Panel de madera cortado con láser y acunado

Plantilla Chanel Dark Side HPM sobre madera de Ben Frost Panel múltiple pintado a mano listo para colgar por ARTISTA Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Edición 2022 firmada y numerada de 3 ilustraciones impresas de HPM MEDIA Tamaño 27.5 x 23.5 Pintura acrílica y en aerosol sobre tabla con asas de cuerda sintética

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Supreme Drip Original, único en su tipo, pintura en aerosol, tinta y pintura en aerosol, obra de arte sobre madera en capas del popular artista de graffiti callejero Peter Van Flores. 2022 Corte de madera de goteo SUPREME original firmado Un homenaje a SUPREME. Tinta, pintura en aerosol y pasta de trigo sobre varias capas de madera cortada a mano. 1 de 1 original. De tamaño mediano. Dimensiones únicas con curvas. Pintura de collage de pintura en aerosol original de goteo supremo de Peter Van Flores

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Cash Monster Original pintado a mano con múltiples técnicas mixtas, pintura en aerosol, obra de arte en un panel de madera cortado con láser, listo para colgar por Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. "Mi trabajo habla de una fatalidad inminente y de muchos temas groseros y siniestros, pero eso no debería significar que deseo que esto suceda en absoluto. Espero que mi trabajo sugiera sólo lo contrario: mostrar la ridiculez de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro." -Negación Esencialmente, Negación es satirizar la realidad que tanto él como nosotros estamos viviendo, a través de algunos de los símbolos más emblemáticos de la cultura occidental. La negación es utilizar productos culturales con la intención de hacer una declaración contra el sistema que los vio nacer. Como resultado, los recontextualiza y los transforma de productos comerciales a su legado cultural.

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An Eye For An Eyrie: pintura en aerosol, acrílico y serigrafía múltiples originales pintadas a mano en oro rojo en un panel de madera cortado con CNC listo para colgar por Prefab77 Graffiti Street Artist Modern Pop Art. "Siempre nos ha encantado el retrato, nuestro estilo actual es el de mezclar retratos alegóricos con nuestro estilo duro y rápido, a menudo con mensajes secretos, afiliaciones religiosas e iconografía pop entretejidas en el arte. Hemos explorado el estilo Totemic en este lanzamiento. llevar estos mensajes y crear una manera visualmente hermosa de expresar una idea abstracta o transmitir un significado que no se establece explícitamente en la narrativa. Como una pista pop/rock realmente buena de 3 minutos que puede ser una fábula, una historia o una ¡Advertencia!" - Prefabricado77

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La sonrisa divina, pintura original en técnica mixta de Phil Simpson, obra de arte única en madera del artista pop de arte callejero. 2021 Pintura en aerosol firmada Pintura acrílica de técnica mixta Obra de arte original en madera Tamaño 16x16 La sonrisa divina de Phil Simpson: simplicidad emocional en el arte pop callejero y las obras de arte de graffiti La sonrisa divina es una pintura de técnica mixta original de 2021 del artista estadounidense Phil Simpson, ejecutada en un panel de madera de 16 x 16 pulgadas. Utilizando una combinación de pintura en aerosol y acrílico, Simpson presenta su icónico motivo de rostro sonriente representado en bloques de colores llamativos, contornos negros gruesos y un fondo degradado radiante. Esta pieza única captura el estilo característico del artista: simple, saturado, emocionalmente directo y universalmente accesible. La estética de Simpson vive en el espacio donde la sensibilidad del grafiti se encuentra con la claridad gráfica del diseño pop, ofreciendo un símbolo de alegría que funciona como afirmación visual y comentario cultural. Con sus líneas nítidas y su expresiva geometría facial, la obra de arte se convierte en una declaración de presencia emocional a través de la moderación formal, alineada perfectamente dentro del lenguaje en evolución del Street Pop Art y el Graffiti Artwork. El simbolismo de la sonrisa como curación visual El rostro sonriente de Phil Simpson es más que un motivo repetido: es una filosofía incrustada en la forma. En La Sonrisa Divina, la expresión es amplia, simétrica y equilibrada por puntos tipo rubor en ambas mejillas y ojos de gran tamaño que reflejan la luz con una pureza de caricatura. La sencillez del rostro contrasta con la complejidad de su impacto emocional. La sonrisa irradia calma, tranquilidad y sinceridad, recordando al espectador el poder del optimismo en un mundo urbano a menudo definido por el cinismo y el ruido. El uso de tonos púrpura vibrantes, azules eléctricos y blancos intensos amplifica aún más esta positividad. La sonrisa no se burla ni esconde: invita. En el contexto del Street Pop Art y el Graffiti, la sonrisa se convierte al mismo tiempo en una etiqueta y en un mensaje, un símbolo colocado en paredes, lienzos y comunidades con una claridad visual y emocional constante. Precisión media, superficial y callejera sobre panel de madera El uso de la madera como superficie proporciona una base texturizada y estable que realza el contraste de los gradientes de pintura en aerosol y los detalles acrílicos. Los bordes de la pieza son nítidos, pero las transiciones en el color de fondo sugieren la niebla del aerosol: suaves nubes de color púrpura que brillan detrás de la cara azul del personaje. El trazo de Simpson es grueso y asertivo, diseñado para definir en lugar de complicar. El formato cuadrado de 16 x 16 pulgadas de la obra refuerza su simetría gráfica, creando una sensación de equilibrio intencional que resuena con el tema del equilibrio emocional. Cada marca se coloca con confianza, transformando componentes mínimos en una experiencia visual máxima. La ejecución de La Sonrisa Divina habla de las raíces de Simpson en las prácticas de arte callejero y al mismo tiempo eleva la obra a un objeto de bellas artes con permanencia e intimidad. Phil Simpson y la alegría de la repetición como resistencia La obra de Phil Simpson existe como una meditación visual sobre la felicidad, representada una y otra vez con sinceridad y claridad. Su práctica no se basa en el shock ni en la ironía, sino que se apoya en la alegría, la repetición y la lógica del diseño para ofrecer un tipo diferente de poder. En La sonrisa divina, Simpson no crea un retrato: crea un ícono emocional que habla a través del idioma, la edad y la geografía. Como parte del arte pop callejero y el graffiti, esta pieza refleja una creencia en la accesibilidad, la honestidad y la posibilidad de una conexión compartida a través de la forma. La sonrisa se convierte no sólo en un rostro sino en una bandera: un símbolo de optimismo pintado lo suficientemente fuerte como para ser escuchado en un mundo que a menudo se olvida de mirar hacia arriba.

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Icono de tiburón: múltiple original dorado pintado a mano en un panel de madera cortado con láser listo para colgar por Shark Toof Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2016 HPM Embleshed firmado y numerado Edición limitada de 7 obras de arte en madera Tamaño 9.25 x 17 “Este nuevo trabajo es una mezcla de mis raíces en el graffiti, que es donde realmente desarrollé mi propia voz única. Al mismo tiempo, también hay un aspecto de este trabajo que consiste en no tomarte a ti mismo demasiado en serio, en cierto modo destrozar tus propios íconos”, dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. "Me gusta Detroit porque es un lugar muy de bricolaje y yo soy un artista muy aficionado al bricolaje, por lo que encaja perfectamente conmigo". Toof de tiburón

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Face Invader- Botones Múltiples originales pintados a mano (HPM) en un panel con soporte de madera listo para colgar por Bask Graffiti Street Artist Modern Pop Art. “Quería hacer algo especial para la carrera que coincidiera con el espectáculo. Entonces se me ocurrió la idea de no solo ofrecer una impresión adornada a mano, sino también hacer una serie de piezas en conjuntos que estuvieran todas pintadas a mano. Sin plantillas ni serigrafías, quería ofrecer piezas realmente pintadas que fueran asequibles para cualquiera que las quisiera. Pero a pesar de lo entusiasmado que estaba con esta idea, tuve que descubrir cómo hacer que esto sucediera en un plazo de tiempo razonable. Sin mencionar que obtuve 10 imágenes que podría duplicar casi idénticamente 20 veces. Entonces surgió la idea de recuperar algunos de los rostros que han aparecido en trabajos anteriores. Personajes que Detroit me inspiró a crear. Debo agregar que este ha sido uno de los proyectos más laboriosos que he asumido. Hay más de 500 horas entre mi asistente y yo. Cada panel fue trabajado minuciosamente”. - tomar el sol

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Impresión de la Revolución del Nuevo Mundo en panel de madera enmarcado listo para colgar por Mear One Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 13.5 x 18 cm (34.29 x 45.72 pulgadas) Impresión exclusiva en madera de bellas artes sobre abedul sostenible de 1/2", acabado en blanco brillante, firmada a mano y numerada por Mear One. Edición limitada de 20 impresiones "Con el Día de la Madre". "Su halo dorado nos baña en una calidez de sabiduría espiritual, positividad y elección, el puño levantado en el cielo, no con ira, sino con solidaridad y fuerza universales, tal vez sirviendo como un recordatorio para todos nosotros de que estamos ante un tiempo revolucionario. centrándose en el valiente papel que desempeñan las mujeres y los niños en esta era políticamente cargada". - Miro uno

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Star Spangled Shark Toof- Naranja Original pintado a mano Múltiple en panel de madera cortado con láser listo para colgar por Shark Toof Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2016 HPM Embleshed firmado y numerado Edición limitada de 7 obras de arte en madera Tamaño 9.25 x 17 “Este nuevo trabajo es una mezcla de mis raíces en el graffiti, que es donde realmente desarrollé mi propia voz única. Al mismo tiempo, también hay un aspecto de este trabajo que consiste en no tomarte a ti mismo demasiado en serio, en cierto modo destrozar tus propios íconos”, dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. "Me gusta Detroit porque es un lugar muy de bricolaje y yo soy un artista muy aficionado al bricolaje, por lo que encaja perfectamente conmigo".

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Arrow Pulse Summer Original pintado a mano con múltiples técnicas mixtas en un panel de madera cortado con láser listo para colgar por Tavar Zawacki (arriba) Graffiti Street Artist Modern Pop Art. "El Arrow Pulse fue uno de los muchos diseños populares que hice para mi reciente exposición individual, Remix en Detroit. Decidí hacer una edición de tamaño más pequeño (5) de las flechas Arrow Pulse ya que este diseño es un estilo popular e icónico de la flecha. Diseñé los archivos cortados en mi computadora con Adobe Illustrator, luego los corté con láser para asegurar su perfección y forma al unísono. Después de realizar los cortes, eliminé individualmente cada pulso y le asigné un color específico. En la pieza terminada hay un pulso de flecha de madera compuesto de colores". - Arriba

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Dibujo a lápiz de grafito y pan de oro del arte pop moderno original profético sobre madera acunada por el artista Craww. Dibujo a lápiz de técnica mixta con pan de oro firmado en 2014 sobre madera acunada 12x16

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Y entonces las cosas mejoraron - Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple, obra original pintada a mano (HPM) sobre panel de madera, lista para colgar, de Denial, artista callejero de grafiti, arte pop moderno. "Mi obra habla de una fatalidad inminente y de temas groseros y siniestros, pero eso no debería significar que desee que esto suceda. Espero que mi obra sugiera solo lo contrario: mostrar lo ridículo de todo y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro". -Denial. El arte de Denial es fuertemente político y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra problemas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: "Me gusta considerarme un activista del arte pop. Me relaciono mucho más fácilmente con las caricaturas y los gráficos que con el material fotorrealista". Otro aspecto de la obra de Denial es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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Pero me pregunto... Edición limitada de acrílico HPM adornado a mano, pintura en aerosol y tinta sobre panel de madera de la artista urbana Marly Mcfly Pop Art. 2021 Edición limitada de HPM adornada a mano, firmada y numerada, de 9 obras de arte de tamaño 11 x 14 en madera montada lista para colgar. "Soy un artista autodidacta de Newport News, VA. Comencé a dedicarme al arte cuando era niño, dibujando de todo, desde dibujos animados, cómics, muñecos de acción y atletas. Mis pensamientos y experiencias internos se capturan a través de capas de colores y patrones brillantes y atrevidos junto con imágenes de mi infancia, que se utilizan para expresarme. Considero mi arte una mezcla de pop y arte callejero." -Marly McFly La expresión artística de Marly McFly en "But Wonder..." El "Pero me pregunto..." La pieza de edición limitada de Marly Mcfly es un testimonio vibrante de la combinación perfecta de arte callejero pop y graffiti. Como artista autodidacta de Newport News, VA, Marly Mcfly ha cultivado un estilo distintivo que resuena a través de este trabajo de acrílico, pintura en aerosol y tinta HPM (múltiple pintado a mano) adornado a mano sobre un panel de madera. Esta edición limitada de nueve piezas, firmada y numerada, creada en 2021, es un claro reflejo de la dedicación del artista por fusionar la cultura pop con el poder crudo y expresivo del arte callejero. Cada obra de arte de 11x14 pulgadas de esta serie es una pieza de madera acunada lista para colgar que encarna el viaje de Mcfly y la evolución de su voz artística. La narrativa del artista comienza con una pasión infantil por el dibujo, una historia de amor con las líneas atrevidas y los colores brillantes de los dibujos animados, los cómics, las figuras de acción y los atletas. Estas primeras influencias son evidentes en "But Wonder..." donde Mcfly captura sus pensamientos y experiencias internas a través de capas de colores y patrones brillantes y atrevidos, un sello distintivo de su enfoque artístico. Integración de la infancia y la cultura pop El trabajo de Marly McFly se caracteriza por una profunda integración de imágenes infantiles y referencias a la cultura pop, creando un diálogo más allá del panel de madera. Al incorporar elementos que hablan de una memoria colectiva, su arte va más allá de la expresión personal para aprovechar una nostalgia compartida. Las imágenes de la infancia de Mcfly no son meras ilustraciones, sino que se utilizan para transmitir emociones y comentarios complejos, posicionando sus piezas como narrativas orales y universales. "Pero me pregunto..." juega explícitamente con la percepción del espectador, con los puntos de semitono y el texto en negrita invitando a una mirada más cercana para desentrañar la historia. Los adornos hechos a mano en cada pieza de edición limitada añaden una capa de individualidad, lo que garantiza que, si bien cada pieza sigue siendo parte de una serie, se destaca por sí sola como una obra de arte única. La combinación de acrílico, pintura en aerosol y tinta permite una textura rica y profunda, una experiencia sensorial que hace eco de la naturaleza táctil del graffiti. A través de su arte, Marly Mcfly contribuye a la conversación actual sobre lo que constituye el arte pop callejero. Sus creaciones celebran la capacidad del género para comunicar ideas complejas a través de imágenes accesibles, desdibujando las líneas entre el arte elevado y la cultura popular. El "Pero me pregunto..."

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Marca Joker: verde, rosa, original, único en su tipo, técnica mixta, pintura acrílica y pintura en aerosol, obra de arte sobre madera acunada por el popular artista de graffiti callejero Ben Frost. 2022 'Joker Brand' - Pintura acrílica y en aerosol sobre tabla - Variante verde/rosa 60 cm x 60 cm (23.5 x 23.5 pulgadas) Firmado, titulado y fechado en el reverso

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Sea fiel Pintura original Pintura en aerosol Aerosol y pintura acrílica sobre madera recuperada por Shark Toof Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2014 Pintura en aerosol original firmada Pintura de técnicas mixtas Tamaño de la obra de arte 16.25x22 “Este nuevo trabajo es una mezcla de mis raíces en el graffiti, que es donde realmente desarrollé mi propia voz única. Al mismo tiempo, también hay un aspecto de este trabajo que consiste en no tomarte a ti mismo demasiado en serio, en cierto modo destrozar tus propios íconos”, dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. "Me gusta Detroit porque es un lugar muy de bricolaje y yo soy un artista muy aficionado al bricolaje, por lo que encaja perfectamente conmigo". -Tiburón Toof

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Detroit Serie 16 Pintura original en aerosol, pintura acrílica y técnicas mixtas sobre madera acunada por Cope2 Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2010 Pintura en aerosol original firmada y titulada Pintura acrílica Pintura de técnicas mixtas sobre panel de madera cuna Lista para colgar Obra de arte de graffiti Tamaño de letra de burbuja 24x24 "Siempre quise hacer un espectáculo como este. Últimamente, he hecho la transición principalmente a pinturas de técnicas mixtas, pero he estado haciendo graffitis intensos, si quieres llamarlo así, durante más de treinta años. Es lo que me hizo Cope2. Pero me gusta cambiarlo y mostrar todos mis diferentes estilos. Entonces, con este espectáculo puedo mostrar mi evolución de estilo y cómo he progresado. "Versátil" muestra de dónde vengo y lo que estoy haciendo ahora", afirmó Cope2 desde su estudio en Nueva York. -Cope2 Detroit Serie 2 de Cope16: un emblema del arte pop callejero y el graffiti Cope2, un nombre sinónimo de la vitalidad valiente del arte pop callejero y el graffiti, nos presenta "Detroit Series 16", que resume la esencia de la expresión urbana. Esta pintura original de 2010 es un vívido ejemplo de la fusión de pintura en aerosol, pintura acrílica y técnicas mixtas sobre madera acunada. Con un tamaño considerable de 24x24 pulgadas, esta pieza lista para colgar es una auténtica creación de Cope2, completa con sus icónicas letras de burbujas que estallan con la energía y espontaneidad características de su trabajo. Esta pieza particular de la Serie Detroit es un rico tapiz de color, textura y forma. El uso de madera acunada como sustrato representa un alejamiento de las paredes temporales y los vagones del metro que tradicionalmente sirven como lienzos para los artistas del graffiti. La elección del material por parte de Cope2 marca un paso consciente hacia la permanencia y longevidad de su arte, alineándose con su deseo de evolucionar y adaptarse a lo largo de sus más de treinta años de creación. Al emplear un enfoque de medios mixtos, Cope2 cierra la brecha entre el arte crudo y callejero del graffiti y la naturaleza refinada y deliberada de las obras creadas en estudio. La evolución del estilo en la obra de Cope2 El viaje que Cope2 describe en su transición a la pintura en técnica mixta se hace evidente en "Detroit Series 16". La obra de arte sirve como una narrativa visual de su evolución estilística, revelando las capas de crecimiento y cambio que definen su carrera. En sus propias palabras, la versatilidad de su arte muestra la amplitud de su experiencia, desde las expresiones desenfrenadas del 'graffiti incondicional' hasta las piezas complejas y multidimensionales que elabora hoy. La pieza cuenta la historia de un artista que no está contento con el status quo y continuamente traspasa los límites de su medio para explorar nuevas técnicas y conceptos. La esencia del arte callejero, que enfatiza la accesibilidad y la participación de la comunidad, se preserva en este trabajo, incluso cuando abarca elementos del enfoque del arte pop en los medios de comunicación y la cultura popular. El trabajo de Cope2, principalmente "Detroit Series 16", es un testimonio del poder transformador del arte para transmitir viajes personales y narrativas sociales. Es una representación visual de la creencia del artista en el cambio, el potencial del graffiti para evolucionar y su capacidad para reflejar estos cambios a través de su arte. Impacto y legado de la Serie Detroit de Cope2 El impacto de "Detroit Series 16" se extiende más allá del atractivo visual de sus colores vibrantes y formas intrincadas. Representa un momento en el tiempo dentro de la narrativa más amplia de la asimilación del arte callejero al mundo de las bellas artes. El trabajo de Cope2, con su estética característica y su compromiso con los valores fundamentales del graffiti, ha jugado un papel fundamental en la redefinición de las percepciones del arte inspirado en la calle. La serie, en particular esta pieza, ejemplifica la naturaleza fluida del arte contemporáneo, donde los géneros se cruzan y emergen nuevas formas. A medida que el arte callejero continúa ganando reconocimiento y respeto dentro de la comunidad artística, obras como "Detroit Series 16" constituyen hitos en este camino de aceptación cultural. Son recordatorios de las raíces de esta forma de arte en las expresiones no encargadas y a menudo no autorizadas que se encuentran en entornos urbanos de todo el mundo. Sin embargo, también significan la posibilidad de trascendencia, de arte que puede surgir de las calles para colgar en las paredes de coleccionistas y entusiastas que valoran la autenticidad y el poder puro que encarna el graffiti. Al evaluar el legado de "Detroit Series 2" de Cope16, uno no puede evitar reconocer la influencia del artista en la trayectoria del arte pop callejero y el graffiti. Su capacidad para navegar la transición de la calle al estudio sin perder la esencia del espíritu del graffiti es notable. La serie ofrece un testimonio visual de la perdurable relevancia de Cope2 en el mundo del arte, destacando su papel no sólo como artista sino también como cronista del lenguaje dinámico y en constante evolución del arte callejero.

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Hollow Breath Original, único en su tipo, pintura al carbón y acrílico, obra de arte sobre madera acunada por el popular artista de graffiti callejero Craww. 2013 Obra de arte de pintura acrílica original firmada, tamaño 23.5 x 31.5 sobre panel con soporte de madera, listo para colgar, bellas artes. Explorando las profundidades del aliento hueco de Craww "Hollow Breath", una cautivadora obra de arte original del aclamado artista de graffiti callejero Craww, es un ejemplo conmovedor de cómo la energía cruda del arte pop callejero y las obras de arte del graffiti se pueden canalizar hacia medios artísticos más tradicionales. Esta pieza única, creada en 2013, es una sinfonía de carbón y acrílico sobre un panel de madera acunado, que muestra la habilidad del artista con ambos materiales. La obra de arte de 23.5x31.5 pulgadas proporciona un espacio generoso para que se desarrolle la visión oscura y onírica de Craww. Firmado por el artista, "Hollow Breath" captura la esencia del estilo característico de Craww, que a menudo presenta figuras femeninas etéreas entrelazadas con elementos de la naturaleza. La pintura explora temas recurrentes en su obra: la dualidad de la belleza y la melancolía y la intrincada danza entre la vida y la muerte. El carbón aporta suavidad a la pintura, permitiendo gradaciones sutiles y profundidad, mientras que los acrílicos aportan una vitalidad que atraviesa el velo monocromático. Técnica y simbolismo en la respiración hueca de Craww En "Hollow Breath", el uso que hace Craww de carboncillo y pinturas acrílicas no es simplemente una elección de preferencia sino una decisión deliberada de transmitir estados emocionales complejos. El carbón, con su calidad ahumada y difusa, crea una sensación de impermanencia y fragilidad, haciéndose eco de la naturaleza transitoria de la vida. Mientras tanto, los acrílicos, conocidos por su audacia y claridad, resaltan los puntos focales de la pintura, como los lirios y las rosas, símbolos de pureza y pasión. El panel de madera acunado sirve como sustrato ideal para esta pieza, su solidez contrasta marcadamente con la delicadeza de las imágenes. Esta yuxtaposición refleja los contrastes encontrados a lo largo del trabajo de Craww, donde la fuerza y ​​la vulnerabilidad a menudo coexisten. La textura de la madera añade una sensación orgánica a la pieza, conectándola con el mundo natural que frecuentemente influye en el arte de Craww. La posición única de Craww en el arte contemporáneo Craww ocupa una posición única en el arte contemporáneo, cerrando la brecha entre los mundos, a menudo separados, del arte callejero y las bellas artes. "Hollow Breath" es un testimonio de su capacidad para navegar estos reinos, llevando la inmediatez y autenticidad del arte callejero a un formato tradicionalmente asociado con galerías y museos. La originalidad de esta pintura y su facilidad para colgarla la convierten no solo en una obra de arte, sino en una pieza llamativa lista para adornar las paredes de un conocedor del arte. La triste belleza de "Hollow Breath" resuena en quienes están familiarizados con el trabajo de Craww en espacios públicos. Sin embargo, también se destaca por sí sola como una poderosa obra de arte, que invita a la interpretación y la admiración de los espectadores que pueden o no estar familiarizados con su arte callejero. Esta versatilidad y amplio atractivo hacen que el trabajo de Craww sea particularmente convincente dentro de la escena del arte contemporáneo. "Hollow Breath" resume el inquietante encanto de la visión artística de Craww, fusionando la fluidez del carbón con la intensidad de los acrílicos en un lienzo tan duradero como la madera.

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Kryptonite Edición limitada de acrílico HPM adornado a mano, pintura en aerosol y tinta sobre panel de madera de la artista urbana Marly Mcfly Pop Art. 2021 Edición limitada de HPM adornada a mano, firmada y numerada, de 9 obras de arte de tamaño 11 x 14 en madera montada lista para colgar. "Soy un artista autodidacta de Newport News, VA. Comencé a dedicarme al arte cuando era niño, dibujando de todo, desde dibujos animados, cómics, figuras de acción y atletas. Mis pensamientos y experiencias internos se capturan a través de capas de colores brillantes y atrevidos. y patrones junto con imágenes de mi infancia, que se utilizan para expresarme. Considero que mi arte es una mezcla de pop y arte callejero". -Marly McFly Las vívidas narrativas de Marly Mcfly en "Kryptonite" "Kryptonite", una obra de arte de edición limitada de Marly Mcfly, es un resumen visual del viaje de la artista a través del arte pop y callejero. Este HPM (múltiplo pintado a mano) adornado a mano con acrílico, pintura en aerosol y tinta sobre un panel de madera refleja el dominio autodidacta de Mcfly y la evolución personal de su narrativa artística. Firmada y numerada en 2021, esta colección está limitada a solo nueve piezas, cada una de tamaño 11x14 y presentadas en soporte de madera lista para colgar, lo que significa el compromiso del artista con la accesibilidad y el compromiso con su audiencia. Mcfly, proveniente de Newport News, VA, canaliza la esencia del arte pop callejero y las obras de arte del graffiti fusionando la inmediatez y la energía del arte callejero con las imágenes icónicas y vívidas del arte pop. "Kryptonita" ejemplifica esta fusión, con sus capas de colores y patrones brillantes y atrevidos que interactúan con imágenes nostálgicas de la infancia del artista, manifestándose como superhéroes, personajes de dibujos animados e íconos culturales que resuenan a nivel universal. Explorando la infancia y los íconos culturales En "Kryptonite", Mcfly profundiza en el poder de los íconos culturales y su impacto en la identidad y expresión personal. La pieza es un diálogo con el pasado, una confrontación con los símbolos que han dado forma a las identidades generacionales y un testimonio de la influencia duradera de las impresiones infantiles en la creatividad adulta. Los adornos hechos a mano en cada pieza añaden un toque único a la serie, asegurando que cada obra de arte, si bien forma parte de un tema colectivo, se destaca con matices y texturas individuales. Esta obra de arte encarna el poder transformador del arte pop callejero y el graffiti, mostrando la capacidad de McFly para comunicar emociones y experiencias complejas a través de un tapiz de imágenes personales y compartidas. A través de "Kryptonite", Marly Mcfly contribuye a la narrativa dinámica del arte callejero, creando piezas visualmente estimulantes, ricas en significado y contexto, invitando a los espectadores a encontrar sus conexiones dentro de las capas de pintura y tinta.

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¿Qué diablos estoy haciendo con mi vida? Mini, parte de la serie True Facts Mini Multiple Múltiples originales pintados a mano (HPM) en un panel con soporte de madera listo para colgar por Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. HPM 2020, firmada y numerada, edición limitada de 20 obras de arte, tamaño 11x11 "Mi trabajo habla de una fatalidad inminente y de muchos temas groseros y siniestros, pero eso no debería significar que desee que esto suceda en absoluto. Espero que mi trabajo sugiera sólo lo contrario: para mostrar lo ridículo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro". -Denial En el mundo de Denial, la memoria es importante, porque es la base de su obra, ya que anima con nostalgia al público a involucrarse con ella. Como resultado, su arte es tan familiar como inquietante porque revela las partes más inquietantes de la sociedad, aquellas que “negamos”. No importa su controvertida historia, el graffiti se ve cada vez menos como una forma de vandalismo.

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Litografía offset Mighty Vibras sobre panel de madera de J Balvin x Matt Gondek con bolso de mano Obra de graffiti Street Pop de edición limitada. 2018 Edición limitada firmada y numerada de 300 obras de arte Tamaño 14x23 Astro Boy tatuado con gafas Chanel. La bolsa tiene manchas menores en el área superior. Obra de arte perfecta a casi perfecta. J Balvin x Matt Gondek Síntesis cultural en el arte pop callejero La litografía offset "Mighty Vibras" sobre un panel de madera es una fusión dinámica de música, cultura callejera y arte contemporáneo. Una pieza colaborativa de la superestrella del reggaetón colombiano J Balvin y el artista residente en Los Ángeles Matt Gondek, esta obra de arte captura la esencia del arte pop callejero y el graffiti. Lanzada en 2018, la edición limitada de 300 piezas firmadas y numeradas refleja la influencia global de las formas de arte urbano y los límites cada vez más porosos entre el arte, la música y la moda. La pieza "Mighty Vibras" retrata vívidamente a un Astro Boy tatuado, con gafas Chanel, un símbolo de lujo infundido con valor urbano. Este personaje, un ícono del manga japonés, se reinventa a través de la lente de la cultura callejera y la alta costura, lo que simboliza la naturaleza interconectada de la cultura pop global. El estilo deconstructivo de Gondek, conocido por desarmar personajes y reconstruirlos, es evidente en las características fragmentadas de la obra de arte, que son visualmente deslumbrantes y temáticamente resonantes. La influencia de J Balvin en la pieza aporta un elemento transcultural que es palpable en los colores llamativos de la obra de arte y la inclusión de la palabra "Familia" tatuada en el pecho del personaje, un guiño a los temas de parentesco y pertenencia que impregnan la música de Balvin. El tamaño de la obra de arte, de 14x23 pulgadas, la convierte en una pieza llamativa que se destaca en cualquier entorno, desde una sala de estar informal hasta una galería de alto nivel. Intersección de arte y mercancía Acompañando al estampado hay un bolso de mano con el mismo diseño, destacando la creciente tendencia de que el arte se vuelva portátil y utilizable en la vida diaria. Este enfoque de la mercancía artística amplía el alcance de la obra de arte más allá de los límites tradicionales del mundo del arte, permitiéndole convertirse en parte de la experiencia cotidiana del consumidor. El bolso de mano es un lienzo móvil que difunde el impacto visual de la obra de arte "Mighty Vibras" a un público más amplio. La síntesis de la herencia musical de J Balvin y el arte de Matt Gondek en "Mighty Vibras" ejemplifica el potencial de la colaboración entre diferentes industrias creativas. También ilustra el poder del arte callejero para trascender sus orígenes, infiltrándose en la cultura y la moda dominantes y convirtiéndose en un emblema del estilo de vida contemporáneo. "Mighty Vibras" es más que una simple obra de arte; es un artefacto cultural que resume el espíritu de la época. Es un testimonio de la sinergia creativa entre J Balvin y Matt Gondek, que combina la energía cruda del arte callejero con el brillo de la cultura pop y, al hacerlo, crea un nuevo lenguaje visual que se dirige a una audiencia diversa y global.

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Face Invader - Modo Creep Múltiples originales pintados a mano (HPM) en un panel con soporte de madera listo para colgar por Bask Graffiti Street Artist Modern Pop Art. “Quería hacer algo especial para la carrera que coincidiera con el espectáculo. Entonces se me ocurrió la idea de no solo ofrecer una impresión adornada a mano, sino también hacer una serie de piezas en conjuntos que estuvieran todas pintadas a mano. Sin plantillas ni serigrafías, quería ofrecer piezas realmente pintadas que fueran asequibles para cualquiera que las quisiera. Pero a pesar de lo entusiasmado que estaba con esta idea, tuve que descubrir cómo hacer que esto sucediera en un plazo de tiempo razonable. Sin mencionar que obtuve 10 imágenes que podría duplicar casi idénticamente 20 veces. Entonces surgió la idea de recuperar algunos de los rostros que han aparecido en trabajos anteriores. Personajes que Detroit me inspiró a crear. Debo agregar que este ha sido uno de los proyectos más laboriosos que he asumido. Hay más de 500 horas entre mi asistente y yo. Cada panel fue trabajado minuciosamente”. - tomar el sol

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Pintura en aerosol pintada a mano del Santo Grial en panel de madera cortada lista para colgar por Dan Christofferson-Beeteeth Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2015 Edición limitada en oro firmada y numerada de 5 obras de arte Tamaño 8.5x13.5

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Paths We Pave Pintura original Pintura en aerosol y acrílico sobre madera acunada por Malt Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2011 Caminos firmados que pavimentamos pintura acrílica original en aerosol de Malt Malt es un artista autodidacta que vive y trabaja en Metro Detroit. Combinando técnicas de graffiti y aerosol con su estilo acrílico característico, el último trabajo de Malt da un giro abstracto a los paisajes tradicionales y los personajes que habitan los fondos psicodélicos. La yuxtaposición de pájaros del bosque, árboles, vida/muerte, crecimiento/decadencia, fuerza/debilidad es lo que mantiene las cosas frescas y habitualmente interesantes en el trabajo de Malt.

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Negación Negación Negación - Mini, parte de los hechos reales Serie Mini Múltiple Múltiples originales pintados a mano (HPM) en un panel con soporte de madera listo para colgar por Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. "Mi trabajo habla de una fatalidad inminente y de muchos temas groseros y siniestros, pero eso no debería significar que deseo que esto suceda en absoluto. Espero que mi trabajo sugiera sólo lo contrario: mostrar la ridiculez de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro." -Denial Denial es un artista canadiense que experimenta con el arte en aerosol y estarcido, mientras que sus principales campos de interés son el consumismo, la política y la condición humana en la sociedad actual. Dado que la cultura del graffiti estaba ganando cada vez más popularidad en Estados Unidos y Europa, los taggers tenían que ser cada vez más originales para poder destacar. Las firmas se hicieron más grandes, más estilizadas y más coloridas.

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Vinilo troquelado original matrilineal, pintura al óleo sobre panel con soporte de madera listo para colgar por Dan Christofferson- Beeteeth Graffiti Street Artist Modern Pop Art. "Matrilineal" - Vinilo troquelado de 24"x32" en el panel para mi programa "West Was Won". -Dan Christofferson

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Mira, Ocupado El Jefe Viene... Obra de arte original pintada a mano en múltiples técnicas mixtas con pintura en aerosol en un panel de madera cortado con láser, lista para colgar por Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Edición HPM limitada firmada de 2020 de 10 obras de arte, tamaño 13.5 x 11.5 "Mi trabajo habla de una fatalidad inminente y de muchos temas groseros y siniestros, pero eso no debería significar que quiera que esto suceda. Espero que mi trabajo sugiera sólo lo contrario: mostrar lo ridículo de todo esto y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro". -Negación "Mira ocupado, el jefe viene ..." de Denial como comentario en el arte pop callejero "Mira ocupado, el jefe ya viene ..." es una sorprendente pieza de arte pop moderno del artista callejero de graffiti conocido como Denial, un seudónimo del artista canadiense Daniel Bombardier. Su creación de 2020 es una edición múltiple (HPM) limitada y firmada y pintada a mano de solo diez piezas, cada una con unas dimensiones de 13.5 x 11.5 pulgadas. Esta obra de arte de pintura en aerosol de técnica mixta sobre un panel de madera cortado con láser es una pieza lista para colgar que resume el humor, la ironía y el comentario crítico por el que son conocidos el arte pop callejero y el graffiti. El trabajo de Denial a menudo es elogiado por su uso vibrante del color, significados en capas y contenido que invita a la reflexión y que desafía las normas y comportamientos sociales. En "Look Busy The Boss is Coming...", Denial utiliza paneles de madera cortados con láser para aportar una calidad tridimensional al trabajo, enfatizando el impacto del texto y la urgencia del mensaje. El texto en capas, con sus letras en negrita resaltando sobre el fondo oscuro, crea una ilusión de profundidad, mientras que los ojos caricaturescos añaden un elemento divertido pero satírico a la pieza. El estilo característico de Denial, que a menudo incluye una combinación de texto e imagen, invita al espectador a interactuar con la obra de arte en múltiples niveles. Explorando las capas de significado en la expresión artística de la negación Expresión artística de Negación en "Look Busy The Boss is Coming..." es multifacético y refleja las complejidades de la condición humana y la realidad, a menudo absurda, del lugar de trabajo. La frase "Look Busy" es una visión satírica del aspecto performativo de la productividad en la sociedad moderna, donde las apariencias a veces pueden superar la eficiencia o contribución real. La adición de ojos vigilantes y exagerados sirve para subrayar la constante vigilancia y presión que sienten los empleados en el entorno profesional. Este artículo dice mucho sobre el estado actual de la cultura laboral, donde el miedo a la autoridad y la necesidad de parecer perpetuamente ocupado pueden eclipsar el valor del trabajo genuino. La declaración hecha por Denial a través de esta obra de arte hace eco de su perspectiva más amplia sobre la vida y la sociedad. Como ha señalado el propio artista, su obra aborda temas severos y, en ocasiones, siniestros a través de una lente de absurdo y sátira. El objetivo no es promover una perspectiva sombría sino utilizar el humor como herramienta para la reflexión e, idealmente, inspirar conversaciones que conduzcan a mejores soluciones para los problemas sociales. La naturaleza caprichosa pero incisiva de "Look Busy The Boss is Coming..." ejemplifica este enfoque, ya que muestra un espejo ante la audiencia, incitándolos a cuestionar y tal vez reírse de los absurdos de sus rutinas diarias. Impacto y recepción del arte pop callejero de Denial El impacto de "Look Busy The Boss is Coming..." de Denial es importante en la comunidad del arte pop callejero y entre los coleccionistas de arte. Como pieza de edición limitada, su valor radica en su escasez y sus potentes comentarios envueltos en un paquete estéticamente agradable. La obra resuena en una amplia audiencia debido a su contenido identificable y su presentación accesible. La capacidad de Denial para destilar críticas sociales complejas en arte pop callejero visualmente atractivo hace que sus piezas sean buscadas tanto por coleccionistas experimentados como por nuevos entusiastas. El trabajo de Denial, incluido "Look Busy The Boss is Coming...", contribuye al diálogo continuo sobre las intersecciones entre el arte callejero, la cultura pop y el comentario social. Su voz única en el arte ha atraído atención y respeto, ilustrando cómo el arte pop callejero y el graffiti pueden trascender las fronteras tradicionales y entrar en un discurso significativo con un público más amplio.

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Destruir, reconstruir, repetir AP HPM Impresión 3D a prueba de artista enmarcada en un panel con soporte de madera listo para colgar por Quiccs Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Prueba de artista AP firmada, dibujos pequeños y obra de arte enmarcada AP marcada, tamaño 12 x 16, marco más grande. 12 x 16 en. (30.48 cm x 40.64 cm) Impresión artística en madera de abedul de tres capas, firmada y numerada a mano por Quiccs. Esta primera impresión artística en madera de abedul de tres capas, la primera de su tipo, comienza con una impresión en madera de 3/4". Luego se colocan capas con piezas desplegables de forma personalizada de 1/2" y luego se termina con una capa de corte personalizado de 1/4" para crear una pieza de arte única. Expresión en capas a través de la precisión Destruir, reconstruir, repetir del artista filipino de graffitis y pop callejero Quiccs es una destacada impresión en madera de bellas artes tridimensional que encapsula el espíritu de la transformación a través de la destrucción y la creatividad. Construida a partir de tres capas distintas de madera (un panel base de 3/4 de pulgada, un conjunto de piezas extraíbles cortadas con precisión de 1/2 pulgada y una capa superior final de 1/4 de pulgada), la estructura de esta obra de arte refleja su narrativa conceptual. Cada nivel contribuye a la complejidad visual, aportando profundidad dinámica a una escena de alto octanaje que fusiona elementos de mecha, hip-hop, cultura callejera y estética de juguetes. Enmarcada y lista para colgar, esta versión de prueba de artista mide 12 por 16 pulgadas y el marco se extiende un poco más para encerrar la forma escultórica. Personajes característicos de la fusión pop callejera En el corazón de la pieza se encuentra el icónico personaje TEQ63 de Quiccs, representado con contornos audaces, gran saturación y estilos de armadura mecánica que fusionan el diseño de súper robots japoneses con códigos culturales urbanos. Un rostro de calavera envuelto en un pañuelo, acentuado por insignias esqueléticas y extremidades mecánicas desgastadas por la batalla contrastan con elementos como zapatillas de deporte y marcas de aerosol de vinilo, mezclando lo militante con lo lúdico. Lo que distingue a esta prueba del artista es el pequeño carácter adicional dibujado a mano en la parte superior derecha, una calavera y huesos cruzados ubicados de manera única y esbozados directamente sobre la superficie, lo que refuerza su rareza y da una idea del léxico visual taquigráfico del propio artista. Lenguaje material y fuerza conceptual Realizada en madera de abedul utilizando métodos de impresión de archivo, Destroy, Rebuild, Repeat captura las sensibilidades duras de la cultura del graffiti mientras explora nuevas posibilidades materiales en ediciones de bellas artes. La decisión de construir sobre madera en lugar de lienzo o papel basa la obra en las tradiciones artesanales, mientras que las técnicas de impresión digital y los efectos de pintura en aerosol apuntan hacia el futurismo urbano. La construcción en capas imita la complejidad del mensaje de Quiccs: un ciclo repetitivo de construcción y colapso, identidad y reinvención, que define la experiencia de los creadores que navegan en un mundo de caos social y resiliencia. Rareza limitada en el arte pop callejero contemporáneo Esta pieza es parte de una prueba de artista firmada y numerada, marcada AP 08/08, y presenta adornos y marcos originales. Como una iteración experimental de los objetos de arte de Quiccs, combina el diseño coleccionable con una instalación lista para la galería. La silueta enmarcada y la textura física resaltan su importancia no sólo como espectáculo visual, sino como escultura con peso e historia.

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In This Together Grabado en madera de Ravi Amar Zupa, obra de arte de edición limitada extraída a mano en un panel de madera recuperada. 2020 Edición limitada firmada y numerada de 40 obras de arte Tamaño 4x5.75 Impresión en madera en un panel de madera ligeramente desgastado listo para colgar que representa una calavera Jolly Roger y tibias cruzadas con corona. La obra de arte dice: Distanciamiento social con amor 2020 en esto juntos. "In This Together" es un profundo grabado en madera de Ravi Amar Zupa, un artista conocido por sus intrincados grabados hechos a mano en paneles de madera recuperada. Esta obra de arte de edición limitada, que forma parte de una colección de solo 40, refleja un momento definido por la pandemia global y resume el espíritu de solidaridad y resiliencia. La pieza, que mide 4x5.75 pulgadas, es una declaración compacta pero poderosa, lista para colgar y ligeramente desgastada, lo que aumenta su atractivo crudo. El estampado presenta la icónica calavera y tibias cruzadas de Jolly Roger, coronada, un símbolo históricamente asociado con la piratería pero recontextualizado aquí para significar unidad en la adversidad. Simbolismo y técnica en la obra de Zupa La elección de imágenes y texto de Ravi Amar Zupa en "In This Together" es evocadora y oportuna. Combinadas con una corona, la calavera y las tibias cruzadas simbolizan tradicionalmente la muerte y el poder. Sin embargo, en el contexto de esta obra de arte, adquieren un nuevo significado, representando la lucha colectiva y la necesidad de "reinar" la crisis con compasión, como lo sugiere la frase "Distanciamiento social con amor". La técnica del grabado en madera, una forma tradicional de grabado, aporta una sensación de atemporalidad y conecta la obra con una larga historia de expresión artística. Al mismo tiempo, el panel de madera recuperada sirve como recordatorio de sostenibilidad e ingenio. Resonancia cultural de la obra de arte La resonancia cultural de "In This Together" dentro de la escena del arte pop callejero y del graffiti es significativa. Capta un sentimiento compartido que trascendió fronteras durante la pandemia: la solidaridad. El trabajo de Zupa a menudo explora temas de importancia social y política, y esta pieza no es una excepción. Habla del corazón del papel social del arte callejero: comentar, unir e inspirar. Esta obra de arte no es solo un reflejo de los tiempos, sino también un grito de guerra, una declaración de apoyo y empatía que resonó profundamente durante una época de incertidumbre global. Coleccionabilidad e impacto en el arte contemporáneo La coleccionabilidad de "In This Together" radica en su condición de edición limitada, firmada y numerada por Zupa, que agrega un elemento de exclusividad. El tamaño de la obra la hace accesible, mientras que su mensaje y su artesanía la convierten en una adición importante a cualquier colección de arte pop callejero contemporáneo y obras de arte de graffiti. El impacto de la pieza se ve reforzado aún más por su medio (la impresión en madera sobre paneles de madera) que une las técnicas tradicionales de creación de arte con temas modernos, atrayendo así a una amplia gama de entusiastas y coleccionistas del arte. "In This Together" de Ravi Amar Zupa es una convincente obra de arte contemporáneo que resuena con el espíritu comunitario del arte pop callejero y el graffiti. A través de la impresión tradicional en madera recuperada, Zupa crea una obra de arte que es a la vez un testimonio de los tiempos y una obra de arte atemporal.

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Espiral psicodélico- 01 Pintura en aerosol múltiple original pintada a mano, técnicas mixtas de tinta sobre panel de madera cortado con láser listo para colgar por Tavar Zawacki (arriba) Artista callejero de graffiti Arte pop moderno. "La serie Psychedelic se realizó en conjunto con mi reciente exposición individual Remix. Toda la serie Psychedelic fue diseñada con énfasis en un contraste visual nítido. Es similar al 'Op-art' (Arte óptico) que hace que tus ojos se salgan de sus casillas. Es un efecto que altera tu percepción como si estuvieras tomando drogas psicodélicas. Algunos de los diseños psicodélicos que hice aparecieron en Remix, y algunos de ellos los creé específicamente para esta serie. Este diseño particular de 'Sunset Strip' lo hice con más complejidad. para mi exposición individual Remix. La exposición Remix trataba sobre intercambiar e intercambiar diferentes patrones de corte del mismo diseño, en diferentes colores para lograr la pieza final. La serie Psychedelic logra un efecto similar pero en un estilo más básico de bloquear colores y permitir el espacio negativo para revelarse." - Arriba

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Ilusión estrellada Pintura original Pintura en aerosol, aerosol y acrílico sobre madera recuperada por Shark Toof Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2014 Pintura en aerosol original firmada Pintura con técnica mixta Tamaño de obra de arte 18x20.75 “Este nuevo trabajo es una mezcla de mis raíces en el graffiti, que es donde realmente desarrollé mi propia voz única. Al mismo tiempo, también hay un aspecto de este trabajo que consiste en no tomarte a ti mismo demasiado en serio, en cierto modo destrozar tus propios íconos”, dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. "Me gusta Detroit porque es un lugar muy de bricolaje y yo soy un artista muy aficionado al bricolaje, por lo que encaja perfectamente conmigo".

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Plantilla "Ternura fría", cartulina original cortada a láser con hoja de oro de Snik. Obra de arte enmarcada única del artista pop de arte callejero. Cold Tenderness de Snik: Fragilidad en precisión con pan de oro en arte pop callejero y obras de arte de grafiti. Cold Tenderness es una obra de arte original de 2019 del dúo de plantillas con sede en el Reino Unido Snik, creada meticulosamente con pan de oro sobre cartulina negra cortada con láser. Con un tamaño de 13.75 x 20 pulgadas y un marco de 16 x 23 pulgadas, esta pieza única ejemplifica el equilibrio característico de los artistas entre control y emoción, artesanía y atmósfera. El retrato de una mujer, realizado a través de innumerables incisiones diagonales finas, brilla con sutileza y serena elegancia. A medida que la luz capta la superficie metálica, su mirada emerge y retrocede, revelando la tensión entre la permanencia y la desaparición. En el ámbito más amplio del Street Pop Art y el Graffiti, Cold Tenderness se erige como un experimento poético sobre la fragilidad de la superficie, utilizando materiales de lujo y procesos industriales para interrogar la vulnerabilidad, la memoria y la identidad. Artesanía cortada a láser y emoción en hoja de oro Lo que distingue esta obra es la precisión de su construcción. Snik ha empleado tecnología de corte láser para producir una red compleja de líneas de plantilla, cada trazo diseñado cuidadosamente para ofrecer variación tonal y profundidad de sombra. Sobre esta rejilla se han aplicado láminas de pan de oro, dando como resultado una superficie que cambia con la luz y la posición del espectador. La técnica transforma la cartulina en una pantalla reflectante donde el retrato oscila entre la imagen y la abstracción. Si bien el arte callejero suele ser rápido, crudo y transitorio, este trabajo es metódico, deliberado y de archivo. La hoja de oro añade al mismo tiempo opulencia y decadencia: frágil al tacto, siempre al borde del deterioro. Esta paradoja realza el tono emocional de Cold Tenderness, convirtiéndola en una contribución histórica al Street Pop Art y al Graffiti. El rostro y el vacío En el centro de la composición se encuentra la figura femenina, cuyo rostro se transforma suavemente en sombra. No hay fondo. El campo de color negro sólido funciona como silencio y espacio, creando un vacío que enmarca la mirada introspectiva de la figura. Cada línea cortada y cada trazo dorado tiene peso; el rostro no está pintado ni esbozado, sino grabado a través de la ausencia. El sujeto no aparece como intérprete, sino como testigo: observa sin dar explicaciones, está presente sin certeza. Este enfoque simplificado del retrato pone énfasis no en la narrativa sino en la presencia. En el lenguaje del Street Pop Art y del Graffiti, esta reducción magnifica el significado, permitiendo que pequeños gestos y cambios sutiles se conviertan en el núcleo emocional. Snik y la alquimia de la quietud La fría ternura es un símbolo de la evolución de Snik como artistas que han redefinido la plantilla como una herramienta de rebelión silenciosa y afirmación poética. Al fusionar la artesanía con la precisión digital, los métodos industriales con temas orgánicos, exploran continuamente el espacio liminal entre el diseño y la emoción. La elección del pan de oro en esta pieza no es decorativa: es simbólica. Habla del valor, la erosión, el tiempo y la forma en que la luz puede revelar y ocultar. Esta obra de arte no es ruidosa, pero es profunda. Exige observación atenta, reflexión lenta y compromiso paciente. En el arte pop callejero y el graffiti, pocas piezas comunican fragilidad y disciplina con este nivel de cuidado.

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Face Invader- Cara de perra en reposo Múltiple original pintado a mano (HPM) en un panel con soporte de madera listo para colgar por Bask Graffiti Street Artist Modern Pop Art. “Quería hacer algo especial para la carrera que coincidiera con el espectáculo. Entonces se me ocurrió la idea de no solo ofrecer una impresión adornada a mano, sino también hacer una serie de piezas en conjuntos que estuvieran todas pintadas a mano. Sin plantillas ni serigrafías, quería ofrecer piezas realmente pintadas que fueran asequibles para cualquiera que las quisiera. Pero a pesar de lo entusiasmado que estaba con esta idea, tuve que descubrir cómo hacer que esto sucediera en un plazo de tiempo razonable. Sin mencionar que obtuve 10 imágenes que podría duplicar casi idénticamente 20 veces. Entonces surgió la idea de recuperar algunos de los rostros que han aparecido en trabajos anteriores. Personajes que Detroit me inspiró a crear. Debo agregar que este ha sido uno de los proyectos más laboriosos que he asumido. Hay más de 500 horas entre mi asistente y yo. Cada panel fue trabajado minuciosamente”. - tomar el sol

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Chekers Original, único en su tipo, pintura en aerosol de técnica mixta, obra de arte sobre panel de madera del popular artista de graffiti callejero Secor. 2019 Medios mixtos firmados en 16x30 sobre lienzo sin estirar

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HYPE Box Limited Caja de madera con serigrafía hecha a mano Escultura de técnicas mixtas Obra del artista callejero graffiti artista pop moderno Skewville. Número muy limitado hecho a mano y firmado 2021

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Migration Shark 4 Pintura original Pintura en aerosol, acrílico y técnicas mixtas sobre madera cortada con láser por Shark Toof Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2014 Pintura en aerosol original firmada Pintura de técnica mixta Tamaño de obra de arte 115x43 Objeto de arte masivo. “Este nuevo trabajo es una mezcla de mis raíces en el graffiti, que es donde realmente desarrollé mi propia voz única. Al mismo tiempo, también hay un aspecto de este trabajo que consiste en no tomarte a ti mismo demasiado en serio, en cierto modo destrozar tus propios íconos”, dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. "Me gusta Detroit porque es un lugar muy de bricolaje y yo soy un artista muy aficionado al bricolaje, por lo que encaja perfectamente conmigo". -Tiburón Toof

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¿Qué drones? Pintura en aerosol, acrílico, plantilla y técnicas mixtas adornadas a mano de edición limitada sobre panel de madera acunado por Denial Graffiti Street Artist Modern Pop Art. Edición limitada firmada y numerada de 2015 de la obra de arte HPM Stencil 5, tamaño 48 x 30 El artista canadiense Denial y el australiano Ben Frost han unido fuerzas en una audaz exposición de nuevos trabajos que explora los límites de la apropiación y confronta las reimaginaciones de nuestra sociedad distópica actual. Ambos artistas, confesos “ladrones visuales”, tienen una larga historia de robar y subvertir los íconos culturales que el mundo publicitario y consumista nos ha impuesto, para crear interpretaciones nuevas y pertinentes que son tan confrontativas como humorísticas. Denial y Frost formaron una amistad instantánea desde su encuentro en Canadá en 2011 y desde entonces han estado creando atractivos trabajos callejeros y de galerías. "Company of Thieves" ve cómo su colaboración va más allá, con obras de gran y pequeña escala que hacen referencia al arte pop, el graffiti y el mundo corporativo contra el que se rebelan. El arte de la negación es fuertemente político y social, ya que el artista adopta posiciones específicas contra temas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista es consciente de sus elecciones y motivaciones: “Me gusta pensar en mí mismo como un arte pop activista. Cómo me relaciono con los dibujos animados y los gráficos es mucho más fácil que con material fotorrealista". Otro aspecto del trabajo de Denial es el humor. Su trabajo es satírico, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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Madera troquelada enamorada - Múltiples rosados ​​limitados en panel de madera cortado con láser listo para colgar por Buff Monster Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2021 Edición limitada firmada y numerada de 45 obras de arte en color rosa Tamaño 14.5 x 13.5 pulgadas (37 x 34 cm) "¡Hace años que quería hacer una impresión en madera troquelada y serigrafiada! ¡Finalmente lo he logrado! También están todos pintados por mí; el fondo rosa claro y el negro de los lados han sido pintados por mí. Los colores en una edición serigrafiada son siempre mucho más brillantes." -Buff Monster Buff Monster, un artista callejero radicado en Nueva York conocido por su trabajo vibrante y caprichoso en el arte pop moderno y el graffiti, presenta "Enamored Die-Cut Wood- Pink". Esta obra de arte de edición limitada, que forma parte de una serie de 45, es un testimonio del compromiso de Buff Monster con la innovación y la artesanía en el arte pop callejero. Cada pieza, de tamaño 14.5 x 13.5 pulgadas, está meticulosamente elaborada en paneles de madera cortados con láser, preparados para exhibirse sin marco adicional. La obra de arte presenta el motivo característico de Buff Monster: el personaje de Mister Melty que se derrite, a menudo asociado con la alegría, el amor y el constante paso del tiempo. El singular ojo del personaje y el motivo del corazón están realizados en un llamativo color rosa, un tono recurrente en el trabajo de Buff Monster, que simboliza optimismo y vitalidad. Esta edición en particular se ve realzada aún más por la mano de Buff Monster, con el fondo rosa claro y los lados negros pintados personalmente por el artista, agregando una capa de intimidad y autenticidad a cada impresión. Al igual que con las serigrafías tradicionales, los colores de "Enamored Die-Cut Wood- Pink" son vívidos y saturados, lo que muestra la preferencia de Buff Monster por paletas brillantes y llamativas que dan vida a sus personajes. El soporte de madera troquelada añade una dimensión escultórica a la pieza, ofreciendo una experiencia táctil que difiere de las impresiones bidimensionales. Esta cualidad multidimensional refleja el dinamismo del arte pop callejero, que a menudo interactúa inesperadamente con su entorno. La creación de Buff Monster es más que una mera pieza decorativa; es una porción de la cultura callejera, una manifestación de las influencias del artista extraídas de la cultura japonesa, el graffiti clásico y la estética de los dibujos animados estadounidenses. La edición "Enamored Die-Cut Wood-Pink" representa una unión de estas inspiraciones, que resume el espíritu lúdico e irreverente que define la práctica artística de Buff Monster y el movimiento de arte pop callejero más amplio. Esta obra es una colorida oda a las maravillas de la vida, el amor y el poder duradero del arte para evocar emociones y provocar pensamientos.

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Black Shoe Edición limitada de escultura de madera, obra de arte impresa por el legendario artista callejero de Fine Graffiti Skewville. 2021 Firmado en el costado con 99-14. Posee un pedazo de historia con un par de zapatillas Skewville. Serigrafía sobre madera. 12″ x 4″ Edición de 15

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Tiburón- Oro original pintado a mano múltiple en panel de madera cortado con láser listo para colgar por Shark Toof Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2016 HPM Embleshed firmado y numerado Edición limitada de 7 obras de arte en madera Tamaño 9.25 x 17 “Este nuevo trabajo es una mezcla de mis raíces en el graffiti, que es donde realmente desarrollé mi propia voz única. Al mismo tiempo, también hay un aspecto de este trabajo que consiste en no tomarte a ti mismo demasiado en serio, en cierto modo destrozar tus propios íconos”, dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. "Me gusta Detroit porque es un lugar muy de bricolaje y yo soy un artista muy aficionado al bricolaje, por lo que encaja perfectamente conmigo". Toof de tiburón

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Negación de la muerte, obra de arte original pintada a mano con múltiples técnicas mixtas de pintura en aerosol sobre panel de madera cortado con láser, lista para colgar por el artista callejero de grafiti Denial, arte pop moderno. Edición limitada firmada y numerada de 2017 de 10 obras de arte, tamaño 8x11, número 1. «Mi obra habla de una fatalidad inminente y de muchos temas groseros y siniestros, pero eso no debería significar que desee que esto suceda en absoluto. Espero que mi trabajo sugiera solo lo contrario: mostrar lo ridículo de todo y cómo podemos encontrar mejores soluciones para el futuro». -Negación. El arte negacionista es intensamente político y social, ya que el artista adopta posturas específicas contra problemas como el capitalismo, la cultura de consumo y la publicidad. Más importante aún, el artista conoce sus elecciones y motivaciones: «Me gusta considerarme un activista del arte pop. Me relaciono mucho más fácilmente con las caricaturas y los gráficos que con el material fotorrealista». Otro aspecto de la obra de Negación es el humor. Su obra es satírica, lo que, por definición, significa que utiliza el humor como mecanismo de confrontación.

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Are We There Yet? Impresión acrílica con plantilla HPM de Denial, de Daniel Bombardier, pintada a mano, múltiple, sobre madera, lista para colgar, grafiti único, artista callejero, arte pop moderno. Edición numerada y firmada 2020 de 20 ilustraciones únicas de pintura con esténcil HPM, tamaño 11 x 11 sobre madera, listas para colgar. Are We There Yet? Impresión de pintura en aerosol con esténcil HPM de Denial: arte pop callejero y grafiti Denial, también conocido como Daniel Bombardier, presenta Are We There Yet?, una impresión de pintura en aerosol con esténcil que invita a la reflexión y que encarna la estética audaz del arte pop callejero y el grafiti. Este múltiple firmado y numerado pintado a mano, creado en 2020 como parte de una edición limitada de 20, mide 11 x 11 pulgadas en madera, lo que lo convierte en una pieza lista para colgar que fusiona las influencias de la cultura pop moderna con la energía cruda del arte urbano. La composición presenta una llamativa figura femenina representada en un estilo pop art clásico, completa con puntos de semitono, contornos negros llamativos y una paleta de colores vibrantes. Su mirada expresiva y de ojos muy abiertos se combina con la frase ¿Ya llegamos?, ubicada de forma destacada en un cuadro de texto de estilo cómic. Detrás de ella, un símbolo de la paz fracturado se destaca sobre un fondo rosa intenso, insinuando temas de desilusión, malestar social y la búsqueda aparentemente interminable del progreso. El marcado contraste entre la estética brillante y pulida y el mensaje subyacente crea una tensión que es característica del trabajo de Denial, invitando a los espectadores a involucrarse con su significado más profundo. El comentario social detrás de ¿Ya llegamos? Denial es conocido por su visión satírica de la cultura contemporánea, utilizando tropos visuales reconocibles para criticar el consumismo, la política y las expectativas sociales. Are We There Yet? Juega con la nostalgia al tiempo que ofrece un comentario agudo sobre el estado de los asuntos mundiales, en particular las cuestiones relacionadas con la paz, la estabilidad y el progreso. El uso del símbolo de la paz fracturado sugiere una erosión de los ideales y cuestiona si la sociedad está avanzando o está estancada en un ciclo de conflictos sin resolver. La expresión del rostro de la figura femenina transmite incertidumbre, frustración y quizás incluso una sensación de resignación. ¿Ya llegamos? se hace eco de un sentimiento familiar de impaciencia, típicamente asociado con los viajes largos, pero dentro de este contexto, se convierte en una metáfora del cambio social y las luchas asociadas con el logro de la verdadera paz. Al utilizar imágenes de arte pop que recuerdan a las ilustraciones de cómics de mediados de siglo, Denial establece una conexión entre los ideales del pasado y las realidades presentes, enfatizando el contraste entre lo que se prometió y lo que se entregó. Las técnicas artísticas y el estilo de Denial Denial emplea una mezcla de técnicas de arte callejero basadas en plantillas e influencias del arte pop para crear obras que son visualmente impactantes y conceptualmente atractivas. Su uso de pintura en aerosol, colores atrevidos y bordes afilados le da a su trabajo una sensación de inmediatez, mientras que la incorporación de elementos pintados a mano asegura que cada pieza dentro de la edición sea única. Este método se alinea con la tradición del Street Pop Art y el Graffiti Artwork, donde la estética de la producción en masa se encuentra con la individualidad cruda de la cultura callejera. El efecto de puntos de semitono, un elemento característico del arte pop, hace referencia a las técnicas de impresión mecánica utilizadas en los cómics y la publicidad, reforzando los temas de la influencia de los medios masivos y las narrativas impulsadas por el consumidor. La yuxtaposición de la estética de inspiración vintage con temas sociopolíticos modernos crea un diálogo convincente, desafiando a los espectadores a reconsiderar las imágenes y los mensajes que consumen a diario. El panel de madera añade profundidad y textura a la obra de arte, haciéndola sentir como un objeto en lugar de solo una impresión bidimensional, reforzando aún más su presencia como una pieza de declaración audaz. El impacto de ¿Ya llegamos? ¿Ya llegamos en el arte urbano contemporáneo? es un poderoso ejemplo de cómo el arte pop callejero y el graffiti pueden ser visualmente cautivadores y socialmente reflexivos. La capacidad de Denial para combinar humor, nostalgia y crítica le permite a su obra resonar entre un público amplio, desde entusiastas de la cultura pop hasta coleccionistas que buscan arte contemporáneo significativo. Su comentario sobre la paz y el progreso social resulta especialmente relevante en una época en la que los problemas globales de conflicto, desigualdad y crisis ambientales siguen estando al frente del discurso público. Denial continúa ampliando los límites dentro del arte urbano, utilizando su trabajo como plataforma para el debate y la reflexión. Are We There Yet? captura un momento de cuestionamiento colectivo, instando a los espectadores a considerar no sólo lo lejos que ha llegado la sociedad, sino también lo mucho que queda por recorrer.

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Cabeza de tiburón: rojo fluorescente pintado a mano y serigrafiado múltiple en panel de madera cortado con láser listo para colgar por Shark Toof Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2016 Firmado y numerado HPM Embleshed Edición limitada de 4 obras de arte en madera Tamaño 10x16 “Este nuevo trabajo es una mezcla de mis raíces en el graffiti, que es donde realmente desarrollé mi propia voz única. Al mismo tiempo, también hay un aspecto de este trabajo que consiste en no tomarte a ti mismo demasiado en serio, en cierto modo destrozar tus propios íconos”, dijo Shark Toof mientras se preparaba en Detroit. "Me gusta Detroit porque es un lugar muy de bricolaje y yo soy un artista muy aficionado al bricolaje, por lo que encaja perfectamente conmigo".

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Thriller Pintura original Acrílico, pintura para el hogar y aerosol sobre madera acunada por Shark Toof Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2015 pintura en aerosol original firmada pintura en técnica mixta tamaño de obra de arte 24x36 La fusión artística del 'Thriller' de Shark Toof "Thriller", una pintura original de Shark Toof, es una incursión dinámica en el graffiti callejero y el arte pop moderno. Creada en 2015, esta obra de arte de técnica mixta (acrílico, pintura para el hogar y aerosol sobre madera acunada) muestra la combinación característica de Shark Toof de influencia callejera y disciplina artística aceptable. La pieza, que mide 24x36 pulgadas, está firmada por el artista, lo que aporta autenticidad a esta vibrante representación de su estilo multifacético. Shark Toof, reconocido por sus poderosas declaraciones visuales en la comunidad del arte callejero, pone sus raíces en el graffiti en primer plano en esta pieza. Su trabajo no se limita a las expectativas tradicionales del arte pop; en cambio, se aventura en un ámbito donde la iconoclasia se encuentra con la iconografía. En "Thriller", la influencia del arte callejero es palpable, con la energía cruda del graffiti traduciéndose en una composición estructurada pero enérgica sobre madera. El enfoque de Shark Toof hacia su trabajo refleja una decisión consciente de fusionar su voz establecida con una irreverencia lúdica, desafiando al espectador a considerar los íconos de nuestro tiempo y su significado mutable. La obra de arte resume la filosofía de Shark Toof de que el arte no siempre debe tomarse demasiado en serio, sugiriendo que hay poder en subvertir las propias creaciones. Esta noción de "destrozar" los propios íconos es un comentario sobre la impermanencia de la fama y la fluidez de los símbolos culturales en nuestra sociedad. Esta combinación de introspección y comentarios externos posiciona a "Thriller" dentro de un espacio único en el arte contemporáneo. Shark Toof y el espíritu del arte callejero del bricolaje La preferencia de Shark Toof por Detroit como telón de fondo para su proceso creativo habla de su afinidad por el espíritu del "hágalo usted mismo", o bricolaje, a menudo asociado con el arte callejero. Su conexión con la ciudad, conocida por su próspera industria e historia de innovación, refleja su trayectoria artística. En Detroit, una ciudad que ha experimentado grandeza y determinación, Shark Toof encuentra un espíritu afín: un paisaje que es a la vez un lienzo y un catalizador para la creatividad. "Thriller" encarna este espíritu DIY no sólo en su creación sino también en su presentación. El uso de madera acunada como sustrato es un guiño a las superficies improvisadas que a menudo se emplean en el arte callejero, donde cualquier espacio o material puede convertirse en la base de la expresión. La elección de materiales por parte de Shark Toof (pintura para el hogar y aerosol) hace eco aún más de la lengua vernácula del arte callejero, donde la inmediatez del medio coincide con la urgencia del mensaje. "Thriller" de Shark Toof celebra la narrativa en evolución del arte pop callejero y el graffiti. Su trabajo es un testimonio del poder del arte callejero para trascender sus orígenes urbanos y encontrar resonancia en el entorno de una galería. A través de su audaz uso del color, la forma y el medio, Shark Toof continúa desafiando y redefiniendo lo que significa ser un artista callejero en el mundo del arte contemporáneo.

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From The Ground Up Round 2- #22 Serigrafía original de dos colores pintada a mano en madera recuperada lista para colgar por Meggs Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2 Desde cero Ronda 2015 # 2 Impresión de pintura HPM original de Meggs lista para colgar Meggs La adaptación de su arte callejero y graffiti a las bellas artes le ha brindado a Meggs amplias oportunidades para viajar, exhibir profesionalmente su trabajo y participar en festivales de murales en todo el mundo. Sus obras de arte callejero y galerías son reconocidas a nivel nacional e internacional en ciudades como Melbourne, Sydney, Londres, San Francisco, París, Tokio, Hawai'i, México, Los Ángeles y Hong Kong. Las obras de arte de Meggs están incluidas en las colecciones permanentes de papel de la Galería Nacional de Australia y el Museo Victoria & Albert de Londres.

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Consistencia- 5 Pintura original Pintura en aerosol, Acrílico, Técnica mixta sobre panel de madera acunado por Cope2 Graffiti Street Artist Modern Pop Art. En los últimos años Cope2 ha sido encargado por la revista Time, Converse, Adidas entre otros. Su trabajo incluso ha cruzado el ámbito virtual con apariciones en videojuegos como Mark Eckos: Getting up y Rockstar Games: Grand Theft Auto IV. A mediados de la década de 1990, Cope2 comenzó una lenta transición de las calles a la escena artística de las galerías. En aquella época, el arte callejero no era tan popular como lo es hoy y la idea que el gran público tenía de él todavía estaba indisolublemente ligada a los guetos, el tráfico de drogas, etc. El artista nunca ha ocultado su inquietante pasado y evita idealizarlo, como manera de mejorar su carrera y su personalidad artística. Por el contrario, menciona lo siguiente: “Oh hombre, no hay nada de qué enorgullecerse en el bullicio, pero tuve mi primer hijo a los 16 años, mi hijo. Entonces tuve que ganar dinero para mantenerlo a él y a su madre.

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Detroit Serie 24 Pintura original en aerosol, pintura acrílica y técnicas mixtas sobre madera acunada por Cope2 Graffiti Street Artist Modern Pop Art. 2010 Pintura en aerosol original firmada y titulada Pintura acrílica Pintura de técnicas mixtas sobre panel de madera cuna Lista para colgar Obra de arte de graffiti Tamaño de letra de burbuja 24x16 "Siempre quise hacer un espectáculo como este. Últimamente, he hecho la transición principalmente a pinturas de técnicas mixtas, pero he estado haciendo graffitis intensos, si quieres llamarlo así, durante más de treinta años. Es lo que me hizo Cope2. Pero me gusta cambiarlo y mostrar todos mis diferentes estilos. Entonces, con este programa puedo mostrar la evolución de mi estilo y cómo he progresado. "Versátil" muestra de dónde vengo y lo que estoy haciendo ahora", afirmó Cope2 desde su estudio en Nueva York. -Cope2 Cope2 y la intersección del arte pop callejero y el graffiti La "Pintura original Detroit Series 24" de Cope2 marca un hito importante en la fusión del arte pop callejero y el graffiti. Una mezcla magistral de pintura en aerosol, pintura acrílica y técnicas mixtas sobre madera acunada, esta pieza de 2010, con un tamaño de 24x16 pulgadas, está firmada y titulada por el propio artista. La obra de arte es un testimonio listo para colgar del viaje de Cope2 en el mundo del arte, y resume vívidamente sus más de treinta años de experiencia con lo que él llama "graffiti incondicional". Esta pieza es una declaración audaz de la evolución del artista, que encarna los diversos estilos que Cope2 ha adoptado y dominado a lo largo de los años. Las letras de burbujas de la obra de arte resaltan contra el panel de madera, mostrando la capacidad de Cope2 para combinar la espontaneidad del arte callejero con la permanencia y textura que brindan los medios artísticos como la madera y el acrílico. "Detroit Series 24" no es sólo una obra de arte; es una narrativa, una autobiografía visual que traza la progresión del artista desde las calles de Nueva York hasta los espacios refinados de las galerías. La adaptación de Cope2 a las pinturas de técnicas mixtas es una elección consciente que habla de su deseo de crecimiento y exploración dentro de su oficio y al mismo tiempo honra las raíces del graffiti que sentaron las bases de su carrera. Reverberaciones de la evolución artística de Cope2 La apuesta de Cope2 por mostrar su evolución estilística es palpable en “Detroit Series 24”. La obra de arte es una manifestación física de la versatilidad de la que habla. Esta versatilidad le ha permitido seguir siendo una figura relevante y célebre del arte moderno. A través de esta serie, ofrece una historia visual de su desarrollo personal, mostrando el alcance de sus capacidades artísticas. La serie es una celebración del cambio, del potencial de la forma de arte del graffiti para adaptarse y prosperar en diversos entornos y formatos. En esta pieza, como en otras de la serie, hay un diálogo entre la calidad cruda y enérgica del arte callejero y la naturaleza reflexiva e intencional del trabajo de estudio. La obra de arte sirve como un puente que conecta la forma de arte del graffiti, a menudo subrepresentada, con la narrativa dominante del arte contemporáneo. Es un testimonio de la legitimidad y profundidad del arte pop callejero y el graffiti, desafiando la noción de que estas formas de expresión son de alguna manera menos válidas que sus contrapartes tradicionales. El legado de la serie Detroit de Cope2 en arte pop callejero y graffiti El legado de "Detroit Series 24" se extiende más allá de sus logros estéticos. La obra es una contribución significativa a la conversación en curso sobre el lugar del arte callejero dentro del contexto más amplio de la historia del arte. El viaje de Cope2 refleja el viaje del graffiti en sí, desde un acto de desafío hasta una forma de arte respetada que ocupa espacio tanto en galerías como en colecciones privadas. Su trabajo, particularmente en esta serie, resume el espíritu de resiliencia que define gran parte del arte callejero y el graffiti, mostrando una adaptabilidad que ha permitido que esta forma de arte florezca. Cope2 no sólo ha documentado su evolución a través de su arte, sino que también ha reflejado la evolución del arte pop callejero y el graffiti. "Detroit Series 24" es una vibrante celebración de esta progresión, un lienzo donde el pasado y el presente coexisten, donde el lenguaje de las calles se traduce al léxico de las bellas artes. La contribución de Cope2 al mundo del arte a través de esta pieza y otras de la serie es invaluable, lo que lo marca como una figura fundamental en el reconocimiento y la apreciación del arte inspirado en la calle. En definitiva, "Detroit Series 24" es una declaración audaz sobre el poder transformador del arte y la búsqueda duradera del artista por la expresión y la reinvención. A través de su trabajo, Cope2 continúa inspirando y desafiando, ampliando los límites de lo que pueden ser el arte pop callejero y el graffiti.

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Queen- Blue Original, único en su tipo, pintura acrílica en aerosol, de técnica mixta, sobre panel de madera acunado con marco de mesa personalizado del popular artista de graffiti de arte callejero Greg Gossel. 2017 Pintura original enmarcada firmada Tamaño de la obra de arte 18 x 24 Greg Gossel Queen (azul), 2017 Técnica mixta sobre panel de madera con marco de mesa personalizado 18 x 24 pulgadas, 45.7 x 61 cm

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Excelente impresión sobre panel de madera enmarcada lista para colgar por Sabek x OuterSpace Project Artista pop moderno de arte callejero. 2019 Edición limitada enmarcada, firmada y numerada, de 50 obras de arte, tamaño 14 x 14, lista para colgar Sobresaliente de Sabek 14 x 14 pulgadas (35.56 cm x 35.56 cm) Impresión exclusiva en madera de bellas artes sobre abedul sostenible de 1/2", acabado blanco brillante, firmada a mano y numerada. Edición de 50.

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