebles japonés Escultura de Bearbrick de bellas artes. 2021 Obra de arte de edición limitada de madera estampada extremadamente rara exhibida en caja Perfectas condiciones. Caja de madera y Bearbrick personalizados nuevos, sin abrir, de famosos artistas japoneses en Karimoku Maestro de la madera en Japón, Karimoku es una referencia en muebles de diseño y ahora en figuras de lujo después de una colaboración con Medicom. La artesanía de Karimoku El Karimoku Rosewood Paint Bearbrick, 1000% BE@RBRICK, es un modelo de arte pop callejero contemporáneo y obras de arte de graffiti, que fusiona la artesanía tradicional con la cultura moderna del juguete. Esta obra maestra proviene de 2021 y es parte de una escasa colección elaborada por las manos expertas de Karimoku. Es un nombre venerado en los muebles japoneses por su excepcional diseño y calidad. La transición de Karimoku de la fabricación de muebles a la creación de delicadas figuras artísticas a través de una colaboración con Medicom Toy Corporation ha estado marcada por el lanzamiento de este juguete artístico de madera hecho a mano de edición limitada. La reputación de Karimoku como maestro de la madera en Japón está establecida desde hace mucho tiempo, con décadas de experiencia en la producción de muebles de alta calidad. La incursión de la empresa en los juguetes artísticos con Rosewood Paint Bearbrick 1000% BE@RBRICK es un testimonio de su versatilidad y compromiso con la excelencia. Cada pieza está estampada con un identificador único, que indica la autenticidad y la naturaleza excepcional de la obra de arte. Esta edición limitada BE@RBRICK, al igual que sus predecesoras, es una pieza de colección muy solicitada, no sólo por los entusiastas de los juguetes sino también por los conocedores de las bellas artes. Figuras de lujo como artefactos modernos BE@RBRICK de Karimoku es más que un juguete; Es una figura de lujo en la encrucijada del arte elevado y la cultura callejera. La perfecta combinación del dominio de la madera de Karimoku con el icónico diseño BE@RBRICK de Medicom ha dado como resultado una escultura que es a la vez un guiño lúdico a la cultura del coleccionista y una pieza seria de arte pop callejero y graffiti. El Bearbrick, conocido por su forma simplista en forma de oso, se eleva a través del sofisticado acabado de palisandro de Karimoku, dándole un aire de elegancia y exclusividad. La rica veta de la madera y la superficie pulida de la escultura reflejan la meticulosa atención al detalle y el alto nivel de habilidad involucrado en su creación. Coleccionabilidad y significado cultural La exclusividad del Karimoku Rosewood Paint Bearbrick queda subrayada por su presentación. Se exhibe en una caja de madera personalizada, lo que indica el cuidado y prestigio con el que se tratan estas obras de arte. Esta caja sin abrir, junto con el perfecto estado del Bearbrick, garantiza su condición de objeto de colección impecable. La obra de arte es una conversación entre la artesanía tradicional japonesa y la cultura pop contemporánea, uniendo el pasado y el presente, el arte y el comercio. Los coleccionistas y entusiastas del arte se sienten atraídos por el BE@RBRICK por su relevancia cultural y valor artístico y como símbolo del lujo moderno. Fusión artística entre el arte pop callejero y el graffiti El BE@RBRICK de Karimoku es un artículo de colección y una obra de arte importante dentro de la escena del arte pop callejero y el graffiti. Representa la fusión de varios mundos artísticos: la meticulosa artesanía de la carpintería japonesa, la estética audaz y accesible del arte callejero y los elementos caprichosos del arte pop. Este Bearbrick se destaca como un ícono cultural que resume la esencia del arte moderno donde se cruzan la funcionalidad, el arte y la alegría. Su existencia como juguete funcional convertido en objeto de arte desafía las nociones tradicionales del arte, invitándonos a considerar el valor y el significado de los objetos en nuestro mundo contemporáneo. Rosewood Paint Bearbrick de Karimoku, 1000% BE@RBRICK, es una importante incorporación al arte pop callejero y al graffiti. Representa la combinación armoniosa de artesanía de alta gama con el espíritu crudo y enérgico del arte callejero, lo que lo convierte en un artículo preciado para los coleccionistas de arte y entusiastas de la cultura pop contemporánea. La rareza de esta pieza, con su impecable estado y presentación, la convierte en un artefacto distintivo y deseable que trasciende los límites habituales del arte y los objetos de colección.

Leer Saber más less

Impresión serigráfica Selfie Gun Blue de Joan Cornellà realizada a mano sobre papel Fine Art. Obra de serigrafía de edición limitada. Selfie Gun Blue Serigrafía Impresión 2024 Firmada y Numerada Edición Limitada de 250 Obras de Arte Tamaño 16.14x22.44 Selfie Gun Blue Serigrafía Impresión 2024 Firmada y Numerada Edición Limitada de XNUMX Obras de Arte Tamaño XNUMXxXNUMX Selfie Gun Blue es una serigrafía de XNUMX del artista español Joan Cornellà, conocido por sus comentarios satíricos e inquebrantables sobre la vida moderna. Esta pieza de edición limitada, hecha a mano sobre papel de bellas artes, está firmada y numerada de una edición de 250 ejemplares. La obra de arte, que mide 16.14 por 22.44 pulgadas, presenta un impacto visual audaz con líneas limpias, bloques planos de color y una composición que captura el icónico humor absurdista de Cornellà. La imagen muestra una figura sonriente que sostiene un palo de selfie que no tiene en su parte superior un teléfono, sino una pistola apuntando directamente a su propia cabeza. El fondo azul cian brillante sirve como un contraste discordante con los sombríos matices temáticos de la imagen, haciendo eco de las claves estéticas del diseño comercial al tiempo que ofrece una crítica aguda. Joan Cornellà y el extremismo satírico en el street pop art y el graffiti Joan Cornellà, nacido en 1981 en Barcelona, ​​España, ha emergido como una figura crucial en la evolución del street pop art y el graffiti. Su lenguaje visual es instantáneamente reconocible: personajes sonrientes, líneas caricaturescas pulidas y colores saturados sirven como vehículos para reflexiones mordaces y a menudo oscuramente humorísticas sobre la sociedad. Selfie Gun Blue es un ejemplo arquetípico del enfoque de Cornellà: presentar una escena alegre que revela algo profundamente inquietante al observarla más de cerca. Esta tensión entre estilo y sustancia es un sello distintivo de su obra. En esta serigrafía, la fusión de un objeto cotidiano con un instrumento de violencia crea una metáfora discordante sobre la tecnología, la autoobsesión y la cultura superficial de la validación digital. La fuerza de la obra de arte reside en su economía visual. No hay desorden, ni narrativa de fondo, ni explicación textual. Cada elemento del marco está calculado y preciso. Cornellà utiliza la sencillez como forma de sátira, despojando a sus personajes de individualidad y aumentando al mismo tiempo su impacto simbólico. El traje del hombre, su sonrisa y sus ojos vacíos están representados en llamativos tonos primarios, reduciéndolo a un arquetipo. El arma, representada en tonos grises y rosados ​​​​apagados, presenta un marcado contraste pero se integra perfectamente en la composición. Esta serigrafía hecha a mano muestra el dominio de Cornellà sobre la superposición de colores planos, un método clásico en la impresión de bellas artes ahora reutilizado para el comentario moderno. La ironía moderna encapsulada en absurdo visual Selfie Gun Blue no es simplemente un chiste visual; es una cruda reflexión sobre el desapego social. Cornellà utiliza una estética alegre para criticar problemas del mundo real: el narcisismo, la desensibilización y la mercantilización de la identidad en los espacios digitales. A través del Street Pop Art y el graffiti, confronta al espectador con verdades incómodas ocultas bajo superficies pulidas. Su obra ha resonado globalmente, en galerías, libros e instalaciones públicas, porque fuerza una confrontación con los absurdos del comportamiento moderno utilizando las mismas señales visuales que se han vuelto familiares y confiables.

Leer Saber más less

Ojos llorosos sin título, pintura en aerosol de hormigón original de Snik, obra de arte única del artista pop de arte callejero. Ojos llorosos sin título de Snik: emoción silenciosa y precisión superficial en el arte pop callejero y las obras de arte de graffitis Ojos llorosos sin título de Snik: emoción silenciosa y precisión superficial en el arte pop callejero y las obras de arte de graffitis es una pintura en aerosol original de 2018 del dúo de esténciles Snik con sede en el Reino Unido, enmarcada y ejecutada directamente sobre una losa de hormigón de 15.25 x 15.25 pulgadas. Firmada por los artistas, la obra captura un primer plano del rostro de una mujer, realizado en blanco y negro con precisión de plantilla cortada en diagonal que destila tanto profundidad como vulnerabilidad a través de capas de contraste minimalista. La composición aísla los ojos, la frente y la nariz, con especial énfasis en la presencia emocional dentro de la mirada. Las lágrimas no son literales sino implícitas a través de la textura, la sombra y la línea. La crudeza del hormigón actúa como fondo y como elemento activo, amplificando la potencia silenciosa de la pieza. Dentro del espacio del Street Pop Art y el Graffiti, esta pintura ejemplifica cómo las materias primas, la técnica precisa y la ejecución controlada pueden transformar la superficie en alma. La meticulosa técnica de corte a mano con plantillas de Snik se exhibe plenamente en esta pieza. Cada contorno de los ojos, cada arco de la ceja y cada transición suave de tono se crea mediante un trabajo de pulverización en capas aplicado con sumo cuidado. El uso de líneas cortadas en diagonal añade una calidad cinematográfica, como un fotograma de una película en pausa o un recuerdo que se desvanece en la textura. Lo que a primera vista podría parecer una abstracción técnica es, en realidad, una expresión profundamente humana transmitida a través de un código visual no verbal. Los ojos, enmarcados por sombras y destellos de luz, cuentan una historia de contención y liberación. Hay tensión contenida debajo de la superficie. Siguiendo la tradición del Street Pop Art y el Graffiti, este método de contar verdades emocionales a través de la técnica de plantillas y la textura de la superficie se ha convertido en la firma inconfundible de Snik. El hormigón como conducto emocional En lugar de elegir lienzo o panel, Snik trabaja aquí directamente sobre el hormigón, reforzando un compromiso con los orígenes callejeros de su medio. El hormigón lleva consigo el recuerdo de las paredes, las aceras y las ciudades: una biografía tácita de superficies tocadas por el tiempo, el clima y el desgaste. Esta elección material es al mismo tiempo conceptual y estética. La veta visual y las imperfecciones del hormigón interactúan con las capas pulverizadas, produciendo momentos de erosión y fractura que imitan la corriente emocional subyacente de la pieza. El rostro está parcialmente oscurecido por la propia naturaleza de su base, lo que le da la sensación de ser un recuerdo grabado en la infraestructura. Dentro del Street Pop Art y el Graffiti Artwork, esta decisión vincula lo personal a lo público, dando forma a la emoción en un entorno que evoca el peso de la vida urbana. Snik y la precisión de la quietud emocional Sin título Crying Eyes destila el núcleo artístico de Snik en una sola imagen: claridad poética entregada a través de un trabajo metódico. No es ésta una obra de espectáculo sino de mirada sostenida. Ralentiza al espectador. No pide atención: la retiene. La silenciosa tristeza de la pieza se ve realzada por su artesanía, y la crudeza del hormigón le otorga verdad. A través del equilibrio, la textura y el silencio visual, Snik continúa redefiniendo cómo se maneja la emoción en el arte pop callejero y el graffiti. Su enfoque combina el aspecto mecánico del trabajo con plantillas con el flujo pictórico de la luz y el sentimiento. Esta pieza no cuenta una historia, le ofrece un rostro.

Leer Saber más less

M=bw² Collage 36x48 Serigrafía de gran formato del Sr. Brainwash: Thierry Guetta, obra de arte serigrafiada de edición limitada de 13 colores tirados a mano en papel de bellas artes Deckled. 2024 Edición limitada firmada y numerada de 18 obras de arte Tamaño 48x36 Serigrafía de Albert Enstine sosteniendo el letrero Love is the Answer junto a una pared etiquetada con graffiti muy detallada. Confluencia de genio y arte callejero: la obra maestra de Thierry Guetta En la vibrante esfera del arte pop callejero, pocas piezas resuenan con la profundidad intelectual y el impacto visual de "M=bw²", una imponente serigrafía de gran formato del eminente artista callejero Thierry Guetta. conocido profesionalmente como Sr. Lavar el cerebro. La edición limitada firmada y numerada de 2024 destaca por sus llamativas dimensiones de 48x36 pulgadas. Este grabado captura el rostro icónico de Albert Einstein de pie contra una pared meticulosamente detallada, bañada en graffiti, con un cartel que dice "El amor es la respuesta". Esta obra de arte no es simplemente un tributo al físico teórico, sino una declaración audaz en la conversación entre la ciencia y el arte pop callejero, fusionando los reinos de la física teórica con el mundo visceral y colorido del arte del graffiti. Interpretación artística del legado de Einstein Albert Einstein, una figura sinónimo de genio, se convierte en el punto focal de Mr. La narrativa visual de Brainwash, donde los fundamentos teóricos del universo se encuentran con la libertad expresiva del arte callejero. La pieza de Guetta destila la complejidad de las contribuciones de Einstein a la ciencia y su importancia cultural en una única imagen que invita a la reflexión y es estéticamente impactante. Con cada una de las 18 piezas limitadas, "M=bw²" presenta una paleta de colores única, hábilmente dibujada a mano sobre papel artístico adornado, lo que le da a la obra de arte un borde orgánico y una presencia táctil que hace eco de la calidad textural del graffiti en una pared de ladrillos. . La interacción de la pose contemplativa de Einstein con el caos vibrante del graffiti de fondo invita al espectador a reflexionar sobre la relación entre orden y entropía, teoría y práctica, moderación y expresión. Esta serigrafía encarna un diálogo interdisciplinario que fomenta interpretaciones que cruzan las fronteras del arte, la ciencia y la filosofía. La oda visual de Guetta al arte pop callejero y al graffiti Mr. La elección de Brainwash de representar a Einstein en el contexto del graffiti es reveladora del aprecio del artista por la sabiduría inherente y el potencial revolucionario tanto de la ciencia como del arte callejero. El collage "M=bw²" se convierte en un gesto simbólico, alineando el poder transformador del amor, como se alude en el signo de Einstein, con el poder transformador del arte callejero. Al superponer un mensaje tan profundo en una pared que lleva las marcas de numerosos artistas callejeros anónimos, Guetta rinde homenaje al espíritu comunitario y a menudo revolucionario del graffiti. La obra de arte se convierte así en un punto de anclaje en la narrativa más amplia del arte pop callejero y el graffiti, afirmando el valor del amor como una respuesta fundamental y universal, muy similar a las respuestas que Einstein buscaba en sus ecuaciones. En cada capa de pintura y en cada línea serigrafiada deliberada, "M=bw²" refleja la naturaleza multifacética del conocimiento y la creatividad humanos. El trabajo de Guetta es un testimonio de la influencia continua de figuras históricas icónicas y el poder del arte para reinterpretar y reutilizar sus legados de maneras que resuenan con la cultura y el discurso social contemporáneos. Como medio, el arte callejero ha sido a menudo un lenguaje visual para los marginados y los sin voz, y en "M=bw²", articula un mensaje que combina lo intelectual y lo emocional, lo histórico y lo inmediato. A través de "M=bw²", Thierry Guetta continúa dando forma al pulso del arte callejero, asegurando su papel no sólo como modo de expresión artística sino como medio para profundos comentarios sociales e intelectuales. La obra sirve como recordatorio de que la esencia de figuras significativas como Einstein puede encontrar nueva vida y nueva relevancia en manos de artistas visionarios y que las cuestiones de nuestra existencia siguen siendo tan pertinentes en los callejones adornados con graffitis como en los anales de ciencia.

Leer Saber más less

Serigrafía en latón La Cage Et 'Acte De Foi de Sandra Chevrier The Cage and Leap of Faith, obra de arte de edición limitada de 24 colores extraída a mano sobre metal de latón corroído de 3 mm. 2021 Edición limitada firmada y numerada de 10 obras de arte de tamaño 27.56 x 38.58 Serigrafía. En francés, La Cage Et 'Acte De Foi significa "La jaula y el salto de fe" La Cage Et 'Acte De Foi: un estudio en metal de Sandra Chevrier "La Cage Et 'Acte De Foi" de Sandra Chevrier es una pieza fascinante que resume la vitalidad del arte pop callejero y el graffiti y al mismo tiempo encarna el espíritu del compromiso directo del arte pop con la cultura contemporánea. Esta obra de arte de edición limitada, lanzada en 2021, es un testimonio del estilo distintivo de Chevrier, que a menudo presenta imágenes en capas que combinan la expresividad cruda del arte callejero con la precisión de las prácticas artísticas aceptables. La narrativa artística de la serigrafía de Sandra Chevrier La pieza, cuyo título se traduce como "La jaula y el salto de fe", es una serigrafía de 24 colores realizada a mano sobre metal de latón corroído de 3 mm. La obra de arte, que mide 27.56 x 38.58 pulgadas, es un espectáculo visual y una exploración conceptual. El trabajo de Chevrier es conocido por utilizar extractos de cómics yuxtapuestos con representaciones realistas de la forma humana, en particular rostros femeninos. El efecto es un collage de emociones y referencias culturales que hablan de las batallas internas y externas de identidad y percepción. Examinando las técnicas y el simbolismo en la obra de Chevrier La técnica de Chevrier en esta pieza es digna de mención, ya que emplea muchos colores para aportar profundidad y textura a la superficie del metal, un material que en sí mismo connota fuerza y ​​​​el paso del tiempo, utilizando el latón como El lienzo añade un elemento de determinación industrial al trabajo. Al mismo tiempo, el proceso de corrosión que aplica garantiza que cada pieza de la edición limitada de diez sea única y refleje la individualidad de la experiencia humana. Las imágenes que elige Chevrier son igualmente significativas. Los rostros parciales de las mujeres se representan con una sensación de belleza y melancolía, mientras las escenas de cómic superpuestas sugieren narrativas de lucha, poder y resiliencia. Las "jaulas" en las obras de Chevrier son metáforas de las expectativas y limitaciones sociales impuestas a los individuos, particularmente a las mujeres, y el "acto de fe" representa el coraje necesario para trascender estos límites. Impacto de 'La Cage Et 'Acte De Foi' en el discurso del arte contemporáneo El lanzamiento de "La Cage Et 'Acte De Foi" fue recibido con entusiasmo en la comunidad artística mientras coleccionistas y críticos buscaban descifrar los significados estratificados dentro del trabajo de Chevrier. La serie de edición limitada se convirtió rápidamente en un artículo buscado por su atractivo visual y su narrativa contemplativa. El trabajo de Chevrier une la naturaleza efímera del arte callejero y la permanencia asociada con el trabajo en metal, creando un diálogo entre lo transitorio y lo eterno. Resonancia cultural de la obra de arte de edición limitada de Sandra Chevrier La resonancia cultural de "La Cage Et 'Acte De Foi" de Chevrier se amplifica por el compromiso de la obra de arte con temas de feminismo, identidad y liberación. A medida que el arte pop callejero y el graffiti siguen encontrando su lugar en el panteón de las formas de arte reconocidas, piezas como la de Chevrier subrayan la relevancia de estos medios para abordar cuestiones sociales conmovedoras. Su obra embellece el espacio que ocupa e impulsa la introspección y el debate, características distintivas del arte influyente. En resumen, "La Cage Et 'Acte De Foi" de Sandra Chevrier expresa sensibilidades del arte pop callejero fusionadas con medios artísticos tradicionales. El uso de metal de latón corroído como sustrato para el complejo proceso de serigrafía ejemplifica el espíritu innovador del arte contemporáneo, y la naturaleza de edición limitada de la serie subraya el valor de cada pieza.

Leer Saber más less

Escultura de metal cromado Baby Milo de Bape: un simio de baño Edición limitada Obra de arte pop Artista callejero Bellas artes. 2023 Escultura firmada Edición limitada Obra de arte Tamaño TBD Metal Cromo Simio Animal Bebé estilizado Anime Bape Escultura exhibida con caja personalizada. Bape juega una aplicación de baño 30º aniversario. Conmemorando un ícono de la moda urbana: la escultura de metal cromado Baby Milo de Bape La escultura de metal cromado Baby Milo es un testimonio sorprendente del legado perdurable de Bape, también conocido como Un mono bañista, en el arte pop callejero y la cultura contemporánea. Como parte de las celebraciones del 0 aniversario de la marca, esta escultura de edición limitada encarna la fusión de la moda urbana y el arte elevado, traduciendo el icónico personaje de Baby Milo en una obra de arte coleccionable. El uso de metal cromado eleva la figura a un objeto lujoso y refleja la influencia de la marca en la estética del arte callejero y la cultura pop. La importancia de Baby Milo en el arte pop y la cultura callejera Baby Milo ha sido durante mucho tiempo sinónimo de Bape, un personaje que trasciende su papel inicial como mascota del streetwear para convertirse en un emblema de la expresión creativa de la marca. Con su acabado cromado reflectante, esta escultura en particular es una interpretación audaz del motivo Baby Milo. Se erige como un símbolo del viaje de la marca desde las calles de Tokio hasta el reconocimiento internacional, marcado por la aceptación de la sensibilidad del arte pop y la influencia de la energía cruda del arte del graffiti. La caja personalizada que acompaña a la escultura indica la atención de Bape al detalle y el compromiso de ofrecer una experiencia de marca inmersiva. Es un recipiente protector que también forma parte de la obra de arte, completo con elementos de marca y diseño que los fanáticos de Bape reconocerán al instante. Este empaque solidifica aún más el estatus de la escultura como objeto de colección y resalta la intersección de utilidad y arte que a menudo habitan el arte pop callejero y el graffiti. La escultura Baby Milo de metal cromado de Bape es un brillante homenaje a las raíces del arte callejero de la marca y su evolución hasta convertirse en un pilar de la cultura pop. Es un tributo apropiado a los 30 años de diseño innovador e impacto cultural de A Swimming Ape, que ofrece a coleccionistas y entusiastas una pieza tangible del legado que Bape ha creado dentro del mundo del arte pop callejero.

Leer Saber más less

Agujeros de bala Original único en su tipo pintura en aerosol de técnica mixta pintura acrílica obra de arte sobre lienzo estirado por el popular artista de graffiti callejero RD-357. Bullet Holes de RD-357 Painting: esta pintura de graffiti con pintura en aerosol de técnica mixta de lienzo estirado original del artista presenta la etiqueta RD con agujeros de bala y concreto en el fondo. Impresionante y raro lienzo original del prolífico artista callejero Real Deal RD357.

Leer Saber más less

Portada del cómic The Joker #3 Edición limitada Pintura de acuarela de 1 color adornada Serigrafía HPM en papel de bellas artes por Mr Brainwash- Thierry Guetta. Edición limitada firmada y numerada de 2019 de 25 obras de arte Tamaño 34x46 Mr. Brainwash se complace en anunciar una nueva incorporación a la serie en curso de portadas de cómics, esta vez con uno de los supervillanos más notorios, la portada del cómic de Batman con el Joker. Una serigrafía de un color sobre papel artístico de archivo rasgado a mano y acabado a mano con acuarela. Cada impresión de la edición será única y los colores variarán de una impresión a otra. Tamaño de impresión: 34 x 46 pulgadas Edición de 25

Leer Saber más less

Conozca sus derechos: edición limitada de gran formato, impresión serigráfica de 1 color tirada a mano en papel de archivo barnizado 100% algodón con bordes adornados a mano por Shepard Fairey Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2014 Obra de arte serigrafiada firmada y numerada 42 x 42 pulgadas 21 de agosto de 201. Serigrafía de gran formato 42 x 42 Color impreso en papel de archivo barnizado 1% algodón. "Know Your Rights" es una imponente serigrafía de Shepard Fairey, un artista que ha consolidado su lugar en la escena del arte contemporáneo a través de obras que entrelazan el espíritu del arte callejero con la estética del arte pop moderno. Esta pieza, publicada el 100 de agosto de 21, es particularmente notable no solo por su audaz mensaje político sino también por la meticulosa artesanía que se utiliza en la producción de cada impresión. Como obra de formato extenso, que mide unas impresionantes 2014 x 42 pulgadas, deja una marca indeleble en el espectador, tanto a través de su escala como de su presentación sorprendentemente austera en un solo color sobre papel de archivo barnizado 42% algodón, completo con bordes decorados a mano. . Shepard Fairey es famoso por combinar las bellas artes con la calidad cruda y directa del arte callejero y el graffiti, y "Know Your Rights" es un excelente ejemplo de esta síntesis. La pieza está anclada en una imagen central que presenta un libro abierto titulado "EL FUTURO NO ESTÁ ESCRITO", que encapsula un mensaje de empoderamiento y potencial de cambio. Está enmarcado por laureles y una antorcha encendida, evocando motivos clásicos que significan victoria, conocimiento e iluminación. Los textos limítrofes "OBEY PROPAGANDA" y "KNOW YOUR RIGHTS" juegan con los temas recurrentes de propaganda, control y difusión de información de Fairey, instando al espectador a cuestionar la autoridad y las narrativas que se le presentan. Cada impresión de esta edición limitada está firmada y numerada por Fairey, lo que indica su autenticidad y conexión con la mano del artista. La decisión de utilizar una paleta de un solo color habla de la asertiva simplicidad de la obra y de la habilidad de Fairey para utilizar el contraste y la textura para transmitir profundidad y resonancia. Es una técnica que refleja sus raíces en el arte callejero, donde los mensajes deben transmitirse de forma rápida y memorable. El proceso de serigrafía, un método de serigrafía que requiere mucha mano de obra, garantiza que cada impresión sea de la más alta calidad, y el barnizado sobre el papel de trapo de algodón agrega un acabado táctil duradero que también mejora el impacto visual. "Know Your Rights" se erige como una declaración poderosa en la obra de Fairey, que refleja su defensa social y política presentada a través de su lente distintiva del arte pop. Esta obra de arte resuena con la inmediatez del arte callejero y lleva el peso de las tradiciones artísticas históricas, uniendo preocupaciones contemporáneas con expresiones atemporales de resistencia y esperanza.

Leer Saber más less

Companion- Juguete artístico de vinilo de edición limitada en negro, obra de arte coleccionable del artista pop moderno Kaws. 2016 Paquete sin abrir Edición abierta limitada 10.5 X 4.5 X 2.5 / 16.7 X 11.4 X 6.4 CM El compañero de KAWS en el panorama del pop callejero y el arte graffiti La serie Companion de KAWS, un artista pop moderno contemporáneo, se ha grabado firmemente en la conciencia colectiva de entusiastas del street pop y el graffiti art. El "Companion-Black Limited Edition Vinyl Art Toy Collectible" es un excelente ejemplo de esto, que fusiona la accesibilidad comercial de los juguetes con el arte de vanguardia. Lanzada como parte de una serie muy codiciada en noviembre de 2016, esta edición en particular coincidió con la exhibición "Donde comienza el fin" de KAWS en Fort Worth, Texas, marcando un momento significativo en su línea de tiempo artística. Este coleccionable destaca por su valor estético y cultural y como fenómeno comercial, ilustrando la intersección entre arte y consumismo que KAWS navega con tanta habilidad. Con unas dimensiones que miden aproximadamente 10.5 x 4.5 x 2.5 pulgadas, Companion ocupa un espacio físico que es a la vez íntimo y significativo, lo que permite una interacción personal que a menudo se pierde en esculturas más gigantes. La llamativa forma negra de la figura es un lienzo austero por sus detalles emotivos, en particular los ojos tachados que se han convertido en sinónimo de la obra del artista. La importancia de KAWS' Companion como ícono cultural KAWS' Companion, particularmente en su forma de vinilo negro, ha trascendido el ámbito de la mera coleccionabilidad para convertirse en un ícono del arte pop callejero. Su aparición en diversas formas a través de diferentes medios, desde esculturas masivas hasta pequeños juguetes, habla de su versatilidad y de la capacidad del artista para adaptar el arte influenciado por la calle a diversos contextos. La uniformidad de The Companion y la simplicidad de su forma le permiten convertirse en un recipiente para múltiples interpretaciones, similar a cómo el arte del graffiti a menudo conlleva significados en capas. La edición abierta limitada de 2016 de la serie Companion es un testimonio del atractivo duradero del personaje y su resonancia con los temas de aislamiento y camaradería que prevalecen en el arte callejero y el graffiti. Las versiones desolladas, que revelan la anatomía debajo de la superficie, ofrecen un comentario sobre la vulnerabilidad y la autenticidad, temas profundamente arraigados en el espíritu de la cultura callejera. Esta serie, especialmente la versión en negro, estuvo disponible a través de codiciados puntos de venta como KAWSONE, MoMA y el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, ilustrando las líneas borrosas entre las instituciones de alto arte y los objetos coleccionables de arte pop callejero. El compañero de KAWS y la evolución del arte pop callejero La figura del compañero de KAWS no es sólo una obra de arte estática; es una narrativa, un personaje que ha evolucionado y adaptado a lo largo de los años, al igual que el propio artista. Su viaje desde una imagen pintada a un objeto coleccionable sofisticado resume la evolución del arte callejero hacia una forma consumible pero conserva su ventaja. Con una altura de 11 pulgadas, Companion es un homenaje y una desviación del arte tradicional del graffiti. Encarna la naturaleza subversiva del arte callejero y al mismo tiempo es un objeto de deseo generalizado, cerrando la brecha entre las escenas de arte underground y el refinado mundo de los coleccionistas de arte. El lanzamiento del Companion-Black Limited Edition Vinyl Art Toy Collectible fue un evento culturalmente significativo, que marcó el pico de la influencia artística de KAWS y la creciente aceptación y celebración del arte pop callejero en la sociedad contemporánea.

Leer Saber más less

Mr Dob B Edición limitada Escultura artística en vinilo Obra coleccionable del artista de la cultura pop japonesa Takashi Murakami TM/KK x BAIT. Edición limitada 2017 de 800 Complexcon x BAITx Takashi Murakami 9x12x8 Perfecto como nuevo exhibido con caja. señor. Escultura de vinilo Dob B de Takashi Murakami: caos multicolor en el arte pop callejero y el grafiti Sr. Dob B es una escultura de arte en vinilo de edición limitada de 2017 del artista japonés Takashi Murakami, creada en colaboración con BAIT y lanzada durante ComplexCon con una tirada de 800 piezas. La pieza, que mide aproximadamente 9 x 12 x 8 pulgadas, presenta el personaje característico de Murakami, el Sr. Dob, una creación híbrida que combina orejas de ratón con una expresión psicodélica y maníaca y un esquema de colores vibrantes. Presentada en formato escultórico con una caja de colección completamente ilustrada, la figura ejemplifica la capacidad de Murakami para traducir el caos visual bidimensional en una forma táctil tridimensional. La pieza encarna una convergencia de la estética superplana japonesa, la subcultura otaku y la escultura de bellas artes, alineándose estrechamente con el lenguaje y el impacto del arte pop callejero y el graffiti. Diseño, dimensión y evolución del personaje Sr. Dob B es una de las manifestaciones físicas más impactantes del universo de Murakami, con la mandíbula abierta de la figura revelando un vórtice interno de dientes, lenguas, arcoíris y púas. Los ojos giratorios, los rasgos faciales exagerados y las extremidades en forma de tentáculos transforman la figura en un espectáculo óptico que desafía el diseño de personajes tradicional. Fabricada en vinilo de alto brillo con un acabado tipo caramelo, la escultura tiene presencia y refleja la luz como un ídolo futurista. La combinación de referencias pop, elementos de animación japonesa y esquemas de colores comerciales que realiza Murakami da como resultado una forma que se siente al mismo tiempo celebratoria y confrontativa. Esta versión del Sr. Dob funciona como una destilación física de la sobrecarga visual que a menudo se ve en las pinturas y murales de Murakami. Es una figura a la vez familiar y aterradora, cómica y agresiva, que al mismo tiempo hace referencia a la cultura kawaii y la subvierte. La influencia de Takashi Murakami en la escultura coleccionable de tendencia pop Takashi Murakami, nacido en Japón en 1962, es ampliamente reconocido como una figura central en el arte contemporáneo con influencia pop. Su obra difumina las distinciones entre alta cultura y consumismo, integrando anime, moda y graffiti en exposiciones a nivel de museo y colaboraciones comerciales. señor. Dob, introducido a mediados de la década de 1990, se ha convertido en uno de los motivos más reconocibles de Murakami: parte mascota, parte avatar, parte crítica de marketing. En el contexto del Street Pop Art y el Graffiti, las esculturas de vinilo de Murakami funcionan como íconos de la subversión del consumidor. Están diseñados para ser coleccionados, exhibidos y celebrados, pero contienen dentro de ellos los lenguajes codificados de la marca, la historia del arte y la cultura digital. Con la liberación del Sr. En Dob B en ComplexCon, un evento de mercado conocido por su intersección de moda urbana, arte y moda, Murakami posicionó aún más la escultura como un emblema de la remezcla cultural y la accesibilidad al arte elevado. Vinilo de edición limitada como cápsula del tiempo de la cultura pop El Sr. La edición Dob B está empaquetada en una caja de gran formato completamente impresa que refleja la estética caótica de la figura en el interior. Cada escultura tiene un acabado de fábrica perfecto, con aplicaciones de pintura limpias y una forma equilibrada, reflejando el refinamiento comercial de la cultura de los juguetes de diseño. Sin embargo, a diferencia de los objetos de colección del mercado masivo, esta figura es parte de una edición limitada, lo que marca su exclusividad e integridad artística. La presencia de Murakami en ComplexCon marcó un cambio: las bellas artes no solo ingresaron al ámbito de la moda, sino que se convirtieron en un elemento central del mismo. En Street Pop Art & Graffiti Artwork, esta edición se erige como una cápsula del tiempo de la cultura visual: lúdica, precisa y totalmente consciente de su impacto. señor.

Leer Saber más less

En algún lugar sobre el arcoíris Original, único en su tipo, pintura con pasta de trigo, tinta y pintura en aerosol, obra de arte sobre madera cortada a mano por el popular artista de graffiti callejero Peter Van Flores. 2022 Original firmado en algún lugar sobre el corte de madera del arco iris Un homenaje al dinero. Tinta, pintura en aerosol y pasta de trigo sobre varias capas de madera cortada a mano. 1 de 1 originales

Leer Saber más less

Portada del cómic The Joker #2 Edición limitada Pintura de acuarela de 1 color embellecida Serigrafía HPM en papel de bellas artes por Mr Brainwash- Thierry Guetta. Edición limitada firmada y numerada de 2019 de 25 obras de arte Tamaño 34x46 Mr. Brainwash se complace en anunciar una nueva incorporación a la serie en curso de portadas de cómics, esta vez con uno de los supervillanos más notorios, la portada del cómic de Batman con el Joker. Una serigrafía de un color sobre papel artístico de archivo rasgado a mano y acabado a mano con acuarela. Cada impresión de la edición será única y los colores variarán de una impresión a otra. Tamaño de impresión: 34 x 46 pulgadas Edición de 25

Leer Saber más less

Serigrafía de gran formato de caballos de San Marcos de Shepard Fairey: OBEY, bicolor tirado a mano en papel de ante Modigliani de 2 g/m², obra de arte pop callejero de edición limitada. 260 Edición limitada firmada y numerada de 2009 obras de arte Tamaño 250 x 32.3 Serigrafía En 26.8, mientras asistía a la 2009ª Bienal de Venecia, Shepard Fairey realizó una impresión de edición limitada titulada "St. Mark's Horses". La creación de esta pieza tuvo lugar durante la estancia del artista en Venecia. Se realizó en colaboración con SMS Venecia, una organización dedicada a apoyar el patrimonio artístico y arquitectónico de la ciudad. Esta impresión exclusiva consta de 53 ediciones, cada una firmada y numerada individualmente por Fairey. Las obras de Fairey se producen en series de edición limitada y poseer una impresión firmada y numerada puede ser una valiosa adición a cualquier colección de arte. Su estilo único y sus poderosos mensajes lo han convertido en uno de los artistas callejeros más influyentes de su generación. El estampado St. Marks Horses presenta el estilo icónico de Fairey, incorporando elementos de propaganda, contracultura y arte callejero. La obra de arte se centra en la representación de dos caballos con una referencia a San Marcos, que probablemente esté inspirada en los Caballos de San Marcos o la Cuadriga Triunfal, un conjunto de estatuas romanas de bronce de cuatro caballos que alguna vez fueron parte de un monumento erigido en Constantinopla y ahora se encuentran en Venecia, Italia.

Leer Saber más less

Old Glory- Papel de archivo Edición limitada Serigrafía de 6 colores hecha a mano en papel de archivo por Mr Brainwash- Thierry Guetta Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2021 Edición limitada firmada y numerada de 80 obras de arte Tamaño 32x26 Medio: Serigrafía sobre papel de archivo. Tamaño: 26 x 32 pulgadas Edición: 80 Firmado, numerado y con el pulgar impreso. Para celebrar el Día de la Independencia, Mr Brainwash-Thierry Guetta ha anunciado sus últimas ediciones. Old Glory recuerda el duro viaje de la nación hacia la independencia y nos recuerda reflexionar sobre la importancia de su pasado. La edición serigrafiada estará disponible en papel de archivo y lienzo enmarcado. Cada impresión está numerada, firmada e impresa con el pulgar por el artista.

Leer Saber más less

Monroe POPfolio- Collage serigrafiado a 13 colores dibujado a mano en papel de archivo por el artista pop moderno Mr Brainwash- Thierry Guetta Rara obra de arte de edición limitada de Marilyn Monroe. 2022 Edición limitada firmada y numerada de 75 obras de arte Tamaño 24x24 Serigrafía de 11 colores con bordes rectos firmada e impresa con el pulgar por el artista.

Leer Saber más less

Serigrafía a prueba de artista AP en relieve de Pose: Jordan Nickel, 12 colores tirados a mano en cubierta de 160 lb Mohawk Superfine UltraWhite Edición limitada Obra de arte pop callejero. AP Artist Proof 2023 Obra de arte de edición limitada firmada y marcada "AP" Tamaño 23x30 Serigrafía Navegando por los complejos y fascinantes reinos del pop y el arte callejero, la 'Serigrafía a prueba de artista en relieve AP' se erige como un ejemplo del arte contemporáneo. Concebida por el ilustre artista Jordan Nickel, conocido en los círculos artísticos como 'Pose', esta pieza es una encarnación de su estilo característico: una combinación armoniosa de paletas de colores audaces y patrones intrincados. Realizada meticulosamente con una técnica de serigrafía de 12 colores dibujada a mano, la obra de arte irradia una riqueza que se complementa con la textura impecable del papel Cover Mohawk Superfine UltraWhite de 160 libras. El papel pintado a mano subraya el atractivo táctil y crudo de la pieza, añadiendo un toque orgánico a su esencia moderna. Designada como "Prueba de artista" y marcada con "AP", esta impresión tiene un significado especial en la obra del artista. Las pruebas de artista se reservan convencionalmente para la colección personal del artista o para ocasiones especiales, lo que hace que esta impresión sea especialmente buscada tanto por coleccionistas como por entusiastas. La creación de 2023, que mide 23x30, no sólo está firmada por Pose sino que también lleva la codiciada marca "AP", que indica su exclusividad. En 'Relief AP Artist Proof', la vívida imaginación de Pose se manifiesta en una sinfonía de colores y formas. Los elementos entrelazados, desde los tonos radiantes hasta los patrones rítmicos, reflejan la convergencia de la energía cruda del arte callejero y la simplicidad icónica del arte pop. Como testimonio de la contribución de Pose a la escena del arte contemporáneo, esta pieza sirve como un faro que ilumina el camino para futuras exploraciones artísticas.

Leer Saber más less